А

А

АБСТРАКТНЫЙ ЭКСПРЕССИОНИЗМ стал соединением абстрактного искусства и экспрессионизма, где подсознание человека художники стремились выразить с помощью произвольных форм и пятен красок. Его иногда называют абстрактным импрессионизмом, подчеркивая связь с картинами К. Моне, где главным является смесь образующих поверхность красок, как будто полуслепой художник искал живописные эквиваленты для выражения своих зрительных впечатлений. Примером могут служить «Импровизации» В. Кандинского, которые сам автор называл «канонами» для идентификации, предоставив зрителю догадываться об их содержании.

Пятна, цветные облака образуют сложнейшие сочетания, среди них, словно молнии разного цвета, зигзагами пролетают линии. Этот «хор красок и линий» сообщает зрителю определенное настроение, напоминающее поэтический образ или звуки музыки. Кандинский считал, что восприятие красок вызывает у зрителя определенные эмоции, ассоциации с звуками музыкальных инструментов: желтая – бешенство, земные страсти, звук флейты, синяя – спокойствие, напоминающее звуки виолончели, зеленая – ощущение неподвижности.

АБСТРАКЦИОНИЗМ

Развитие абстракционизма в послевоенное время связано прежде всего с США, куда к этому времени переселяются многие художники из Европы. Но послевоенный абстракционизм не был однородным, в нем выделялось несколько тенденций.

Прежде всего это «живопись действия», или абстрактный экспрессионизм. Крупнейшие представители – В. Поллок, А. Горки, С. Френсис. Его представители появились и во Франции, где их искусство получило наименование ташизма (от фр. tache – пятно). Содержание картин передавалось с помощью пятен краски различной формы, размещенных на холсте. Это было развитие традиций живописи начала XX века, и прежде всего В. Кандинского.

На одной из недавних выставок в Москве Поллок представил картины, написанные в духе «психического автоматизма», когда узоры образуются вылитыми на холст ручейками жидкой краски.

Вторая группа – художники, занимавшиеся собственным мифотворчеством. Например, испанец Ж. Миро, покрывавший холсты стилизациями под японскую и китайскую каллиграфию. Ж. Дюбюффе предложил зрителям имитации творчества наивных художников.

Третья группа представлена технизированным, абстрактно-геометрическим искусством. Ее представители тяготели к традициям конструктивизма 20-х – начала 30-х годов. Это А. Адан во Франции, А. Коддер в США и Б. Никольсон в Англии. Для искусства этого направления характерно предпочтение декоративных решений и объемно-пространственной пластики – различных модулей, движущихся конструкций – мобилей и различных псевдомеханизмов.

АВАНГАРДИЗМ (франц. avant-garde – передовой отряд) Сам термин «авангард» был перенесен в область художественной критики из сферы политики в 1885 году Т. Дюре в Париже. Начиная с 20-х гг. XX в. он прочно утвердился в искусствознании.

Обычно под авангардом понимают те направления в искусстве XX в., представители которых провозглашали разрыв с традициями реалистического искусства. Новые выразительные средства стали у авангардистов основой для создания необычных по стилю и художественным приемам произведений.

Трудно найти другой термин, в понимание которого вкладывалось бы так много значений. В настоящее время многие исследователи обозначают этим словом нереалистические течения в искусстве XX века, заменяя ранее использовавшийся термин «модернизм» (последний соотносят со временем рубежа веков с отдельными проявлениями в последующие десятилетия, причем преимущественно в архитектуре и музыке).

Отличительной особенностью авангардизма стало создание «новой художественной реальности». Его представители считали устаревшими привычные формы, в том числе строгие нормы стихосложения (и даже синтаксиса), выступали против реализма, который, по их мнению, не мог отразить всей сложности стремительно менявшейся действительности. Полотна стали покрываться разнообразными цветовыми пятнами, произведения представляли собой не связанные между собой главы, где, казалось, перепутаны все страницы. В театре последователи авангардизма отказывались от внешнего правдоподобия в оформлении спектаклей, заменяя реалистические декорации абстрактными конструкциями. Иногда целью художника становился чистый эксперимент в области формы.

Среди основных течений в живописи – футуризм, экспрессионизм, фовизм, кубизм и его разновидности пуризм и рационализм (в России), дадаизм, сюрреализм, абстракционизм, супрематизм, конструктивизм, поп-арт, ташизм.

К музыкальному авангардизму относят обычно так называемую конкретную музыку, основанную на свободе тоновых созвучий, а не на гармоническом ряде: соноризм, электронную музыку. Первые поиски в данном направлении были предприняты еще в самом начале XX века русским композитором А. Н. Скрябиным. В настоящее время к музыкальному авангарду принадлежат крупнейшие композиторы ряда стран – К. Штокхаузен, Я. Ксенакис, П. Булез, Л. Ноно, Д. Кейдж, Д. Лигети, Х. В. Хен, Л. Берно, К. Пендерецкий. Главным качеством их музыки является свобода звуковых сочетаний, создающих самые различные образы. Следует отметить, что это отнюдь не мешает композиторам передавать самое серьезное содержание: например, широко известны такие произведения К. Пендерецкого, как «Утреня» и «Реквием в честь жертв Хиросимы».

АВТОПОРТРЕТ (греч. autos – сам) – изображение художника, выполненное им самим. Одна из разновидностей портретного жанра в живописи, графике и скульптуре.

В словесном искусстве художник может выразить себя с помощью автобиографических жанров – дневника, исповеди, воспоминаний. В живописи, графике, скульптуре через автопортрет художник выражает свой внутренний мир. Он даже может зафиксировать возрастные изменения, возвращаясь к изображению самого себя через какой-то промежуток времени. Выполняется автопортрет при помощи одного или нескольких зеркал, а иногда по фотографии и даже без какого-либо точного следования натуре. Точное понимание термина предполагает, что на картине изображается сам художник и это произведение строго определенного портретного жанра. Однако иногда художник вводит себя в качестве действующего лица в жанровые композиции. Тогда это не автопортрет, а лишь попытка изображения самого себя в качестве одного из действующих лиц картины иного жанра.

Первые попытки самоизображения художника известны еще в античности (Фидий) и средневековье. Например, Вит Ствош, мастер, вырезавший алтарь Краковского собора, изобразил себя в виде одного из библейских персонажей. Живописцы раннего Возрождения (Мазаччо, Д. Гирландайо, С. Боттичелли, Лука Синьорелли и другие) также вводили свои портреты в религиозные композиции.

Как разновидность портретного жанра автопортрет сложился только в XVI в. (см. Портрет). В искусстве Высокого Возрождения (Рафаэль, А. Дюрер) он выражал общую концепцию времени: любой человек является уникальной, неповторимой личностью, а его внутренний мир – достойным изображения.

Живописцы позднего Возрождения (Тициан, Тинторетто) раскрывали в автопортрете драматическую судьбу творческой личности. Для автопортрета эпохи маньеризма характерны замкнутость, усложненность внутреннего мира мастера (Понтормо, Пармиджанино). Психологическая глубина и напряженность присуши автопортретам-исповедям Рембрандта, передающим конфликт художника с окружавшей его социальной средой. Любопытно, что Рембрандт писал автопортреты на протяжении всей своей жизни. Очень интересны его семейные портреты, прежде всего с любимой женой Саскией. Продолжая традиции предшественников, утверждали самоценность личности Н. Пуссен и П. Рубенс.

Художники XVIII в. (Ж. Б. С. Шарден, Дж. Рейнолдс) наряду с социальной характеристикой подчеркивали в автопортрете значение частной жизни человека, его пристальное внимание к себе.

Особое место автопортрет занимает в искусстве романтизма начала XIX века, когда преобладал интерес к внутренней жизни личности. В это время в автопортретах появляются символические детали – развалины, пейзажный фон, углубляющие характеристику портретируемого.

Совершенно иначе подходят к собственному изображению художники рубежа XIX–XX вв., проводя эксперименты с конструированием личности изображаемого на плоскости (П. Сезанн), расщеплением традиционного реалистического изображения (А. Модильяни). Одновременно в автопортретах отражаются трагические и сложные переживания человека XX века (Ван Гог).

В дальнейшем характерен как строго реалистический портрет (Д. Жилинский), так и сочетающий элементы реалистического и модернистского стилей. Известны и интересные попытки создания авангардистского портрета (Р. Гуттузо).

АВТОРСКАЯ ПЕСНЯ

Так называют один из жанров, появившихся в условиях жесткого идеологического давления конца 50-х – 60-х годов XX века. В это время были созданы различные художественные формы для выражения несогласия с действительностью – «самиздат», альтернативная живопись. Тогда же появилась и авторская песня. Она уходит корнями в народную смеховую культуру, использует образы и поэтику городского фольклора, анекдота, традиции городского романса XIX века, даже «блатные» мотивы.

Одним из первых обратился к этому жанру Б. Окуджава (род. 1924), выпустивший в 1959 году сборник «Острова», многие стихи из которого и были песнями. Практически одновременно с ним появились песни А. Галича (1918–1977), а чуть позже – Ю. Визбора, В. Высоцкого, Ю. Кима.

Для поэтики авторской песни характерна неторопливость и естественность обычной человеческой речи, ритмическая простота. Вместе с тем многие образцы авторской песни отличаются яркой метафоричностью. Язык авторской песни простой, но вместе с тем афористичный, поскольку в ней нет повторов и многословных описаний.

Принципиальная особенность, отличающая авторскую песню от других песенных жанров, – оппозиция всему официальному, навязываемому «сверху». Она и сближает ее с анекдотом. Исповедальность интонации, свойственная большинству авторских песен, посредством легкой иронии связана с гражданственностью содержания. Правда, иногда ирония переходит в сарказм, и тогда вся песня приобретает характер сатирического куплета.

АДАЖИО (итал. adagio – медленно, спокойно) – название одного из музыкальных темпов.

Как и некоторые другие музыкальные темпы – аллегро и анданте, термин адажио нередко используется для обозначения как самого темпа, так и пьесы, написанной в этом темпе, например медленного лирического танца в балете. Чаще всего адажио исполняют главные герои романтического балета – влюбленная пара. В мелодии обычно используется арфа (нередко солирующая) и несколько скрипок, музыка медленная, содержащая множество оттенков: она может быть задумчивой, скорбной или, напротив, очень нежной, светлой, воздушной, в зависимости от замысла композитора.

АКАДЕМИЗМ – так принято называть художественный стиль, сложившийся в европейских художественных академиях XVI–XIX веков. Название происходит от знаменитой академии Платона, местом бесед философа с учениками была роща, посвященная римскому богу Академу. Позже это название использовали гуманисты эпохи Возрождения.

Первоначально академии были лишь собраниями художников, но с течением времени так стали называть учебные заведения, где преподавали ведущие мастера искусств.

Подобная академия впервые появилась во Франции в 1648 году для подготовки скульпторов и художников. В ней впервые был составлен комплекс принципов, определявший творчество ее слушателей. В его основе лежали черты стиля классицизма – подражание античным образцам, четкость линий, спокойствие поз, статичность композиций. Основной тематикой работ были сюжеты античных мифов, но допускалось и обращение к истории своей страны.

Вначале академия сыграла свою роль в развитии французского искусства, но со временем она превратилась в достаточно консервативное учреждение, и многие художники и скульпторы вышли из нее. Основанием для этого явилась строгая регламентация жанров, обращение в основном к мифологическим и религиозным сюжетам, сама действительность объявлялась «низкой», недостойной изображения.

Сам термин академизм стал оценочным для обозначения тех направлений, которые ориентируются на установленные образцы, на максимальное приближение к творениям искусства прошлых эпох, тяготение к абсолютным, не зависящим от места и времени нормам прекрасного.

Следует, правда, отметить, что в системе академического образования было много достоинств. И сегодня многие художественные школы основываются на академической культуре рисунка, обучая основам изображения человеческого тела как началу эстетического образования.

А КАПЕЛЛА (итал. a cappella) – хоровое пение без инструментального сопровождения. Название произошло от места исполнения подобных произведений (итал. cappella – часовня). Пение а капелла дословно означает «как в часовне», т. е. без органа, в отличие от больших соборов, где во время богослужения обычно звучал орган. Этот способ исполнения получил распространение в католической церкви, а в православной стал вообще единственным.

С развитием светской музыки слово «капелла» стало обозначать и группу исполнителей вокальных произведений. Применительно к пению хора выражение «а капелла» означает «без инструментального сопровождения». Звучание такого хора обладает особой трепетностью, поскольку множество голосов подстраиваются друг под друга и объединяются одним дыханием.

В мировой музыкальной литературе есть множество произведений, написанных специально для хора без сопровождения (как мужского, так и смешанного). Это оратории, сюиты для хора и солиста, реквиемы, циклы песен. В них заметно сильное влияние традиций духовной музыки. Пение а капелла также характерно для народного музыкального творчества.

Особое развитие этот прием исполнения получил в творчестве многих композиторов второй половины XIX–XX веков (хоры Бартока, Бортнянского, Чайковского, Танеева, Шостаковича, Свиридова).

АКВАРЕЛЬ (франц. acquarello, от лат. aqua – вода) – это особая техника графики, основанная на использовании прозрачных водорастворимых красок (на клеевой основе).

Акварельные краски отличаются тем, что позволяют передавать тончайшие оттенки цвета. Обычно их накладывают на бумагу тонкими слоями, а в самых светлых местах может даже просвечивать бумага. При этом одна краска плавно переходит в другую, создавая мягкие очертания. Чтобы получить более темный тон, художник должен положить несколько слоев краски на одно место. Поэтому чаще всего в технике акварели выполняют пейзажи, где необходимо передать разнообразные переходы цвета.

Живопись непрозрачной акварелью была известна в Древнем Египте (по качеству она приближается к гуаши), античном мире, средневековой Европе и Азии. Чистая акварель стала широко применяться в начале XVI века, когда были изобретены тонкотертые краски. Классическим считается английский способ нанесения акварели. Он заключается в использовании белой бумаги высокого качества. Она становится не только основой, но и фоном, первым цветом для художника.

Одним из признанных мастеров акварели считается Д. Тёрнер (1775–1851), который не только свободно использовал телесные цвета, но для создания большей выразительности вытирал наполовину высохшую краску и даже выскабливал бумагу для получения дополнительного светового эффекта.

В XVIII в. акварель распространяется также во Франции (Ж. О. Фрагонар, Ю. Робер).

В XIX в. в технике акварели плодотворно работали Э. Делакруа, О. Домье, П. Гаварни во Франции, А. Менцель в Германии, И. Е. Репин, В. И. Суриков, М. А. Врубель в России и др.; продолжался расцвет английской школы акварели (Р. Бонингтон, Дж. С. Котмен, У. Кэллоу, У. Тёрнер и др.). К акварели охотно обращались представители неоимпрессионизма (П. Синьяк), а также экспрессионизма, в частности А. Матисс.

Любопытно, что на рубеже XIX–XX веков акварель наряду с другими материалами используется в сочетании с белилами, гуашью, темперой, пастелью, углем, бронзовой краской и т. д.

АКВЕДУК (лат. aquaeductus, от acqua – вода и duco – веду)

Само слово обозначает открытый или закрытый водопровод для подачи воды к населенным пунктам из расположенных выше них источников. Акведуком стали называть и особый тип арочных мостов, у которых несущими конструкциями являлись стенки и днище лотка, а не только арочные опоры.

Акведуки были известны еще в древности на Ближнем Востоке, например, водовод, построенный при Синахерибе в Ниневии в 691 году до н. э. Крупные арочные акведуки впервые стали строить римляне. Первый из 14 акведуков протяженностью 16,5 километров – «Аква Аппия» – был построен в 312 году до н. э., последний был сооружен до 54 г. н. э. по указу императора Клавдия. Любопытно, что около 100 городов Римской империи получали питьевую воду с помощью акведуков. Самый длинный акведук протяженностью 132 километра был сооружен в Карфагене. Нередко поверх покрытия лотка прокладывалась дорога, и сооружение использовалось как мост. К наиболее хорошо сохранившимся акведукам относится Гарский акведук близ Нима.

АККОМПАНЕМЕНТ (франц. accompagner – сопровождать) – музыкальное сопровождение партии солиста. Древнейшая форма аккомпанемента – ритмические удары барабана, кастаньет или бубна. Они подчеркивали ритм и задавали нужный темп. Со временем искусство аккомпанемента развивалось: так, в средние века для этого использовали струнные щипковые инструменты – лютню, цитру, а затем и гитару.

В настоящее время чаще всего аккомпанируют на рояле, поскольку он обладает исключительно высокими мелодическими возможностями и хорошо дополняет певческие голоса и музыкальные инструменты. Однако для этой цели можно использовать и другие инструменты – гитару, баян, или даже ансамбли. Чаще всего с аккомпанементом выступают певцы, скрипачи и виолончелисты.

Аккомпанемент следует отличать от ансамблевого исполнения. Разница между ними заключается в том, что в ансамбле у каждого исполнителя своя музыкальная партия, а при аккомпанементе она едина для всех. Поэтому одно и то же произведение может звучать под аккомпанемент как отдельного инструмента, так и целого оркестра.

Вместе с тем многие композиторы специально пишут музыку, рассчитанную на исполнение с аккомпанементом. Это сочинения для скрипки и фортепьяно, песни, романсы. Солист и сопровождение как бы ведут диалог друг с другом: передают друг другу слово, спорят или сливаются в согласном звучании. Аккомпанемент – это не просто «фон». Задача аккомпаниатора – помочь исполнителю раскрыться, выявить все богатство написанного композитором, а также и его возможности. Поэтому известные исполнители относятся к аккомпанементу очень серьезно и подолгу выступают вместе. Только тогда достигается полная согласованность и взаимопонимание между ними.

АККОРД (итал. accord, фр. accordo – согласие) – созвучие, совместное звучание нескольких (не менее двух) разных по высоте звуков, извлекаемых, как правило, одновременно. Аккорды различаются по количеству и интервальному соотношению входящих в них звуков. Наиболее часто применяются так называемые терциевые аккорды, в которых звуки расположены по терциям, т. е. различаются не менее чем на полтора тона. Аккорды такого строения подразделяются на трезвучия, септаккорды (4 звука) и нонаккорды (5 звуков). Нижний звук в них является основным тоном, а остальные с ним согласуются.

Главным для данного музыкального приема является слитность звучания. Понятно, что особенно она важна при хоровом, многоголосном пении, а также при настройке музыкальных инструментов. Любопытно, что голос сравнивается со струной, поскольку «корда» и означает «струна». От точности настройки и согласованности звучания зависит чистота и тщательность исполнения.

АКРОПОЛЬ (греч. akropolis, от akros – верхний и polis – город) – возвышенная и укрепленная часть древнегреческого города, так называемый верхний город, крепость. В случае войны она могла использоваться и как убежище для жителей города. На акрополе находились храмы божеств – покровителей данного города, хранилище для городской казны и оружия. Наиболее известен акрополь в Афинах, столице современной Греции.

Архитектурный ансамбль Акрополя является одним из высших достижений античной архитектуры. Он создавался в эпоху Перикла (444–429 г. до н. э). Руководил строительством зодчий Фидий.

Центром афинского Акрополя является Парфенон, или храм Афины Парфенос, построенный в 400-х годах до н. э., когда Афины были могущественным и процветающим городом. Этот один из самых больших храмов Акрополя, который был и центральным местом всех празднеств, был построен для прославления богини Афины, покровительницы города. Внутри него стояла статуя Афины, выполненная известным скульптором Фидием.

Во время празднеств в Акрополь направлялось торжественное шествие, которое заканчивалось жертвоприношениями и играми.

АЛЛЕГОРИЯ (греч. allegoria) – в искусстве наглядный образ, воплощающий явление либо умозрительную идею (например, фигура с голубем в руке – аллегория мира; женщина с повязкой на глазах и весами в руке – аллегория правосудия). По определению И. В. Гёте, аллегория «претворяет явление в понятие, понятие – в образ, в такой, однако, форме, что образ остается вполне адекватным имеющему четкие пределы понятию, которое он выражает целиком». По своей функции часто сближается с эмблемой.

Наиболее распространенный вид аллегории – персонификация, т. е. создание фигуры, снабженной одним или несколькими атрибутами, поясняющими ее смысл. Сложные аллегорические изображения, требующие расшифровки, характерны для искусства поздней античности, средневековья, Возрождения, а также XVII в. (например, служанка, ищущая блох, как аллегория кающейся души и т. д.).

Аллегории встречаются и в реалистическом искусстве XIX–XX вв., нередко имея острый социально-политический смысл (например, аллегорическая фигура Революции или Свободы в картине Э. Делакруа «Свобода на баррикадах», 1830, Лувр). В XX в. аллегории распространены в монументальной скульптуре и живописи, а также в плакате и политической карикатуре.

АЛЛЕГРО

С итальянского слово allegro переводится как «весело» или «быстро», поэтому им и обозначают веселый, радостный, живой характер музыки. Для исполнителя в нотах для этого даже ставится специальная помета. Немного позже так стали называть и пьесы, написанные в этом темпе и не имевшие специального названия, – например, Большое концертное аллегро.

С середины XVIII в., когда появляются произведения для симфонического оркестра или для исполнения определенным ансамблем – симфонии, концерты, трио, квартеты и квинтеты, аллегро становится их первой частью. Композиторы, часто работавшие на заказ, да еще к определенным срокам, не имели возможности постоянно изобретать что-то совсем новое и создали четко определенную форму. Название ее – сонатное аллегро. Звучала она недолго, поскольку должна была вызвать определенное настроение у зрителей, подготавливая их к дальнейшему восприятию остальных частей. Самыми большими мастерами этой небольшой, но выразительной формы были Гайдн, Моцарт, Бетховен.

Позже сонатное аллегро использовалось многими музыкантами и композиторами, например Шубертом, Листом и Малером. Это небольшой рассказ о герое, в первой части – экспозиции – он представляется, вступает во взаимоотношения с другими персонажами, во второй (разработке) происходит его развитие, а в конце (в репризе) автор показывает, что с ним стало, как он изменился в результате конфликта. Нынешнее аллегро – форма свободная и подвижная. Главное ее качество – сочетание контрастных мелодий, постоянное движение и борьба.

АМПИР (от французского empire – имперский) – стиль, возникший во Франции на рубеже XVIII–XIX вв. Является органическим завершением длительного развития европейского классицизма. Ампир проявился преимущественно в архитектуре, скульптуре и живописи. Основная особенность данного стиля – сочетание массивных простых геометрических форм с предметами военной эмблематики – мечами, венками, щитами, копьями. Его источником является римская скульптура, от нее ампир унаследовал торжественную суровость и четкость композиции.

Ампир первоначально сложился во Франции на рубеже XVII–XIX вв. в эпоху Великой французской революции 1789–1794 гг. и отличался ярко выраженным гражданским пафосом. В период империи Наполеона I искусство должно было прославлять военные успехи и достоинства правителя. Отсюда происходит увлечение строительством различного рода триумфальных арок, памятных колонн, обелисков. Важными элементами декоративного убранства зданий становятся портики. В отделке интерьеров часто используются бронзовое литье, роспись плафонов и альковов. Для мебели в стиле ампир характерно сочетание ценных пород дерева и деталей из золота, меди или позолоченной бронзы. Здесь наблюдалась определенная эклектичность, свойственная данному стилю, – использование мотивов египетских рельефов, этрусских ваз, помпеянских росписей, греческого и римского декора.

В России ампир получил распространение уже в начале XIX века, когда в Петербурге создавались основные градостроительные ансамбли – Театральная улица, стрелка Васильевского острова, Адмиралтейство.

После победы в войне 1812 года стиль ампир стал использоваться для выражения идеи независимости и величия русского государства. Наиболее характерные постройки этого периода – памятник Минину и Пожарскому в Москве работы скульптора И. Мартоса и здание Александрийского театра в Петербурге, построенное по проекту архитектора Росси. Использовался ампир и в декоративно-прикладных целях.

Классической постройкой, выполненной в стиле ампир, считается архитектура Провиантских складов в Москве. Сочетание простых геометрических форм и нарочитая суровость плоских белых стен создают впечатление основательности и торжественной монументальности.

Несмотря на то, что к середине прошлого века стиль ампир ушел в прошлое, отдельные его элементы продолжали использоваться в архитектуре и искусстве еще в 30–50-е годы XX века.

АМФИПРОСТИЛЬ (греч. amphiprostylos, от amphi – с обеих сторон и prostylos – имеющий колонны с передней стороны) – тип древнегреческого храма, прямоугольного в плане и имеющего колонные портики на торцовых фасадах. Продольные стены амфипростиля сооружались из гладких каменных блоков и не имели украшений.

АМФИТЕАТР (греч. amphitheatron)

Уже древние римляне стали задумываться об удобстве расположения мест для зрителей. Слово «amphi» в переводе с греческого означает «кругом, со всех сторон». Theatron – театр, то есть место для зрелищ. В классическом античном театре ступенчатые ряды зрительских мест (театрон) располагались вокруг площадки полукругом. Нередко ему придавали форму эллипса, амфитеатр располагался вокруг находившейся в центре арены в виде постепенно повышавшихся уступов. Для этого часто использовали естественное расположение холмов с их склонами. Обычно они предназначались для зрелищ – боев гладиаторов, травли диких зверей, театрализованных представлений.

Архитектура амфитеатра позволяла с удобством разместить большое количество зрителей (как, например, в римском Колизее), давала возможность хорошо видеть все происходившее на арене (сцене). Подобное расположение рядов обуславливало и хорошую акустику: звук прекрасно доносился до последних рядов.

В настоящее время амфитеатром называют места в зрелищных заведениях (театрах, концертных залах, цирках), расположенные ступенчатым полукругом.

АМФОРА (лат. amphora от греч. amphoreus) – древний глиняный или металлический сосуд для жидких и сыпучих продуктов, с округлым или вытянутым туловом, двумя вертикальными ручками и узким горлом. Практическое предназначение амфор не мешало им быть и предметами искусства, они украшались росписями. Любопытно, что амфоры изготавливали и в более поздние эпохи, например в средние века (см. также Вазопись).

АНДАНТЕ

Название этого музыкального темпа произошло от итальянского слова andare – «идти» и означает «идущий шагом». Действительно, анданте соответствует спокойному, неторопливому шагу. Этим он отличается от быстрого аллегро и медлительного адажио. В музыке есть много обозначений для подобных темпов, но анданте – самый спокойный и размеренный. Сочетание медленного движения и мелодической подвижности сделало анданте одним из главных темпов в музыке XVIII века. Размеренная основательность в сочетании с изысканной точностью мелодического рисунка вызывает в памяти представление о прямых парковых дорожках, окруженных зеленью кустов.

Анданте могло быть и пьесой, но чаще так называли части более крупных произведений – сонат, концертов, симфоний. Можно даже добавить, что это самый распространенный темп медленных частей сонатного цикла.

Есть и уменьшительное слово от анданте – андантино. Характер этого темпа более плавный и мягкий. Этим термином также обозначают и темп, и часть цикла, и самостоятельную пьесу.

АНДЕГРАУНД (англ. underground – подземный, расположенный под чем-либо)

Этим понятием обозначают определенный феномен в развитии искусства в условиях тоталитарного режима. Появление андеграунда было обусловлено существованием культуры в условиях жесткого идеологического давления, невозможностью художников открыто выражать свои эстетические пристрастия (как в реалистической форме, иногда близкой к натурализму, так и в тех формах, которые могут быть названы авангардистскими). Следует отметить, что предельно суженная концепция «искусства социалистического реализма» не могла вместить и противостояла многим художественным явлениям.

В настоящее время андеграундом обозначают один из пластов современной культуры, который можно рассматривать как разновидность массовой культуры, однако социальные условия развития русской культуры показывают, что он имеет право и на самостоятельное бытование. Андеграунд следует рассматривать в общем ряду таких явлений, как «самиздат» и творчество художников третьей-четвертой волны русской эмиграции.

АНИМАЛИЗМ (лат. animal – животное) – жанровая разновидность изобразительного искусства, посвященная изображению животных.

Предметом изображения в живописи может быть практически все что угодно. Животные стали объектом искусства очень давно: первыми художниками-анималистами можно считать тех, кто рисовал оленей, бизонов, хищных зверей в первобытную эпоху. В Древнем Египте изображения животных носили стилизованный характер, поскольку считались священными. У статуй богов иногда были звериные головы. Так, у бога Анубиса, покровителя умерших, была голова шакала, а у богини войны Сохмет – львиная. В пустынях Египта до сих пор можно увидеть статуи сфинксов – львов с человеческими лицами, сделанные тысячи лет тому назад. Скульпторы Древней Ассирии создавали изваяния могучих быков, коней и львов в стремительном движении. Именно в это время возникает так называемый «звериный стиль», прежде всего у таких племен, как скифы, саки, сарматы.

Умели изображать животных и в античный период, причем появляются они и на вазах, на мозаиках, делались и скульптуры животных. В средние века в Европе были распространены аллегорические и фольклорные, гротесковые и сказочные образы птиц и зверей.

А когда же человек начал изображать животных с натуры? В Китае это произошло уже в VIII веке, в Европе – начиная с эпохи Возрождения (Пизанелло, А. Дюрер). Постепенно в каждой стране появились художники-анималисты – в Голландии П. Поттер и А. Кейп (XVII в.), во Франции Ж. Удри (XVIII в.). Однако только на рубеже XIX–XX веков возникает стремление не просто изображать животных, но и изучать их. Вот почему сегодня мы считаем, что главными качествами для анималиста являются терпение, наблюдательность, владение техникой рисунка.

Выдающимися анималистами были художники XVII–XX вв. А. Кейп, П. Портер, Р. Бонер, Э. Г. Лендсир, Б. Лилиефорс, Н. Е. Сверчков, Е. А. Лансере и др.

АНСАМБЛЬ (франц. ensemble – вместе)

Данное слово имеет несколько значений и употребляется как в архитектуре, градостроительстве, так и в изобразительном искусстве, музыке. Основное его значение – совокупность, стройное целое. Оно характеризует и размещение городских построек, и планировку парка или площади, и размещение предметов на картине, и группу музыкантов-исполнителей. Всех их объединяет то, что в совокупности они должны представлять собой единое гармоническое целое. Это значит, что вокруг здания размещаются дополняющие его сооружения, зеленые насаждения, элементы благоустройства территории (дороги, парки). Сюда же можно отнести инженерные сооружения (мосты, набережные). Иногда особую роль в организации ансамбля играют и естественные условия местности (рельеф, водоемы).

Термин «ансамбль» можно применить и к группе взаимодействующих по замыслу художника произведений различных видов искусства: например, перед зданием может возвышаться органически дополняющая его скульптура или на его фронтоне будет располагаться изящная фреска, роспись или мозаика. Такой ансамбль отражает единство скульптуры, живописи и архитектуры. Иногда в композицию ансамбля включаются произведения различных видов пластических искусств (см. Синтез искусств). Например, дворцово-парковые ансамбли XVII–XVIII вв. часто дополнялись скульптурами. Один из таких садов – Версаль – создавался как резиденция французских королей, поэтому его ансамбль и должен был своей строгой красотой подчеркнуть величие и значимость правившего монарха.

Построение ансамбля достигается цельностью пространственного решения, единством масштаба, ритма и отделки зданий и сооружений, его образующих. Ансамбль создается единовременно (по единому замыслу и в одном стиле) или в течение длительного времени при дополнении первоначальной композиции иными по стилю произведениями. Важно, чтобы единство сохранялось и при перестройках, тогда современные сооружения должны органически вписываться в уже существующее пространство или постройки.

В декоративном искусстве ансамбль – художественно единая группа произведений, например монументальных росписей, декора и обстановки интерьера, или костюма, головного убора и ювелирных изделий и т. д.

Понятие «ансамбль» используется и в музыке для обозначения камерных произведений (вокальных или инструментальных), предназначенных для небольшого состава исполнителей. Среди них дуэт, трио, квартет, квинтет. Ансамблем называют также коллектив музыкантов, исполняющий такого рода музыку. Неудачная попытка создания одного из подобных ансамблей описывается в басне И. А. Крылова «Квартет». Вот почему выражение «слаженный ансамбль» говорит о том, что музыканты долго репетировали и на концерте показали высокую степень сыгранности.

АНТАБЛЕМЕНТ (table – стол, доска)

Так называется верхняя, горизонтальная часть стены. Основной его частью является архитрав – главное балочное перекрытие, несущее тяжесть кровли. Практическое назначение определило его название (от древнегреч. архи – главный и лат. травос – балка). На архитраве расположены две остальные части антаблемента – декоративный фриз и венчающий его карниз. Архитрав присутствует в каждом архитектурном ордере, а фриз и карниз могут отсутствовать. Например, в ионическом ордере на архитраве, состоявшем из трех частей, лежит фриз, а карниза нет. На классическом архитраве в большинстве случаев размещены декоративные детали.

АНТИФОН (греч. anti – против, phone – звук, голос) – песнопение, исполняющееся поочередно двумя хорами (или солистом и хором) и часто носящее характер диалога. Истоки такой манеры восходят к греческому хору, который, как правило, делился на два полухория. Принцип антифонного пения нередко использовался в хоровых сочинениях западноевропейских композиторов XIV–XVIII вв. Встречается он и в современной музыке.

АНФИЛАДА (франц. enfilade, от enfiler – нанизывать на нитку)

В литературе XVIII–XIX вв. часто встречается упоминание об анфиладе. Что же это такое? Это ряд последовательно примыкающих друг к другу помещений, дверные проемы которых расположены на одной оси, что создает сквозную перспективу интерьера. Анфилады использовались при строительстве как жилых, так и парадных помещений. Возникла такая планировка оттого, что любая деревянная постройка состояла из ряда соединенных друг с другом срубов. Чтобы сделать внутреннее пространство побольше, дверные проемы делали как можно шире и располагали по одной линии. Получалась длинная галерея помещений. Сейчас такая планировка сохранилась в некоторых музеях.

АПСИДА (греч. Hapsis, род. падеж hapsidos – свод) – выступ здания, полукруглый, граненый или прямоугольный в плане, перекрытый полукуполом (алтарный выступ) или сомкнутым полусводом. Апсиды впервые появились в древнеримских базиликах, термах, храмах. В христианских храмах апсидой является алтарный выступ, ориентированный на восток.

АРАБЕСКА (франц. arabesque, букв. – арабский)

Так европейцы называли орнамент, распространенный в искусстве мусульманских стран. Поскольку Коран запрещал изображать живые существа, мастера стали изображать перевитые между собой растения. Постепенно они приобрели более четкую прямоугольную форму. Так и сложился этот замысловатый орнамент.

Он строился по принципу бесконечного повторения одинаковых групп различных мотивов (чаще всего геометрических или растительных). Выглядел он достаточно однородно, создавая впечатление устойчивого, непрерывно повторяющегося и при этом весьма затейливого, насыщенного, прихотливого узора. Иногда в переплетения искусно вписывались изречения из Корана. Такова, например, архитектурная декорация мавзолеев в Каире и знаменитой мечети в Кордове.

В более широком, общеупотребительном значении арабеской называют также любой орнамент, имеющий излишне усложненный, затейливый, а иногда и фантастический характер. Подобные узоры плетутся не только резчиками по камню, но и композиторами. Образцом такого стиля может служить сочинение Р. Шумана «Арабеска» (1839). Арабески можно встретить и в творчестве К. Дебюсси.

Следует иметь в виду, что существует похожее слово – арабеск. Так называется классическое балетное движение, при котором балерина стоит на одной ноге, откинув другую назад.

АРАНЖИРОВКА (фр. arranger – улаживать, приводить в порядок, обрабатывать; то же, что переложение)

Обычно музыкальное произведение сочиняется для определенного состава исполнителей или певческих голосов. Однако нередко популярное музыкальное произведение перерабатывают, чтобы сделать его доступным для исполнения другими средствами. Это, конечно, не значит, что можно на скрипке или флейте сыграть произведение, предназначенное для оркестра. Но можно переложить симфонию для исполнения на фортепиано, а хор передать в виде одноголосной песни.

С другой стороны, аранжировкой называют облегченную обработку музыкального произведения для исполнения на том же инструменте. Обычно они делаются в учебных целях.

И, наконец, третье значение данного слова связано с тем, что многие композиторы обращаются в своем творчестве к фольклору – народным песням и танцам. Чтобы сделать их более выразительными, и применяется аранжировка. Переложением народной музыки занимались многие композиторы – Ф. Лист, П. Чайковский, Г. Свиридов.

В настоящее время аранжировку могут осуществить и электронные синтезаторы, модулирующие самые разные тембры, голоса и звуки инструментов.

АРИЯ

Это слово по-итальянски означает песню и появилось как термин в XV веке. Первоначально ариями называли вокальные пьесы, сочиненные на специально написанный стихотворный текст. Этим они отличались от народных песен, где слова и музыка рождались одновременно. Арии были широко распространены в эпоху Возрождения. Следует также отметить, что арии бывали и чисто инструментальными (например, ария из Сюиты № 3 И. С. Баха). Их мелодии нередко носили танцевальный характер. В зависимости от своего предназначения арии могли быть «придворными», «серьезными», «духовными» (например, концертные арии Моцарта, Бетховена). Отсюда и третье значение понятия «ария» как названия певучей инструментальной пьесы.

К моменту появления первых опер (а это произошло в самом конце XVI века) ария была настолько популярной, что сразу же вошла в оперу и стала ее неотъемлемой частью. Она как нельзя лучше подходила для раскрытия образов героев «музыкальной драмы». Можно даже сказать, что именно ария стала основой оперы, поскольку была самой красивой, значительной и выразительной ее частью.

В опере для арии началась вторая жизнь, раскрывшаяся в огромном числе форм и образов. Часто мы запоминаем оперу именно благодаря той или иной арии.

Часто ария следует после оркестрового вступления; иногда ей предшествует речитатив. Различным бывает и строение арий. Очень часто применяется 3-частная форма, в которой третья часть является точным повторением первой. Исторически сложились специфические формы оперных арий: ариозо, кабалетта, каватина, стретта, монолог. Каждая из них отличается своими особенностями.

Ариозо – это небольшая по объему ария, для которой характерна свободная композиция. Обычно это небольшой монолог какого-либо персонажа. Кабалетта отличается подчеркнуто героическим характером мелодии и слов, а каватина – певучей романтической интонацией. К ним примыкает и еще одна разновидность арии – стретта, т. е. небольшая ария, повторяющая тему предыдущей. Иногда стретта и ария звучат одновременно, но исполняются разными певцами. Такой прием часто применял итальянский оперный композитор Дж. Верди («Трубадур»). Иногда композитор применяет форму монолога. Она отличается от арии большим размером, а также глубиной содержания и музыки (монолог Игоря из оперы А. Бородина «Князь Игорь»).

АРКА – криволинейная конструкция, которая опирается на две опоры. Первые арки появились еще в архитектуре древних городов Шумера и Аккада. Они нашли самое широкое применение в архитектуре практически всех стран мира. Но наибольшее их разнообразие отмечается в древних постройках, воздвигнутых в различных арабских странах. Именно там они становятся не только элементом архитектуры, но и предметом искусства, поскольку украшаются самым различным орнаментом. Именно арабы придумали стреловидную арку, ставшую основой готического свода. Она нашла применение в Западной Европе спустя примерно 1000 лет после ее изобретения.

Искусство конструирования арок на Древнем Востоке поражало и тем, что мастера собирали их, не скрепляя камни раствором, а точно подгоняя друг к другу. Даже современным реставраторам бывает сложно разобрать такую арку.

Если в греческой архитектуре арочные конструкции играли подчиненную роль (они использовались для лестничных подъемов, проходов к храмам, как элемент декоративного оформления), то в римском зодчестве их функциональное значение резко возрастает.

В современном мире арки применяются очень широко в качестве несущих элементов не только покрытий зданий, но и мостов, путепроводов и даже опор для электропередач. Такое внешнее разнообразие арочных конструкций обусловлено уровнем строительства и применяемых материалов.

Виды арок достаточно разнообразны. Среди античных арочных конструкций, для возведения которых применялся тесаный камень или кирпич, доминировали полуциркулярные, прямые и пологие арки, помимо них встречалась и так называемая ложная арка.

Арочные конструкции находят разнообразное и комплексное применение при возведении цилиндрических и крестообразных сводов, в сооружении купольных зданий (например, триумфальных арок, терм, базилик, храмов); на фасадах театров и амфитеатров встречается многоярусное расположение арочных конструкций.

Сочетание арок различной высоты придавало постройкам легкость и при этом не снижало их прочности.

АРКА ТРИУМФАЛЬНАЯ

Точнее говоря, речь идет о триумфальных воротах – постоянном или временном монументальном оформлении проезда (обычно арочном) или торжественном сооружении в честь военных побед и знаменательных событий. Триумфальная арка представляла собой сложное архитектурное сооружение, которое устанавливалось на дорогах и площадях. Арка имела один или два проезда, аттик, на котором в колеснице изображался тот, в честь кого была установлена триумфальная арка, и соответствующую надпись.

Сооружение триумфальных арок в честь победителей было заимствовано римлянами у этрусков. Поводом для сооружения триумфальной арки могла стать только большая победа – в сражении, где было убито не менее 5000 врагов.

Триумфальные арки устанавливались и в честь знаменитых людей: императоров, полководцев, регентов, высокопоставленных чиновников. Наиболее известны триумфальные арки, сооруженные в Риме в честь императоров Тита, Септимия Севера и Константина.

По образцу античных триумфальных арок в эпоху Ренессанса строились порталы. По типу римских построены арки в Париже (на площади Каррузель, в 1806 г., и площади Звезды, ныне Шарля де Голля, 1806–1837).

АРКБУТАН

Так называется важнейшая деталь готического строения – наружная каменная полуарка, передающая распор сводов главного нефа к опорным столбам-контрфорсам, расположенным за пределами основного объема здания. Система аркбутанов, контрфорсов и нервюр составляет конструктивную основу культовой архитектуры готики. Применение аркбутанов позволяет значительно сократить размеры и количество внутренних опор, освободить пространство храма, увеличить оконные проемы и пролеты сводов.

АРФА (итал. arpa) – струнный щипковый инструмент в виде треугольника, внутри которого натянуты струны различной длины и настройки.

Простейшие типы арф были известны еще в Древнем Египте и Ассиро-Вавилонии в III тысячелетии до н. э. Наряду с лирой арфа была важнейшим струнным инструментом. Греки знали различные типы арфы (тригонон, самбика), однако воспринимали этот инструмент как чужеродный. В средние века арфа была излюбленным инструментом трубадуров и миннезингеров. Хроматические арфы появились в XVI веке.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.