К

К

КАБАРЕ (франц. cabaret – букв, кабачок) – первоначально с 80-х годов XIX века во Франции название небольшого кабачка, а затем – импровизационное представление в литературно-художественном кафе (с участием поэтов, музыкантов, актеров). Со временем лучшие кабаре стали театрами миниатюр (в России – «Летучая мышь»), другие – ресторанами с эстрадной программой («Мулен Руж» и «Фоли Бержер» в Париже).

Кабаре возникло в результате перенесения в Англию появившихся в начале XIX века в Англии мюзик-холлов. Однако, в отличие от них, для французского кабаре характерно смешение номеров разных жанров, нередко связанных незамысловатым сюжетом. Непременным участником представлений является оркестр, исполняющий музыку развлекательного характера. Подобное представление называется также варьете (от фр. variete – различный).

Кабаре быстро завоевало популярность и в Германии. В двадцатые годы XX века германские кабаре становятся разновидностью политического театра. Тексты песен для него писал, например, Бертольд Брехт. Он даже создал специальное произведение – «Трехгрошовую оперу», написанную как развлекательный спектакль в кабаре.

КАДЕНЦИЯ (лат. cadere, ит. cadenza – окончание) – виртуозный пассаж, по форме близкий к импровизации. Первоначально каденция и представляла собой импровизацию. Ее включали в произведение, чтобы исполнитель мог показать свое мастерство, умение импровизировать. В партитуре просто указывалось место, где должна быть каденция. Позднее их начали записывать. Первым это сделал Л. Бетховен в 1809 году, когда включил в партитуру пятого фортепианного концерта сольную каденцию.

Каденция обычно встречается в инструментальных концертах (фортепианных, скрипичных, виолончельных и т. п.). В настоящее время это важнейшее композиционное средство, необходимое как для завершения какого-либо музыкального произведения, так и для его разделения на части. Заключительный оборот мелодического или гармонического движения называют кадансом.

Позже каденцией стали называть и сольные фрагменты в концертах для симфонического оркестра.

КАКОФОНИЯ (греч. kakos – дурной и phone – звук) – неблагозвучие, разноголосица, музыкальная бессмыслица, хаотическое нагромождение звуков, которое возникает, например, при одновременном исполнении разных мелодий или при настройке музыкантами в оркестре своих инструментов. Чаще всего с какофонией мы встречаемся как с оценочной характеристикой при восприятии незнакомой музыки или жанра (электронной музыки). Иногда какофонию используют и как художественный прием. К ней прибегает, например, польский композитор Кшиштоф Пендерецкий. Приобщение к искусству слушания музыки всегда происходит постепенно, и нужно уметь выделить в ней ее мелодические линии, ритм, гармонию.

КАЛЕНДАРЬ

Календарь возник тогда, когда человек осознал зависимость своей жизни от сезонных изменений в природе. Еще в древнем каменном веке – палеолите – люди знали, что через равные промежутки времени наступает лето – пора сбора урожая. Они считали время от одного сбора урожая до другого. Гораздо позже этот промежуток стал осознаваться как нечто постоянное, из года в год повторяющееся. Так и возник счет времени по годам (по «летам»).

Сама система счисления времени сложилась в странах Ближнего Востока. Там же определилась и длина месяца – 29,5 дней. Основой для установления годичного срока служило время обращения Луны вокруг Земли. Вавилоняне делили его на 12 месяцев с чередующимся числом дней – 29 и 30. По такому календарю год насчитывал 354 дня. Любопытно, что дни тогда считали в обратном порядке – от конца месяца. Только с VI века н. э. установилось принятое ныне счисление дней с начала месяца. С 47 г. н. э. римляне перешли на солнечный календарь. Кроме того, была принята длина года в 365,25 дней и решено, что после каждых трех лет по 365 дней будет один високосный год длиной в 366 дней. Все эти особенности и предопределили широкое распространение римского календаря.

Сложнее было с точкой начала отсчета лет. Год, в который произошло какое-либо памятное событие, называли первым годом. Например, древние римляне вели счет от основания Рима. Поэтому в разных странах был свой счет времени. Это было очень неудобно при торговых, экономических и политических контактах.

После распространения христианства счет стали вести от сотворения мира. Согласно Библии оно произошло за 5508 лет до появления Иисуса Христа. Поэтому было решено выбрать год рождения Иисуса Христа за начало нового летосчисления. Период после рождения Иисуса стал называться нашей, т. е. христианской эрой.

Много событий произошло и до этого времени. Они стали обозначаться как происшедшие до нашей эры. С начала нашей эры счет веков ведется в обычном порядке, а до нашей эры – в обратном. Это значит, что второй век до нашей эры был раньше первого. Однако такого счета времени придерживались не во всех странах. Например, в России он был введен только при Петре I.

В мусульманских странах летосчисление начинается от Хиджры – переселения пророка Мухаммеда из Мекки в Медину, которое произошло 16 июля 622 г. н. э. Кроме того, оно основано на лунном календаре. Поэтому для перевода дат на европейский календарь надо пользоваться специальными таблицами.

Календарь у древних славян был связан с ежегодно повторяющимися изменениями в природе, которые были зафиксированы в названиях месяцев.

КАЛЛИГРАФИЯ

Каллиграфия, или искусство художественного письма, появилась в Китае задолго до нашей эры. Она представляет собой синтез литературы и живописи, поскольку написанный красивым почерком, с соблюдением особых приемов текст представляет собой своего рода картину из причудливо пересекающихся линий и точек. Каллиграфически выполненная надпись часто становилась полноправной составляющей картины, поясняя ее внутренний смысл.

Причина возникновения каллиграфии заключена как в том, что китайцы смотрели на жизнь через призму искусства, так и в самих приемах иероглифического письма, которые были сродни живописи.

С древнейших времен основным писчим инструментом в Китае была кисть. В отличие от карандаша, который всегда оставляет на бумаге лишь прямую линию, рисунок кистью может быть весьма разнообразным: от тонких, едва заметных штрихов до широких мазков, плавно переходящих друг в друга.

Уже в III веке до н. э. сложились пять основных почерков письма кистью и тушью. Они отличаются толщиной штриха и величиной букв. Любопытно, что именно почерк дженьшу (в переводе с китайского – «правильный») стал основой принятых в наши дни печатных иероглифических шрифтов.

Хотя основным материалом, на котором работали каллиграфы, издревле являлась бумага, не меньшим распространением пользовались каллиграфические надписи, вырезавшиеся на различных предметах и пластинках из дерева, лака или металла. На любой материал надпись вначале наносили кистью и только потом вырезали ее.

Интересно, что для каждого из материалов был создан особый почерк. Так, для письма по камню был разработан особый стиль сячжуань, а для нефритовых изделий – юйд-зжинь, что в переводе означает «прожилки в нефрите». Для резьбы по металлу использовали почерк тесянь, что означает «железные нити». С каллиграфией связано и искусство вырезания надписей на бронзовых и каменных печатях.

Искусство каллиграфии из Китая распространилось в Японию и затем в другие страны Юго-Восточной Азии, где сложились собственные почерки кисти.

КАЛЬВИНИЗМ (см. также Реформация).

Французский богослов Жан Кальвин (1509–1564) был последователем М. Лютера. В 1536 году он бежал из Франции в Швейцарию и обосновался в Женеве, которая и стала центром его вероучения. В отличие от Лютера, Кальвин считал, что врагами церкви являются не только папа, но и светские философы, отрицающие существование бога. Поэтому Кальвин сразу же отделил религию от науки. От ученых требовалось лишь одно – не вмешиваться в дела церкви. Правда, сам Кальвин не всегда следовал этому правилу. Когда в Швейцарию бежал великий испанский физиолог Мигель Сервет, приговоренный инквизицией к сожжению, Кальвин отправил его на костер за неверие в бога.

Кальвинистская церковь не подчинялась никаким властям. Каждая община решала свои дела самостоятельно под руководством наиболее уважаемых и почтенных людей – их называли пресвитерами. Отсюда пошло наименование кальвинистской церкви пресвитерианской. Очевидно, что такое устройство было очень гибким и легко приспосабливалось к любым условиям. Вот почему учение кальвинистов так широко распространилось по всей Европе.

Буржуазия и простые люди разных стран с энтузиазмом воспринимали слова Кальвина о том, что человек должен быть активным тружеником, а не игрушкой в руках бога. Кальвинистами были нидерландские патриоты, боровшиеся против испанского гнета, ту же веру разделяли французские гугеноты. После заселения Северной Америки и образования США кальвинизм (под названием пресвитерианства) стал одной из основных религий этой страны.

КАМЕННАЯ МАССА – материал для керамических изделий.

Каждый вид искусства основывается на своем материале. В керамике особое значение имеет каменная масса – тугоплавкий, непрозрачный материал, образующий плотный, спекшийся черепок. Он образуется после обжига легкоплавких горных пород при высокой температуре.

В Китае его считают предшественником фарфора, в Европе он стал известен с XV века. Естественно, что непритязательный внешний вид требовал украшения данного материала; чаще всего его покрывали прозрачной кристаллической или матовой глазурью, иногда украшали тонким рельефом.

КАМЕЯ (ит. cammeo – резной камень) – резной камень, драгоценный или полудрагоценный, с выпуклым рельефным изображением. Более широкое наименование камей – гемма. Обычно они выполнялись из оникса или агата, многослойных камней (изображение одного цвета, фон – другого). Отличается от инталий, где изображение врезывается внутрь. Наиболее известные античные камеи – чаша Фарнезе (Неаполь) и К. Августа. Распространение получают с IV века до н. э.

(См. также Гемма, Глиптика, Инталия).

КАМПАНЕЛЛА (ит. campanella – колокольчик)

Это слово знакомо всем, кто занимается музыкой. Кампанеллой называется музыкальная пьеса, воспроизводящая звучание колокольчиков. Поэтому ее часто используют для обучения приемам игры на фортепиано. Известный образец – «Кампанелла» Ференца Листа, представляющая собой транскрипцию одноименной скрипичной пьесы Паганини.

КАНОН – в изобразительном искусстве это совокупность твердо установленных правил, определяющих нормы композиции и колорита художественного произведения, систему пропорций или иконографию данного типа изображений. Так называют также произведения, служащие признанными образцами данного жанра или изображения данной темы.

Само слово возникло от названия измерительного инструмента, с помощью которого определялось прямое направление (правило, отвес, линейка). Впервые это понятие стало применяться в античном искусстве для обозначения совокупности правил, определяющих идеальные пропорции человеческой фигуры. Они впервые были сформулированы в труде скульптора Поликлета «Канон» (вторая половина V века до н. э.). В нем предпринималась попытка найти идеальный, канонический вариант пропорций человеческого тела. За идеальную меру принимали простейшие соотношения чисел. Любопытно, что иногда мерой служила та или иная часть самого тела (нос, лицо, средний палец руки). Математически обоснованные правила построения человеческой фигуры мы находим, например, в сочинениях Леонардо да Винчи.

Так постепенно это слово получило то значение, к которому мы привыкли. В архитектуре, литературе и музыке им стали обозначать образец для подражания, совокупность принятых правил.

С развитием христианства каноном стали обозначать и комплекс текстов, объявленных священными, утвержденный Никейским собором.

Следует сказать и еще об одном значении этого слова – названии одного из музыкальных жанров. Жанр канона сложился в византийской гимнографии в VIII в. н. э. и постепенно вытеснил кондак. Содержание канона было посвящено прославлению отмечаемого в этот день события.

Название отражает способ исполнения – один голос начинал петь, а другие повторяли его мелодию с некоторым сдвигом по времени, что и придавало ей торжественную статичность и даже некоторую витиеватость. Канон состоит из девяти песен, каждая из которых открывается особым зачином – ирмосом – и ряда песен – тропарей.

В XI–XII вв. каноны только пелись, образуя своеобразную музыкально-поэтическую композицию. Однако для экономии времени пение тропарей вскоре было заменено их чтением. А ирмосы были собраны в особую книгу – ирмологий – и стали исполняться лишь в определенные дни. Таким образом, исполнение канона приобрело трехчастную форму: начальный ирмос, чтение тропаря и повторение ирмоса в исполнении двух хоров. Подобный прием назывался катавасией (от греческого katavacia – схождение), поскольку для пения финального ирмоса хоры с правого и левого клиросов объединялись в середине храма.

КАНТАТА (от ит. cantare – петь) – произведение крупной формы, предназначенное для исполнения певцами-солистами, оркестром и хором. Существуют кантаты для хора без солистов, в некоторых образцах этого жанра оркестр заменяется небольшим камерным ансамблем или совсем отсутствует.

Кантата состоит из ряда законченных номеров. Ее основой обычно становится достаточно объемный поэтический или прозаический литературный текст (раньше преимущественно библейский). Отсюда и бытование двух типов кантат: духовной (на религиозные сюжеты) и светской. Кантаты обычно создавались в связи с различного рода торжествами или знаменательными событиями.

Первоначально в XVII в. в Италии так называли каждое произведение для пения с инструментальным сопровождением. По манере исполнения оно отличалось от сонаты, предназначенной для исполнения на одном или двух инструментах. На рубеже XV–XVI веков кантата представляла собой сольную вокальную пьесу лирического характера. Позже она стала приближаться к развернутой оперной сцене, а доминирующую роль в ней стал играть хор.

По средствам выражения кантата подобна другому произведению крупной формы – оратории (монументальному хоровому циклу). Первоначально разница между ними была существенной, поскольку кантата меньше по объему и отличается менее цельным и развитым сюжетом с ярко выраженным лирическим началом. Сближение кантаты и оратории произошло относительно недавно. К кантате обращались Л. Бетховен, Ф. Шуберт, Ф. Мендельсон, Г. Берлиоз, Ф. Лист, И. Брамс, а также и многие композиторы XX века (Б. Барток, К. Орфы, Б. Бриттен, П. Хиндемит).

Первые русские кантаты появились в XVIII веке. Расцвет отечественной кантаты связан с творчеством П. И. Чайковского (кантата «Москва»), С. И. Танеева («Иоанн Дамаскин», «По прочтении псалма»), С. В. Рахманинова («Весна», «Колокола»), можно упомянуть кантаты Ю. А. Шапорина, С. С. Прокофьева, Г. В. Свиридова.

КАПЕЛЛА (позднелат. capella – часовня)

Первоначально этим словом обозначали предназначенное для ежедневных молитв помещение в жилом доме. Затем так стали именовать небольшую церковь, построенную в замке феодала и предназначенную для молитвы всех проживающих в замке. Нередко они сооружались и в больших соборах, но использовались не только для молитв, но и как место размещения церковных реликвий (в странах Западной Европы).

В капелле было слишком мало места для размещения органа, и поэтому религиозные песнопения в них исполнялись только хором. С XV века так стали называть и музыкантов, исполнявших вокальную музыку без инструментального сопровождения. Впоследствии, с развитием светской музыки, примерно с XVIII века капеллами стали называть и группы исполнителей, находящихся на службе в одном месте. Руководителей капелл называют капельмейстерами. Такие капеллы были прежде всего частными и принадлежали богатым аристократам. В России эти капеллы составлялись из крепостных. На Руси их обычно называли хорами.

В наше время словом «капелла» стали обозначать некоторые музыкальные ансамбли, которые исполняли музыку как вокальную, так и инструментальную. В настоящее время это Государственная академическая капелла имени М. И. Глинки, Украинская капелла бандуристов, Петербургская хоровая капелла.

КАПИТЕЛЬ (от лат. capitellum, букв, головка – верхняя часть колонны)

Греческие колонны поражают не только своей величиной, но и прекрасными украшениями. Каждую колонну заканчивала капитель – своеобразная пластически выделенная часть, венчающая вертикальную опору (столб или колонну), передающая ей нагрузку от архитрава и других расположенных выше частей здания. Об этом говорит и происхождение названия.

В античную эпоху сложились три основных классических типа капители – дорическая, ионическая и коринфская, а также смешанная, сочетающая их элементы.

Своеобразные типы капители были созданы в Китае, Японии, Мексике, а также в византийской, романской, готической, древнерусской архитектуре, в архитектуре Армении, Грузии, государств Средней Азии.

КАПРИЧЧИО, КАПРИС (ит. capriccio – каприз, прихоть) – инструментальная пьеса причудливого характера, свободного построения, с яркой сменой образов, тем, настроений.

Первоначально в XVI веке каприсами называли многоголосные вокальные пьесы типа мадригалов, а в XVII веке – самые разные инструментальные сочинения типа ричеркара, прелюдии, канцоны, фантазии. В XVIII–XIX вв. каприччио называли виртуозные сочинения для одного инструмента (каприччио для скрипки Н. Паганини, а также их обработки для фортепиано Р. Шумана и Ф. Листа). Позже это название распространили и на оркестровые пьесы танцевального характера: «Итальянское каприччио» П. Чайковского, «Испанское каприччио» Н. Римского-Корсакова, «Андалузское каприччио». Часто в основе пьесы лежат народные мелодии.

Данное понятие используется и в живописи для обозначения любого рода передачи четырехмерного вида объектов. Для него характерно совмещение двух планов – точного изображения архитектурного сооружения с фантастическими мотивами, порожденными сознанием художника. Подобные картины характерны для Марлоу – «Собор святого Павла», «Лондон с Большим каналом», «Венеция».

Иногда этим словом обозначают и сатирические зарисовки, где также преобладают мотивы фантастического гротеска; например, «Капричос» – серии фантасмагорических гравюр Ф. Гойи.

КАРАВАДЖИЗМ – система художественных средств, характерная для этапа развития реалистической живописи XVII в. (монументализация обыденного мира с помощью светотеневых контрастов), созданная итальянским художником Караваджо и его последователями: О. Джентилески в Италии, Х. Тербрюггеном в Нидерландах, Х. Рибейрой в Испании. Через этап караваджизма прошли П. П. Рубенс, Д. Веласкес, Рембрандт, Ж. де Латур.

Основная особенность караваджизма – непосредственное воспроизведение натуры, существенная роль реальных предметов, подчеркнутая с помощью контрастов света и тени. Несмотря на сюжетную незамысловатость, для произведений этого стиля характерна исключительная драматическая сила. Одна из излюбленных тем – одиночество человека. В последующее время воздействие караваджизма сказалось и в творчестве ряда представителей искусства барокко, а также академизма, развивавших жанровую живопись.

КАРАНДАШ (тюрк. кара – черный и таш – камень) Первое значение этого слова связано с материалом (и одновременно инструментом) для письма, рисования, черчения в виде тонкой палочки (стержня) из специальных красящих веществ (угля, свинца, графита или сухой спрессованной краски).

Современный графитный карандаш был изобретен в конце XVIII века французским ученым Н. Конте. До этого писали самыми разными материалами: углем на стене, острыми палочками на сырых глиняных дощечках (как это делали ассирийцы и вавилоняне), палочками (стилосами) по покрытым воском деревянным дощечкам (как древние римляне).

С изобретением бумаги стали искать новые материалы. В XIII веке появились металлические карандаши (свинцовые и серебряные): в особый футляр вставлялась тонкая проволока из соответствующего металла или из сплава металлов. Оставляемый таким карандашом след был достаточно слабым. Кроме того, они стоили достаточно дорого. Однако такие карандаши широко применялись вплоть до XVI века.

С XV века (по некоторым сведениям – с XIV века) известны итальянские карандаши. Они изготовлялись из черного глинистого сланца или порошка жженой кости, скрепленного растительным клеем. Итальянский карандаш дает линию матового оттенка и слабой черноты.

Настоящей сенсацией стало открытие залежей графита. Это произошло в XVI веке в английском графстве Камберленд. Минерал обладал чудесным свойством: оставлял на бумаге отчетливую черную линию. Но природный графит был слишком твердым. Только после того, как графитный порошок стали смешивать с глиной, дело пошло на лад. На рубеже XVIII–XIX веков появились графитные стержни различных степеней твердости. Постепенно они обрели и деревянную оболочку.

В настоящее время выпускается множество разновидностей карандашей, различных по цвету, назначению и твердости. Твердые употребляются для черчения; для рисования используют мягкие карандаши, причем не только графитные, но и угольные. Они толще и мягче обычных и дают черные бархатистые линии.

Карандашами называются также палочки сангины и пастели.

Слово «карандаш» используют и для обозначения техники рисунка, выполненного графитным, итальянским, серебряным, свинцовым карандашом. Рисунки графитным карандашом отличаются сероватым тоном с легким отблеском и лишены интенсивной черноты. Итальянский карандаш дает коричневый тон и тонкую линию небольшой яркости. Подобных рисунков сохранилось мало, поскольку он служил в основном для предварительного наброска перед работой в другой технике. Темно-серый тон серебряного карандаша (штрихи которого не стираются и не пачкаются) с течением времени приобретает коричневатый оттенок.

КАРИАТИДА

Первоначально кариатидами называли жриц храма богини Артемиды в Кариях (греческая область Лаконика). Во время шествий они выходили из храма, неся на голове ритуальные сосуды для жертвенных возлияний. Отсюда и пошло наименование одного из элементов декоративного оформления греческих храмов – скульптурного изображения задрапированной женской фигуры. Они использовались вместо колонн или других вертикальных опор для балочных перекрытий. Знаменитые кариатиды находятся в сокровищнице в Дельфах, в храме Эрехтейон (афинский Акрополь). Фигуры, поддерживающие перекрытия, могли быть не только женскими, но и мужскими. В этом случае они называются атлантами (по имени мифического великана, поддерживавшего небесный свод).

В более позднее время кариатиды использовались в подражание античной архитектуре (кариатиды в Тронном зале Китайского дворца в Ораниенбауме, ныне г. Ломоносов, XVIII век). Атланты также широко представлены в европейской архитектуре. В России их можно увидеть на здании Нового Эрмитажа в Петербурге (работа скульптора А. И. Теребенева).

КАРИКАТУРА (итал. caricatura, от caricare – нагружать, преувеличивать) – изображение, намеренно подчеркивающее и комически преувеличивающее отрицательные особенности объекта с целью их разоблачения и осмеяния. Карикатура является одной из самых распространенных форм сатиры в изобразительном искусстве. Элементы карикатуры существовали уже в античном искусстве, отчасти в средневековье, а также в искусстве Возрождения (рисунки Аннибале Карраччи и Леонардо да Винчи), но в то время они были сравнительно редки.

Как особый сатирический жанр изобразительного искусства карикатура сложилась в конце XVIII – начале XIX века. Само слово впервые было употреблено в названиях картин английского художника У. Хогарта в 1748 году.

Жанр получил развитие в графике, главным образом газетно-журнальной, и стал острейшим орудием политической борьбы и агитации. Наибольший подъем и расцвет политической карикатуры наблюдался в период революционного подъема – Великой французской революции 1789 г., революции 1848 г., назревания революционной ситуации в России 50–60-х годов XIX в. и во время первой русской революции 1905 года.

Блестящим мастером политической карикатуры был выдающийся французский художник второй четверти XIX в. Оноре Домье. В начале XX века в России работали замечательные мастера этого жанра – художники М. Дени, Ре-Ми и другие. После 1917 года карикатура становится одним из ведущих жанров политической наглядной агитации. В это время создаются произведения Моора, «Окна сатиры РОСТА», где работает В. Маяковский. Исключительная роль принадлежала карикатуре в годы гражданской и Великой Отечественной войн: в «Окнах ТАСС», плакатах, листовках, фронтовых газетах художники-карикатуристы бичевали и жестоко высмеивали врага.

Для карикатуры характерны все основные приемы сатирических жанров – изобразительные метафоры, каламбуры (игра слов, основанная на их звуковом сходстве и смысловом различии). Часто карикатура сопровождается текстом, поясняющим и усиливающим ее смысл.

Прием карикатуры встречается и в музыке. Так, в «Фантастической симфонии» французского композитора Г. Берлиоза на нем построена картина шабаша ведьм. Мелодии их танцев – шаржированная композитором танцевальная музыка. Широко использовал этот прием и Д. Шостакович. В 20-е годы он написал балет «Золотой век», музыка которого построена как ряд карикатурных зарисовок. Аналогично написан и его балет «Нос», где композитор использовал окарикатуренные ритмы музыки начала XIX века.

КАРНАВАЛ (франц. carnaval) – вид массового народного гулянья с уличными шествиями, театрализованными играми. Время возникновения карнавала – IX–X век. К этому времени относятся наиболее ранние известия о периодических городских празднествах в разных городах Западной Европы. Под этим названием постепенно объединились местные празднества различного происхождения, приуроченные к разным дням года. В каждом из них были представлены свои обряды, образы, маски.

Наиболее интенсивно этот процесс протекал в Италии, где раньше всего появились большие независимые города. Затем появились карнавалы во Франции, а позже всего в Германии – в Нюрнберге и Кельне.

Народно-праздничные формы обычно составляли вторую, неофициальную половину праздника, тогда как первая была связана с выполнением определенных церковных ритуалов. Лишь в XVIII и XIX веках они разделились, и карнавал стал существовать как один из видов массовых развлечений.

Главнейшая часть любого карнавала – шествие, которое проходило по главным улицам города. Ведущий его мотив – изобилие, происходящее от древнейших праздников урожая. Оно может быть выражено в огромных кучах сельскохозяйственных продуктов, цветов, кушаний, которыми кормят всех желающих. Все происходящее во время шествия носит подчеркнуто игровой характер. Основная фигура на карнавале – шут. Он задает тон и шествию, и представлению, которое затем развертывается на центральной площади города.

Помимо шутов в шествии обязательно участвовали ряженые. Они разыгрывали перед толпой различные сценки, а иногда и целые представления. Все они имели сатирическую направленность, при этом часто пародировались эпизоды из Библии или житий святых. Непременной частью праздника являлось избрание «короля» или «королевы» карнавала. Обычно оно происходило перед началом шествия и заключалось в торжественной и в то же время пародийной коронации. После этого «король» возглавлял праздничное шествие.

В каждом городе карнавал развивался по определенному сценарию, сложившемуся за многие годы. Во главе карнавала обычно стояли городские купеческие корпорации. Например, устроителем масленичного карнавала в Нюрнберге традиционно являлась корпорация мясников, а во Франции – виноделов. Такой карнавал блистательно описан Франсуа Рабле в романе «Гаргантюа и Пантагрюэль».

Со временем карнавалы распространились и в странах Латинской Америки, где стали ежегодным развлечением.

КАРОЛИНГСКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ – принятое в искусствоведении название периода подъема средневековой культуры в империи Карла Великого и королевствах династии Каролингов. Он охватывает VIII–IX века. В это время открываются многочисленные светские и духовные учебные заведения (в Туре, Корби, Реймсе, Райхенау и др.). Образованные люди группируются и вокруг королевского двора. Для этого периода характерен интерес не только к духовным (что свойственно для всей средневековой культуры), но и к светским знаниям. Впервые появляется интерес к античной литературе и искусству.

Важной особенностью каролингского возрождения стало соединение особенностей античного и поздневизантийского искусства с местными («варварскими») традициями. Строятся здания самого различного назначения – монастырские комплексы, церкви и парадные резиденции. Их интерьеры расцвечиваются мозаиками и фресками. В интерпретации традиционных христианских сюжетов впервые появляется экспрессивность черт лица и движений персонажей.

В книжной миниатюре античная орнаментальная стилистика сочетается с языческими драконами и человекообразными фигурами. Развитие прикладного искусства привело к появлению школ, изделия которых отличает определенный комплекс сюжетов и выразительных средств. Обычно эти школы располагались при дворах крупных феодалов и королей (в Реймсе, Туре, Ахене). Скульптура также представлена произведениями малых форм из слоновой кости – окладами книг, складнями, ларцами, гребнями. Высокого уровня достигло литье и обработка металла – эмаль, чеканка, гравировка.

КАРТИНА – произведение станковой живописи, имеющее самостоятельное художественное значение. В отличие от этюда или эскиза, картина обладает технической и композиционной законченностью. Вместе с тем и этюд или эскиз могут быть технически совершенными, но у них нет ни законченного сюжета, ни целостной композиции. Обычно они служат основой (художественными черновиками) при работе над картиной. Традиционно их пишут с натуры, а над картиной художник работает уже в своей мастерской.

Поскольку картина всегда сюжетна, ее можно отнести к определенной теме, а следовательно, и к жанру – портретному, бытовому, историческому, батальному, натюрморту. Вместе с тем следует иметь в виду, что четко выраженная предметность отнюдь не является обязательным атрибутом картины. Художественных достоинств полотен Кандинского, например, ничуть не умаляет то, что на них отсутствуют изображения конкретных предметов. Сочетая линии, фигуры и различные цвета, художник передает столь же глубокое содержание, как и посредством конкретных образов. В отличие от фрески или книжной миниатюры, картина не связана с определенным интерьером или системой декора.

Представление о картине менялось на протяжении веков. В Древней Греции и Риме само понятие картины отсутствовало, поскольку живопись носила чисто прикладной характер, являясь частью декора здания или выполняя строго определенную функцию. Только в эпоху Возрождения картина становится самостоятельным произведением искусства. У нее появляется рама, и она может находиться не только на стене, но и на специальной подставке, являясь частью интерьера.

Искусство нового времени (начиная с импрессионистов) предложило новый тип – картину, написанную непосредственно на натуре, на пленэре. Для нее характерна большая эмоциональная выразительность. Главным для художника становится не техническая завершенность, а наиболее полное воспроизведение настроений, переживаний, чувств.

Картина состоит из основы (холста, деревянной или металлической доски, картона, бумаги), грунта и красочного слоя.

Понятие картины употребляется и применительно к музыке. Так называется часть оперы или балета, действие которой развивается в одной декорации. Здесь используется прежде всего такое свойство картины, как сюжетность, тематическая завершенность. Существует также симфоническая картина – произведение, состоящее из одной части описательно-изобразительного характера. Это одна из разновидностей программной музыки.

Интересна перекличка живописи и музыки. В 1874 году М. Мусоргский написал фортепианную сюиту «Картинки с выставки» – цикл из десяти разнохарактерных пьес, представляющих собой ряд ярких, образных зарисовок и колоритных жанровых сцен. Поводом послужила посмертная выставка работ русского художника и архитектора В. Гартмана. После смерти композитора в свою очередь появилось несколько оркестровых версий его сочинения, лучшая из которых принадлежит французскому композитору М. Равелю.

Другая трактовка связи живописи и музыки определяется процессом восприятия и связана с конструированием в сознании слушающего музыку или создающего ее композитора определенного образа, возникающего при восприятии мелодии. Такие музыкальные картины писали М. П. Мусоргский – «Рассвет над Москвой-рекой», Клод Дебюсси – «Море», «Облака». Форма их может быть самой разнообразной – соната, сюита, прелюдия, этюд, скерцо.

Иногда композитор дает своему произведению второе название, заимствованное из изобразительного искусства: «картина», «акварель», «фреска». Таковы, например, фортепианные «этюды-картины» С. Рахманинова, «Годы странствий» Ф. Листа.

Подобный синтез искусств (не только на тематическом, но и на смысловом, идейном и стилевом уровне) характерен прежде всего для искусства XX века.

(См. Синтез искусств).

КАРТОН (франц. carton) – рисунок углем или карандашом, сделанный на бумаге или грунтованном холсте. Первоначально подобные рисунки делались исключительно для фрески. Затем рисунок прокалывали по контуру, накладывали на подготовленный для фрески грунт и переносили туда проколотый контур с помощью угольного порошка. Поэтому картоны всегда выполнялись в масштабах будущего произведения и отличались от него лишь отсутствием цвета. Сохранились картоны, выполненные Микеланджело, Леонардо да Винчи, Мантеньи, Джулио Романо. Самыми известными считаются картоны, изготовленные Рафаэлем.

Основное назначение картона – точно воспроизвести задуманную композицию или ее деталь. Кроме фресковой живописи, картоны выполнялись и для мозаики, витража, шпалеры.

Созданием картона завершается подготовительная работа художника над стенной росписью (реже картиной). Он был широко распространен в практике художников Возрождения, в XVII–XVIII веках, часто встречается у живописцев академической школы.

Поскольку картоны имели лишь прикладное значение, их редко сохраняли после окончания работы над произведением, для которого они предназначались. Тем не менее в ряде музее имеются различные картоны, выполненные знаменитыми художниками, некоторые из них позволяют представить, как выглядели не дошедшие до нас произведения, или проследить изменение замысла художника в процессе работы над ним. Иногда по картонам, сделанным известными художниками, живопись выполнял не только он сам, но и его помощники. Так было, например, при строительстве Исаакиевского собора в Петербурге или храма Христа Спасителя в Москве.

КАТАКОМБА (итал. catacomba, от позднелат. catacumba – подземная гробница; другое значение – кладбище, по одному из мест на Аппиевой дороге в Риме – кладбищу святого Севастьяна) – подземные помещения искусственного или естественного происхождения, вначале использовавшиеся для погребения христиан и иудеев, а затем для совершения религиозных обрядов, прежде всего в период гонения на христиан. Катакомбы обнаружены в Александрии, Сиракузах, Неаполе, в окрестностях Рима, в Неаполе, в Пече, на островах Сицилия, Мальта, в Северной Африке, Передней и Малой Азии, на Балканах.

Постройки говорят о мастерстве их создателей, поскольку технически они разрабатывались как рудники, имели вертикальные опоры и систему вентиляции. Римские катакомбы (II–IV веков) представляли разветвленные лабиринты узких галерей и небольших залов, некоторые украшены росписями, которые относятся к позднеантичному и раннесредневековому времени. Сюжеты фресок связаны не только с христианскими, но и с иудейскими и античными верованиями.

Катакомбы строились фассорами – низшими членами в иерархической структуре общины. Сохранились их изображения, на которых фассоры одеты в особую одежду, с рабочим инструментом в руках.

Для захоронений в катакомбах использовались стенные ниши. Их закрывали плитами или замуровывали. Ниши располагались в несколько ярусов и составляли разветвленную систему галерей.

Сходные с катакомбами сооружения сохранились в Киево-Печерской лавре.

КАТАКОМБНАЯ КУЛЬТУРА – археологическая культура раннего бронзового века (1-я половина 2-го тысячелетия до н. э.). Ее название происходит от принятого в то время обычая погребения усопших в особых сооружениях – подкурганных камерах (катакомбах). Она была распространена в степных районах Европейской части России и на Украине.

Основное занятие населявших эти районы племен – скотоводство и земледелие. Кроме общего способа погребения для этой культуры характерны и определенные приемы орнаментации керамических изделий – концентрическими кругами, шнуровым орнаментом. В могилах обнаружены разнообразные бронзовые изделия – топоры, булавы, ножи, украшения, а также деревянные повозки.

В результате длительных раскопок, проведенных археологом В. А. Городцовым, на Волге и Северном Кавказе выявлены обширные комплексы поселений.

КАТОЛИЦИЗМ – одно из основных направлений в христианстве.

Разделение христианской церкви на католическую и православную произошло в 1054–1204 годах. В XVI веке от католицизма откололся протестантизм. Организация католической церкви отличается строгой централизацией, иерархическим характером. Главой католической церкви является папа римский, резиденция которого – Ватикан. Источники вероучения – Священное писание и Священное предание.

Особенности католицизма (по сравнению в первую очередь с православием): добавление к «символу веры» (в догмат Троицы) филиокве, то есть утверждение примата божественного начала в Иисусе Христе над человеческим, наличие догматов о непорочном зачатии девы Марии и ее телесном вознесении, о непогрешимости папы. Для католицизма характерно резкое разграничение между клиром и мирянами, а также целибат, т. е. обязательное безбрачие для всего духовенства.

Долгое время единственным языком католической церкви являлся латинский. Только на нем должны были совершаться богослужения и произноситься молитвы. Текст Священного писания также запрещалось переводить на другие языки.

Лишь после начала Реформации и оформления протестантизма руководство католической церкви было вынуждено смягчить эти установления, разрешив переводы Библии на различные языки и молитвы на родном языке верующих.

Разделение православной и католической церквей в 1054 году не сразу создало глубокую пропасть между ними. Великий князь киевский Изяслав I после изгнания своими братьями с престола в 1075 году обратился за помощью к папе римскому Григорию VII. Русские митрополиты отправляли в Рим своих послов и принимали оттуда мощи святых. Так было, например, в 1091 году. В XII–XIII веках в Киеве, Переяславле, Смоленске, Полоцке, Пскове и других городах существовали католические церкви. Около 1228 года в Киеве даже находился доминиканский монастырь (см. Ордены монашеские и рыцарские).

Любопытно, что, несмотря на существенные религиозные расхождения, усиливавшиеся с течением времени, отношения между Русью и Ватиканом не прерывались. Так, после брака Ивана III с Софьей Палеолог в 1472 году между Москвой и Ватиканом устанавливаются дипломатические отношения. Только с начала XVII века они были прерваны в связи с польско-шведской интервенцией. Свободный въезд в Россию был разрешен католическому духовенству лишь указом Петра I в 1705 году.

Правда, в 1719 году был принят другой указ, обязывавший иезуитов прекратить свою деятельность в пределах России и запрещавший им въезд в страну. В 1728 году католическому духовенству был вообще запрещен въезд в Россию. Только при Екатерине II, когда в состав России вошла часть Польши, эти указы были отменены.

Официальный же разрыв отношений с Ватиканом произошел в 1863 году, после подавления восстания польских патриотов. Они были возобновлены лишь в 1894 году, после восшествия на престол императора Николая II.

После 1917 года советское правительство прекратило всякие отношения с Ватиканом и возобновило их лишь в годы перестройки, когда М. С. Горбачев стал первым советским руководителем, посетившим Ватикан с официальным визитом.

В настоящее время католики составляют большую часть верующих в Италии, Испании, Португалии, Франции, Бельгии, Австрии, а также в латиноамериканских странах. В странах Восточной Европы они преобладают в Польше, Венгрии, Чехии и Словакии, а также в республиках Балтии (главным образом в Литве), в западных областях Белоруссии, Украины.

КВАКЕРСТВО

Квакерами называют последователей одной из протестантских мистических сект, появившихся в Англии в середине XVII века. Основатель секты Джордж Фокс занимался изучением и толкованием книг Священного писания. Постепенно он пришел к выводу, что предлагаемые Лютером реформы католической церкви недостаточны.

Фокс считал, что «вера заключается не в книгах, а в сердцах людей». Поэтому он призывал верующих к доведению себя до экстаза во время совместных молитв. Поскольку трепетать, дрожать по-английски – to quack, приверженцев Фокса и стали называть квакерами, т. е. трепещущими.

Реформы Фокса были осуждены английскими властями, и в 1650 году деятельность этой секты в Англии была запрещена, а сам Фокс предан суду как еретик. После этого квакеры покинули Англию и отправились вначале в Голландию, а потом в Америку. Там они основали свою колонию, которую назвали Пенсильванией в честь ее первого руководителя Уильяма Пенна.

С конца XVII века Пенсильвания стала основным центром квакерского движения.

Квакеры отвергают не только христианскую обрядность, но и любую власть по принуждению. Внутреннее устройство квакерской общины основано на последовательно демократических началах. Все члены общины равны, и каждый из них должен трудиться. Из представления об активной любви к ближнему вытекает то, что обязанностью каждого верующего является постоянная благотворительность. Поэтому среди квакеров практически нет нищих и безработных. Любой труд считается почетным, а богатство вовсе не главное. Квакеры явились инициаторами и основной движущей силой в борьбе за отмену рабства в США.

В настоящее время квакеры являются одной из крупнейших в мире благотворительных организаций. С XVIII века квакеры появились и в России. Правда, как и в Англии, их вначале преследовали и даже сжигали на кострах. И только Александр I разрешил их деятельность и в России.

КВАТРОЧЕНТО (итал. quattrocento, букв. четыреста) – принятое в итальянском языке наименование XV века, в специальном значении этого слова – период в развитии итальянского искусства или итальянской скульптуры в целом. Обычно он связывается с Ранним Возрождением в Италии. Художников соответствующего периода называют иногда кватрочентистами. Иногда используется и термин маньеризм кватроченто для описания возбуждающего и нервного стиля Боттичелли или Филиппо Липпи. Существует также мнение, что именно кватроченто предшествовало маньеризму.

КЕРАМИКА (греч. keramos – глина) – в декоративно-прикладном искусстве изготовление художественных изделий из обожженной глины: фарфора, фаянса, майолики, терракоты, а также гончарных изделий. Керамика отличается разнообразием форм и изобразительных приемов. Ее основное сырье – глина – обладает высокими скульптурно-пластическими свойствами, а роспись и специальные глазури, ангобы и эмали дают богатейшие цветовые возможности. Область применения керамики очень обширна и простирается от мелких бытовых предметов и посуды до архитектурных деталей или крупной декоративной скульптуры.

Человек начал использовать глину на самой заре своего существования. Древнейшие изображения животных и людей, обнаруженные археологами, были вылеплены в древнем палеолите за 27 тысяч лет до н. э. Первоначально керамические изделия лепили руками. Постепенно научились обжигать их, чтобы глина стала прочнее и перестала пропускать воду. А потом появился гончарный круг, и изделия сразу же приобрели правильную форму.

Керамику изготовляли во всех частях земли. Но важнейшее место в истории ее развития занимают Китай и Греция, поскольку в этих двух странах искусство керамики достигло наибольшего расцвета, чему в немалой степени способствовали природные условия – богатые месторождения глины и природных красителей.

Именно в Китае был изобретен фарфор – керамическая масса из высококачественной белой глины – каолина. Это произошло во второй половине II–I тысячелетии до н. э.

Богатейшая расписная керамика характерна для греческого искусства. Древние греки создали множество типов керамических сосудов, в зависимости от их предназначения. Наиболее крупными были амфоры, пелики и стамносы. Они предназначались для хранения различных веществ: муки, зерна или вина.

Стеклянной посуды в то время еще не знали, поэтому для питья использовали более мелкие сосуды: ритоны, вылепленные в виде головы какого-либо животного, а также скифосы и канфары, напоминавшие рюмку с двумя ручками. Любопытна конструкция псиктера – сосуда для охлаждения жидкости. Он представляет собой суженную в нижней части вазу, которую вставляли в другой сосуд, наполненный холодной водой со льдом.

Более мелкие сосуды – арибаллы и алабастры – делали для разлива душистых масел, использовавшихся как косметические средства. Иногда их даже носили на шее как украшения. Все сосуды изготовлялись из глины, обжигались в печи и покрывались росписью или орнаментом. Расписанные известными художниками своего времени, они ценились очень дорого и использовались даже в качестве наград или подарков. Так, например, красивыми вазами награждались победители Олимпийских игр. Отсюда и возник обычай награждать победителя спортивных соревнований призом в виде кубка.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.