Ю – Я

ЮВЕЛИ?РНОЕ ИСКУ?ССТВО (от нем. juwel или голл. juweel – драгоценный камень), вид декоративно-прикладного искусства, изготовление художественных изделий (украшений, бытовых и культовых предметов, вооружения) из драгоценных металлов (золота, серебра, платины), часто в сочетании с драгоценными и поделочными камнями, а также со стеклом, перламутром, костью и др. материалами. Изысканность обработки подчёркивает красоту исходного материала.

При работе с металлами применяются различные техники: ковка, литьё, чеканка, резьба или гравировка, оброн (фон вокруг рисунка вырезается), скань, или филигрань (узоры из тонкой проволоки напаиваются на фон), зернь (к филигранному орнаменту припаиваются золотые или серебряные шарики), чернь (измельчённый сплав серебра, свинца, серы и др. компонентов наносится на гравированную поверхность металла, обычно серебра, и подвергается обжигу, в результате чего проявляется чёрный рисунок, прочно сплавленный с основой), эмали, инкрустация, полировка и др. Драгоценные камни часто подвергают огранке; используются также необработанные камни – кабошоны. С древнейших времён были популярны резные изделия из драгоценных и полудрагоценных камней – геммы.

В. С. Сикачёв. Брачный венец. Серебро, позолота, эмаль, ткань, стекло. 1899—1908 гг. Государственный исторический музей. Москва

Скифский гребень со сценой битвы. Золото, литьё, чеканка. Кон. 5 – нач. 4 в. до н. э. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург

Украшения Древнего Египта (вверху) и Древней Греции (внизу)

Древнерусские украшения, найденные археологами на территории Рязани. Государственные Музеи Московского Кремля

Часы-яйцо. Фирма Фаберже. Золото, платина, серебро, алмазы, халцедон. 1899 г. Государственные музеи Московского Кремля

Портсигар. Фирма Фаберже. Серебро, золото, сапфиры, эмаль. 1910-е гг. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург

В Древнем мире ювелирные изделия олицетворяли знатность и богатство их владельца; они служили не только украшениями, но и печатями, и амулетами, призванными защищать хозяина своей магической силой; был распространёнзвериный стиль. В Средние века мастерство ювелиров было направлено в основном на украшение предметов церковной утвари. Изготавливались великолепные золотые или серебряные оклады икон и богослужебных книг, украшенные драгоценными камнями, чеканные литургические сосуды. Ювелирные изделия эпохи Возрождения отличаются совершенством композиции, тщательностью проработки, богатством фантазии. К ювелирному искусству обращались прославленные мастера (А. Дюрер, Х. Хольбейн Младший, Б. Челлини). Излюбленными типами изделий были нагрудные подвески и украшения для шляп. В Италии расцветает искусство резьбы по камню. Во Франции славилась школа лиможской эмали. Новый расцвет ювелирное искусство переживает в эпоху рококо с характерным для него стремлением к утончённости. Любимым камнем становится бриллиант, появляется классическая бриллиантовая огранка. В мужском костюме драгоценные камни использовались так же широко, как и в женском. В эпоху классицизма ювелирные изделия обретают строгость, из мужского гардероба практически исчезают украшения. Популярными становятся изящные табакерки и набалдашники для тростей.

С сер. 19 в. при изготовлении ювелирных изделий начинают применяться промышленные технологии, их производство становится массовым, используются менее дорогие материалы (накладное серебро, горный хрусталь, цветное стекло, искусственные бриллианты – стразы). Мастера модерна превратили ювелирные изделия в произведения большого искусства (Р. Лалик, Л. Гайар). Ювелиры обращаются в своих произведениях к формам живой природы; любимыми мотивами становятся волна, завитки растений, насекомые, птицы. Мировую известность получила продукция работавшей в России фирмы Фаберже (пасхальные яйца с механическим секретом, часы, украшения, сервизы, бинокли, портсигары и др.), отмеченные уникальностью конструкторских решений, тщательностью отделки, яркой праздничностью образного решения.

В 20 в. благодаря деятельности французского модельера-новатора Коко Шанель обретает популярность бижутерия. Осваиваются новые материалы, как дорогие (платина, палладий), так и более доступные массовому потребителю (цирконий, алюминий, цинк, керамика). Во второй пол. 20 – нач. 21 в. стремление к минимализму, обыгрыванию выразительности простых геометрических форм соседствует в ювелирном деле с интересом к изысканности и прихотливым линиям модерна и традициям народного искусства.

Ю?ГЕНДСТИЛЬ, см. Модерн.

Ю?Н Константин Фёдорович (1875, Москва – 1958, там же), русский живописец и график, театральный декоратор, педагог. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1894—98) у К. А. Савицкого, А. Е. Архипова, Н. А. Касаткина, Л. О. Пастернака, А. М. Корина, затем в мастерской В. А. Серова (1898—99). Посетил Австрию, Швейцарию, Германию, Италию, Францию, неоднократно путешествовал по древним русским городам. Один из организаторов Союза русских художников (1903—23), член художественного объединения «Мир искусства» и Ассоциации художников революционной России (с 1925 г.). Совместно с И. О. Дудиным руководил художественной школой в Москве (1900—17). Преподавал во Всероссийской академии художеств в Ленинграде (1939—40), в Московском художественном институте им. В. И. Сурикова (1952—55). Был главным художником Малого театра (1945—47). Народный художник СССР (1950).

Юон – мастер лирического пейзажа. В основе его живописного метода – работа на пленэре, увлечение импрессионизмом («Голубой куст», 1907). В картинах художника предстаёт образ России, в которой существуют в гармонии город и деревня, старина и современность. Юон пишет сияющий радостными, звонкими красками мир русской провинции – раздолье русской природы, стены и башни монастырей, белокаменные соборы с золотыми куполами, деревенские домики. На фоне голубого неба, часто занимающего большую часть пространства, на улицах и площадях кипит оживлённая, праздничная жизнь: несутся повозки, спешат по делам или неспешно прогуливаются люди в ярких одеждах. Художник особенно любил писать Троице-Сергиеву лавру («К Троице», 1903; «Троицкая лавра зимой», 1910; «Купола и ласточки», 1921, ГТГ) и подмосковное село Лигачёво, где встретил свою будущую жену, крестьянку Клавдию, и вспоследствии поселился. В картине «Мартовское солнце. Лигачёво» (1915) ощущается морозный воздух, пронзительная голубизна неба и снега. Заходящее солнце «зажигает» золотыми красками стволы деревьев.

После Октябрьской революции создал аллегорическую картину «Новая планета» (1921), в которой представлено тревожное утро рождения нового мира. В 1920– 30-х гг. писал историко-революционные и бытовые картины («Вузовцы», 1929; «Утро индустриальной Москвы», «Парад на Красной площади в Москве 7 ноября 1941 года»; обе – 1949), продолжал создавать лирические пейзажи («Русская зима. Лигачёво», 1947) В 1930-е гг. оформлял театральные постановки во МХАТе, Большом и Малом театрах, серию портретов писателей, учёных, актёров («Портрет В. Н. Пашенной», 1945).

Учениками Юона были В. И. Мухина, В. А. Ватагин, А. В. Куприн, С. Ю. Судейкин, В. А. Фаворский и многие др. художники.

ЯП?НИИ ИСКУ?ССТВО, искусство восточноазиатского государства, занимающего ок. 4 тыс. островов в западной части Тихого океана. Древнейшие памятники искусства относятся к культуре дзёмон (4-е – сер. 1-го тыс. до н. э.). Это глиняные сосуды, обматывавшиеся травяными верёвками, которые во время обжига оставляли на их поверхности характерный узор. В кон. 1-го тыс. до н. э. укореняется религия синтоизма (обожествление природы – гор, рек, деревьев и т. д.). Первыми храмами служили амбары для хранения риса, перед которыми совершались праздничные обряды. По типу этих храмов-амбаров были построены древнейшие святилища (Исэ и Идзумо, нач. 1-го тыс. н. э.). В 3–6 вв. н. э. в связи с развитием культа предков начинается строительство грандиозных царских курганов (кофун) круглой и подковообразной формы, окружённых рвом с водой (гробница императора Нинтоку). На них ставили полые глиняные фигурки (ханива), изображающие жриц, слуг, коней и птиц, модели жилых домов.

С кон. 6 в. в связи с распространением буддизма началось строительство монастырей, квадратных в плане пагод и храмов по китайским и корейским образцам (ансамбли Асукадера, 588; Ситеннодзи, 593; Хоккидзи, нач. 7 в.; Хорюдзи, 607) Здания возводились на белокаменной платформе, были окружены колоннами, окрашенными красным лаком, и увенчаны черепичной, изогнутой по краям, одноярусной или двухъярусной крышей. В центральной части буддийских храмов воздвигали алтари с изображениями буддийских божеств, выполненных из золочёной бронзы или раскрашенного дерева.

Кинкакудзи (Золотой павильон). 1397 г. Буддийский храмовый комплекс Рокуондзи. Киото

Сад императорского дворца. Воссоздан в 1789 г. по образцу 9 в. Киото

Кобори Энсю. Чайный павильон в саду храма Кодайдзи. Первая пол. 17 в. Киото

Нэцкэ в виде смеющегося мальчика и маски. Слоновая кость. 19 в.

Замок Химэдзидзё (Замок белой цапли). 1601—09 гг. Химэдзи

К. Утамаро. «Красавица Осомэ». Цветная ксилография. 1790-е гг.

А. Хиросигэ. «Станция Мисима. Утренний туман». Из серии «53 станции Токайдо». Цветная ксилография. 1833—34 гг.

В 710 г., когда утверждается единое централизованное феодальное государство, первой постоянной японской столицей (до этого при восшествии на престол нового правителя столица переносилась) становится Нара (Хэйдзё-кё), выстроенная по образцу китайских городов с регулярной планировкой. Для храмовых комплексов этого времени (Якусидзи, Тодайдзи, Тосёдайдзи) характерна чёткая симметрия планов, грандиозные масштабы и мощь конструкций. В скульптуре широкое распространение получили гротескные ритуальные маски. Живопись представлена росписями храма Хорюдзи (8 в.), близкой по стилистике к индийским и китайским образцам.

В 794 г. столица была перенесена в г. Хэйан (ныне Киото). В кон. 8—12 вв. в архитектуре сложился новый тип храма-дворца (храм Феникса в монастыре Бёдоин близ Киото, 1053). Члены буддийских сект, проповедовавшие тайные учения, возводили культовые здания в уединённых местах среди скал (храмы Энрякудзи, 782; Конгобудзи, 816; Муродзи, кон. 8 – нач. 9 в.). Небольшие храмы были органично вписаны в пейзаж. Переживала расцвет светская архитектура. Т. н. стиль синдэн-дзукури, продолжающий традиции национального зодчества, был соединён с опытом китайской архитектуры. В центре жилых комплексов находился деревянный павильон (синдэн), приподнятый на столбах, к которому примыкали с двух сторон галереи (тайноя), соединяющие основное здание с остальными частями ансамбля. Фасадом павильон выходил на песчаную площадку, завершавшуюся в южной части пейзажным садом с островами, мостами, скалами и искусственным озером (императорский дворец в Киото, воссоздан по образцу 9 в. в 1789 г.). В скульптуре появились устрашающие изображения многоликих и многоруких божеств – охранителей стран света, целителей от недугов. В отделке храмовых интерьеров наряду со скульптурой широко применялись орнамент и настенные росписи. Живописцы писали также иконы-мандалы, воссоздававшие символическую схему буддийской Вселенной. Сложился тип горизонтальных свитков (эмакимоно), иллюстрирующих литературные произведения (иллюстрации к «Повести о принце Гэндзи» Фудзивара Такаёси, нач. 12 в.). В декоративно-прикладном искусстве были популярны художественные лаки.

В 12–15 вв. страной правили сёгуны (военные правители), столицей стал г. Камакура. Были популярны скульптурные и живописные портреты сёгунов (портрет сёгуна Минамото Ёритомо, выполненный Фудзивара Таканобу, 12 в.), воинов и монахов. Изысканной отделкой украшали оружие и конскую сбрую. В кон. 14–16 вв. под влиянием учения дзэн, проповедовавшего путь к просветлению через созерцание природы, которая является «телом Будды», переживает расцвет садово-парковая архитектура (храмы Кинкакудзи – Золотой павильон и Гинкакудзи – Серебряный павильон в Киото, 14 – кон. 15 в.). В отличие от европейских садов, в японских обычно не было цветущих растений; ландшафты украшали садами камней (сад монастыря Рёандзи в Киото, 15 в.). С помощью камней и песка искусные садовники создавали ощущение реки, гор, моста, перекинутого через пропасть, водопада и т. д. У созерцающего уголок сада человека создавалось ощущение безграничного пространства (сад храма Дайсэн-ин в монастыре Дайтокудзи в Киото, 14 в.). В жилых постройках исчезли длинные галереи, комнаты разделялись раздвижными перегородками, появились специальные ниши (токонома) для живописных свитков и полки (тана) для священных книг. Раздвижные стены сближали интерьер с садом. Развивается живопись тушью (суйбоку). Художники (Дзёсецу, Сюоун, Сэссю и др.) пишут монохромные пейзажи на свитках. В конце 15 в. живописцы школы Кано (Масанобу Кано, Мотонобу Кано, Эйтоку Кано, Санраку Кано и др.) создавали яркие декоративные композиции с изображением птиц и цветущих деревьев. Укоренившаяся в японской культуре с 15 в. традиция чайных церемоний оказала ощутимое влияние на архитектуру и изобразительное искусство, вызвала расцвет производства фарфора. В глубине садов устраивали подчёркнуто простые павильоны для чайных церемоний – полухрамы-полухижины. Культ простоты, естественности, приобщённости к миру природы нашёл наиболее совершенное воплощение в ансамбле императорской загородной виллы Кацура близ Киото (1625). Переживает расцвет зародившееся ещё в 6 в. искусство икэбаны (составления букетов).

В 1543 г. во время бури на одном из японских островов высадились португальские купцы. С этого времени начались оживлённые контакты Японии с Европой. В кон. 16 – нач. 17 в. при участии европейских архитекторов возводились грандиозные замки, сочетающие циклопическую кладку цоколя с традиционным деревянным верхом (Адзутидзё, 1576; Осакадзё, 1583; Химэдзидзё, 1601—09). Просторные сумрачные интерьеры этих сооружений, а также дворцов украшались резьбой по дереву, многоцветными росписями с обилием золота (замок сёгуна Нидзё, дворец Фусими, ныне монастырь Нисихонгандзи; оба – нач. 17 в.). Создавались пышные торжественные храмы-усыпальницы, обильно украшенные резьбой, позолотой, росписями (мавзолей сёгунов Токугава в Никко, нач. 17 в.).

С 1639 г. при сёгунах Токугава европейским кораблям было запрещено входить в японские порты. Период самоизоляции Японии длился до 1854 г. В это время расцветает городская культура. Необычайно популярны были маленькие костяные или деревянные фигурки – нэцкэ. В японском костюме (кимоно) нет карманов, поэтому кошельки и маленькие сумочки носили у пояса. Через пояс продевали шнурок, на одном конце которого находился кошелёк, а на другом – противовес-нэцкэ. Внутри нэцкэ находилось отверстие, сквозь которое продевали шнурок. Во всех домах были цветные гравюры (укиё-э), выполненные в технике ксилографии. Знаменитыми авторами гравюр были Судзуки Харунобу и Китагава Утамаро, создававшие образы нежных женщин; Тёсусай Сяраку, изображавший актёров традиционного японского театра Кабуки; пейзажисты Кацусика Хокусай и Андо Хиросигэ.

Архитектура и изобразительное искусство 19 в. отмечены чертами эклектики, стремлением сблизить европейскую и национальную манеры. В 20 – нач. 21 в. японские мастера обращаются ко всему многообразному наследию европейского искусства; авангардные направления соседствуют с возрождением древних национальных традиций.

ЯРОШ?НКО Николай Александрович (1846, Полтава – 1898, Кисловодск), русский живописец и график; жанрист, портретист, пейзажист. Сын генерал-майора. Следуя семейной традиции, учился в Петровском полтавском кадетском корпусе, Михайловском артиллерийском училище и в Петербургской артиллерийской академии. Получив военное образование, служил на Петербургском патронном заводе. В 1892 г. вышел в отставку в чине генерал-майора, в должности профессора Военной академии. В 1876 г. вступил в Товарищество передвижных художественных выставок (ТПХВ); с 1879 г. – член правления. После смерти И. Н. Крамского (1882) стал фактическим руководителем ТПХВ. Неоднократно путешествовал по Украине, Кавказу, Волге, Уралу, а также по странам Западной Европы и Ближнему Востоку. С 1892 г. постоянно жил в Кисловодске.

Н. А. Ярошенко. «Кочегар». 1878 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва

Н. А. Ярошенко. «Всюду жизнь». 1888 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва

Военная карьера не помешала Ярошенко заниматься искусством. Ещё во время обучения он брал уроки живописи у А. М. Волкова, посещал Рисовальную школу Общества поощрения художеств, а также, в качестве вольнослушателя, – занятия в Петербургской академии художеств (1867—74). Ярошенко называли «совестью передвижничества». Его знаменитая картина «Кочегар» (1878) пробуждала у зрителей мысли о неоплатном долге перед народом. Фигура кочегара по-рембрандтовски выхвачена из тьмы светом огня топки. В его образе – и детская кротость, и неосознанная могучая сила. Как и многие представители интеллигенции того времени, Ярошенко был увлечён идеями Л. Н. Толстого. Под влиянием его рассказа «Чем люди живы» художник написал свою программную картину «Всюду жизнь» (1888), вначале названную им «Где любовь, там и Бог».

Художник создал также ряд портретов деятелей русской культуры (актрисы П. А. Стрепетовой, 1884; художников И. Н. Крамского, 1876; Н. Н. Ге, 1890; писателя Л. Н. Толстого, 1894) и портреты-типы («Заключённый», 1878; «Студент», 1881; «Курсистка», 1883).

В 1962 г. в Кисловодске был открыт художественный музей Н. А. Ярошенко.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.