И-Й

И-Й

ИВ?НОВ Александр Андреевич (1806, Санкт-Петербург, 1858, там же), выдающийся русский художник, мастер исторической живописи. Родился в семье профессора Петербургской академии художеств А. И. Иванова. Обучался в АХ у своего отца и А. Е. Егорова (1817—28). Уже в ученической картине «Приам, испрашивающий у Ахиллеса тело Гектора» (1824) Иванов выходит за рамки классицистического принципа «копирования образцов», добившись психологической убедительности характеров гомеровских героев. В 1827 г. за работу на библейский сюжет «Иосиф, толкующий сны заключённым с ним в темнице виночерпию и хлебодару» был удостоен Большой золотой медали. В 1829 г. за картину на сюжет из античной мифологии «Беллерофонт отправляется в поход против Химеры» получил право на поездку в Италию в качестве пенсионера Общества поощрения художеств.

А. А. Иванов. «Аполлон, Гиацинт и Кипарис, занимающиеся музыкой и пением». 1831—34 гг. Государственная Третьяковская галерея. Москва

В 1831—58 гг. Иванов жил в Риме. Наследие античности было творчески претворено художником в картине «Аполлон, Гиацинт и Кипарис, занимающиеся музыкой и пением» (1831—34). Романтическое представление о музыке как о проявлении высшего совершенства оказалось сродни античному образу «музыки сфер» – божественных звуков лиры Аполлона, которыми поддерживается гармония во Вселенной и в мире людей. За созданное в Италии полотно «Явление Христа Марии Магдалине» (1833—35) художник получил звание академика (1836). В Риме он сблизился с назарейцами, в особенности с И. Ф. Овербеком.

А. А. Иванов. «Явление Христа народу». 1837—57 гг. Государственная Третьяковская галерея. Москва

Главным делом жизни Иванова стало грандиозное (5,4 х 7,5 м) полотно «Явление Христа народу» (1837—57). Свыше 20 лет он самоотверженно трудился над картиной, которая была для него больше, чем просто живописным произведением. Художник воспринимал свою работу как служение на поприще нравственного возвышения и духовного очищения человечества. «В нём жила детская, ангельская, пытливая душа, настоящая душа пророка, жаждавшая истины и не боявшаяся мученичества», – писал об Иванове А. Н. Бенуа. Горячее участие в обсуждении замыслов художника принимал Н. В. Гоголь. Именно он предложил принятое название полотна (Иванов именовал его «Явление Мессии»). Писатель запечатлён в картине в образе «ближайшего ко Христу».

А. А. Иванов. «Ветка». Кон. 1840 – нач. 1850-х гг. Государственная Третьяковская галерея. Москва

Многолетняя напряжённая работа над картиной сопровождалась важными открытиями в области живописи. В сотнях набросков, этюдов и эскизов Иванов исследовал принципы взаимоотношений света, цвета и воздуха, вплотную подойдя к принципам пленэра. Работая над изображением обнажённой натуры при естественном, солнечном освещении, он открыл прозрачные голубые тени, мимолётность световых бликов, предвосхищая появление нового направления в искусстве – импрессионизма.

А. А. Иванов. «Вода и камни в Палаццуола». Нач. 1850-х гг. Государственная Третьяковская галерея. Москва

Сюжет картины взят из Евангелия от Иоанна: «Это происходило… при Иордане, где крестил Иоанн. На другой день видит Иоанн идущего к нему Иисуса и говорит: “Вот, Агнец Божий, Который берёт на Себя грех мира…”». Однако Иванов задумал свою картину не как религиозную, а как историческую, как «сюжет всемирный». Поэтому он «приводит» к р. Иордан стариков и молодёжь, правоверных иудеев – фарисеев и язычников, господ и рабов, римских всадников и легионеров, создав собирательный образ всего человечества, предстоящего перед Творцом, для которого «нет уже Иудея, ни язычника; нет раба, ни свободного; нет мужеского пола, ни женского…». Христос пришёл спасти всех.

А. А. Иванов. «Хождение по водам». Акварель. 1850-е гг. Государственная Третьяковская галерея. Москва

Многофигурная композиция в пейзаже, созданная Ивановым, концентрирует в едином пространстве проповедь Иоанна Крестителя, крещение им людей в водах Иордана и Богоявление, производящее переворот в человеческих душах. Пророчество прозвучало, и каждый делает свой духовный и нравственный выбор. В лицах собравшихся – вся гамма человеческих чувств. Застыли в приверженности старым верованиям спускающиеся с холма старики-фарисеи, их движение направлено вниз, от Христа. Разнообразие эмоциональных характеристик предельно сконцентрировано в группе четырёх будущих учеников Христа – апостолов, стоящих за Иоанном Крестителем: это евангелист Иоанн Богослов, Пётр, Андрей Первозванный и Нафанаил (Фома). Динамика активно нарастает от воплощённого в фигуре Нафанаила сомнения к восторженному порыву Иоанна Богослова и разрешается в жесте вскинутых рук Иоанна Крестителя, указывающих на Спасителя. Один из ключевых образов картины – раб, в душе которого пробуждается вера и надежда, на страшном лице впервые в жизни появляется робкая улыбка, а глаза наполняются слезами радости. Верёвка на его шее – не только одна из исторических реалий, но и символ духовного рабства, от которого приносит освобождение христианская вера.

На рубеже 1840—50-х гг. Иванов пережил острый мировоззренческий кризис, чему способствовали революционные события 1848 г., свидетелем которых он был, и в особенности книга Д. Штрауса «Жизнь Иисуса», направленная на развенчание божественной природы Христа. Движимый новым художественным замыслом, Иванов мечтал построить особое здание и расписать его сценами из Библии. «Библейские эскизы» (1850-е гг.) неосуществлённых фресок написаны акварелью на белой или коричневой бумаге. Светлые штрихи и пятна прозрачной краски на тёмном фоне создают во многих эскизах ощущение чуда, мистического озарения («Благовещение», «Тайная вечеря», «Хождение по водам» и др.).

Весной 1858 г. Иванов возвратился в Россию, чтобы показать публике картину «Явление Христа народу». Художник с волнением и трепетом ждал оценки своего многолетнего труда. Однако полотно было встречено холодно, появились отрицательные отзывы в прессе. В июне того же года художник умер от холеры. Его творческое наследие, не оценённое современниками, стало источником вдохновения для художников следующих поколений, и прежде всего – И. Н. Крамского, В. И. Сурикова и М. А. Врубеля; личность великого мастера и его судьба стали примером подвижнического служения искусству.

ИЗОБРАЗИ?ТЕЛЬНЫЕ ИСКУ?ССТВА, раздел пластических искусств, объединяющий живопись, скульптуру играфику, а также фотоискусство. В отличие от неизобразительных видов пластических искусств (архитектура, декоративно-прикладное искусство и дизайн), изобразительные искусства воссоздают реальный мир в наглядных, зримых, узнаваемых образах. Передавая качества предметов и пространства, доступные зрению (цвет, объём, световоздушную среду, размер, масштаб и т. д.), благодаря методам обобщения, типизации, а также своему воображению, художники и скульпторы способны раскрыть и то, что недоступно непосредственному чувственному восприятию: временн?е развитие событий; мысли, переживания, взаимоотношения людей; они могут также передать духовный облик эпохи, общественные идеи и своё отношение к изображаемому.

ИКОНОГР?ФИЯ (от греч. eik?? n – изображение, образ и gra? ph? – пишу), в изобразительном искусстве строго установленная система вариантов изображения какого-либо персонажа, события, сюжета, связанных, как правило, с религиозной тематикой. Иконографией называют и раздел искусствознания, изучающий символику и канонические сюжеты искусства. Под иконографией понимают также совокупность изображений какого-либо исторического лица (Петра I, В. И. Ленина и др.).

«Богоматерь Донская» («Умиление»). Кон. 14 – нач. 15 в. Сергиево-Посадский музей-заповедник

Ещё в древних цивилизациях существовали строгие предписания для художников, сложившиеся на основе религиозных представлений. В Византии и Древней Руси были созданы специальные руководства – своды иконописных подлинников, где содержались схемы изображения персонажей и событий Священной истории. Канонические (то есть единственно верные) правила изображения иконописных образов ограничивали фантазию художника лишь тем, что ему не дозволялось придумывать какие-либо дополнения и вариации, не соответствовавшие древнему церковному преданию. В рамках единого канона в разные эпохи и в разных областях создавались иконы, различные по цветовой гамме, линейному ритму и настроению. Это позволило историкам искусства выделить различные иконописные школы.

«Богоматерь Великая Панагия» («Ярославская Оранта»). Первая треть 13 в. Ярославль. Государственная Третьяковская галерея. Москва

Самые строгие и незыблемые правила иконографии касались главных персонажей Священной истории – Христа, Богоматери, ангелов и святых. Центральным образом иконописи и монументальной живописи был Спаситель (Спас). Христа могли изображать одного или в окружении святых (в каждой местности для таких икон выбирали особенно чтимых – «избранных» святых). Образ Спасителя писали в евангельских сценах, которые включали в праздничный ряд иконостаса. Его облик соответствовал христианским преданиям: Христос представал величавым, средних лет, с длинными волосами и небольшой бородой. В любом изображении Спасителя по сторонам от его головы присутствовали буквы, обозначавшие в сокращении имя Иисус Христос, а также расчерченный крестом нимб, напоминавший о жертве, принесённой за людей. Изображения Христа могли быть оглавными (только голова), оплечными (по плечи), поясными и в полный рост. Самым распространённым в византийской и русской иконописи и монументальной живописи был тип поясного изображения Спасителя с Евангелием в руке, который называли «Христос Пантократор» (греч. Вседержитель). Фрески или мозаики с образом Пантократора обычно помещали в куполе храма (фреска купола церкви Спаса на Ильине улице в Новгороде работы Феофана Грека, 1378). В полный рост Христа обычно писали сидящим на троне; такой иконографический тип называют «Спас на престоле» или «Спас в силах», когда он предстаёт Судиёй на Страшном суде в окружении ангелов – сил небесных. Правая рука Спасителя всегда приподнята в благословляющем жесте; сложение пальцев (перстосложение) также подчинялось строгим правилам. Было принято два варианта: в более раннем – пальцы обозначают инициалы Иисуса Христа (I, C, X), поэтому такое перстосложение называют именословным; во втором варианте три соединённых пальца обозначают Св. Троицу, два других символизируют Божественное и человеческое начала в Спасителе. Благословляющее перстосложение было также обязательным в образах священнослужителей – святителей и преподобных.

«Богоматерь Одигитрия». Кон. 14 – нач. 15 в. Новгород. Государственный исторический музей. Москва

Иконографический канон в изображениях Богоматери был не так строг, и богородичные образы отличались большим многоообразием. На Руси им давали проникновенные и возвышенные названия: Богоматерь «Всех скорбящих радость», «Утоли моя печали», «Умягчение злых сердец» и др. Каждый вариант отличался характерными, узнаваемыми чертами. На всех изображениях Богоматери писали в сокращении греческие слова «Матерь Божия». Как и образы Спаса, они могли быть оплечными, поясными и в полный рост. Один из древнейших иконографических типов – поясной образ «Богоматери Одигитрии» (греч. Путеводительница). Поддерживая сидящего на её руке Младенца Христа, Дева Мария указывает на него другой рукой; её благоговейный молитвенный жест являет путь к Тому, кто стал Спасителем человечества, то есть путь веры, путь спасения души. Образ Одигитрии считался в Византии одним из государственных символов, олицетворением священной роли царской власти. На Руси особенно полюбили иконографический тип «Умиление». Так, не очень точно, но проникновенно, перевели греческое название «Елеуса» («Милостивая»). Богоматерь и Младенец нежно приникли друг к другу, часто они соприкасаются щеками («Богоматерь Владимирская», 12 в.). В трогательном образе нежной ласки Матери и Сына заключены глубокие символы: трепетная вера в Бога Спасителя, скорбное и кроткое осознание его жертвенного пути и безграничная любовь к человечеству, за которое эта жертва приносится. Ещё один распространённый на Руси тип изображения – «Богоматерь Знамение». Богородица изображается по пояс или в полный рост с молитвенно воздетыми руками и с образом Mладенца Христа в медальоне на груди. Фигуру стоящей Богоматери Знамение называют также «Оранта» (греч. «Молящаяся»). Изображение Оранты часто помещали на стене апсиды храма (мозаика Софийского собора в Киеве, 11 в.). Собственно «Знамением» называют чаще всего поясной вариант.

А. И. Казанцев. «Царь Царем». 1690 г. Историко-художественный музей. Муром

В образах Св. Троицы языком живописи воплощается один из важнейших догматов православия – непостижимая тайна Божественного Триединства (Бог Отец, Бог Сын и Бог Дух Святой). В Ветхом завете повествуется о явлении Св. Троицы в облике трёх путников (ангелов) престарелой бездетной супружеской чете – Аврааму и Сарре, которые получили от них благую весть о скором рождении сына. Этот сюжет лёг в основу иконографического типа «Троица Ветхозаветная». Ещё в живописи раннехристианских катакомб и в ранневизантийских мозаиках появился сюжет «Явление трёх ангелов Аврааму»: композиция с равновеликими фигурами ангелов во фронтальных позах (этим зримо утверждалась идея единства трёх ликов Св. Троицы). В более позднее время чаще использовали композицию, в основе которой лежал треугольник (чем акцентировалась идея иерархии, соподчинения). Новым словом в осмыслении иконографии Троицы стала икона Андрея Рублёва (1420-е гг.). Отказавшись от изображения Авраама и Сарры, русский иконописец истолковал сюжет не исторически, а догматически, сделав его богословски законченным и цельным. Церковь признала изображение Рублёва каноническим, и иконописцы последующих эпох брали его за образец. В изображениях Св. Троицы запрещались указующие надписи и крестчатый нимб у Бога Сына (Иисуса Христа), так как эта икона – образ троичности единого, неразделимого Бога. Было запрещено писать Бога Отца, которого «не видел никто и никогда». Однако, вопреки запретам, его образ иногда встречается в иконографических типах «Отечество» и «Троица Новозаветная» (разрешалось писать Троицу Ветхозаветную, то есть описанное в Ветхом Завете явление Троицы в человеческом облике Аврааму и Сарре). В «Троице Новозаветной» образы наглядно персонифицировались: Бог Отец представал седобородым старцем, Бог Сын – отроком на коленях отца либо мужем средних лет с жертвенным крестом в руках, Святой Дух – белым голубем. Такая трактовка считалась неканонической и на протяжении веков подвергалась осуждению со стороны поборников догматической чистоты иконописных образов.

«Спас Нерукотворный». Вторая пол. 12 в. Новгород. Государственная Третьяковская галерея. Москва

Существовали также определённые правила в изображении одежд, фона, пейзажа – того, что в иконописи называют «доличным» (в то время как «личное» – это лики и открытые части тела). Одежду полагалось изображать плоскими яркими пятнами, повторяя изгибы тела лёгкими складками. По одежде можно было узнать святых царей, воинов, монахов (преподобных), священников (святителей), пророков, мучеников, блаженных. Элементы пейзажа на иконе называют горками – земля поднимается вверх небольшими ступенчатыми или волнистыми уступами, словно стремясь приблизиться к небу. Горки похожи на лестницы и символизируют молитвенное восхождение души, неразрывную связь земного и небесного миров. Если действие, запечатлённое на иконе, происходило в городе, на её фоне писали храмы, башни и дворцы-палаты. Со временем пейзажные фоны усложнялись, и на иконах 17 в. уже писали причудливые, сказочно прекрасные города, в которых словно парящие в воздухе постройки возвышались одна над другой. Иногда в верхней части икон изображали большое покрывало («велум»), переброшенное с одного здания на другое. Это означало, что действие происходит внутри дома или скрыто от посторонних глаз.

«Отечество с избранными святыми». 16 в. Новгород. Государственная Третьяковская галерея. Москва

Из сюжетных икон наиболее иконографически разработанным является цикл евангельских событий («Благовещение», «Рождество Христово», «Преображение», «Вход в Иерусалим», «Воскрешение Лазаря», «Распятие», «Воскресение» и др.), которые на Руси называли праздниками. Детально продуманная композиция подобных икон, символика цвета и линий призваны были не столько отразить события земного пути Спасителя, сколько напомнить о важнейших истинах христианского вероучения.

И?КОНОПИСЬ, искусство создания икон, вид религиозной живописи, для которой характерны особый художественный язык, техника и методы творчества. Иконопись является неотъемлемой частью православной традиции; иконописцы создают образы, предназначенные для молитвы, воплощающие представление о Божественном мире и выражающие религиозное чувство. Сложение принципов и правил иконописания происходило вместе со сложением богословских наук – догматики (научное изложение и обоснование догматов – основных положений – христианского вероучения) и литургики (теория христианского церковного богослужения). Догмат иконопочитания был принят на Седьмом Вселенском соборе (787) и окончательно утверждён в 843 г. в результате победы над иконоборчеством. Икона (от греч. eik??n – изображение, образ) – священный образ, в котором для верующего человека соединены видимое и невидимое, телесное и духовное, земное и небесное. Образы икон обращены к вечности, где уже совершилась победа добра над злом и света над мраком; поэтому язык иконописи – символы и знаки. Для этого искусства невозможен реалистический метод изображения. Собственно иконой является не только образ, написанный темперой или восковыми красками на доске, но и любое изображение, которому свойствен художественный язык иконописи: мозаика, фреска, вышивка, книжная миниатюра, рельефная резьба и т. д.

«Страшный суд». 16 в. Русский Север. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург

Иконы пришли на смену раннехристианским изображениям Христа (3–4 вв.), в которых он символически представал в образах агнца, Доброго Пастыря (пастуха). Иконопись выросла из позднеэллинистической живописи, из фаюмского портрета. Постепенно язык живописи становился всё условнее, изображение тяготело к плоскостности, телесная оболочка лишалась материальности, растворялась в свете. По христианскому преданию, первым иконописцем был св. евангелист и апостол Лука, создавший первообразные чудотворные иконы Богородицы; образ Богоматери Владимирской считался списком (копией) с одной из первых икон, написанных св. Лукой. Самые ранние из сохранившихся икон относятся к 5–6 вв.; они появились в странах Передней Азии, в том числе на Синайском полуострове. Крупнейшие школы иконописи сложились в Византии, среди коптов (христиан) Египта, в Эфиопии, южнославянских странах, Грузии. После разделения Римской империи на восточную и западную части стало различным и отношение к священным образам. Западноевропейские богословы отводили им роль лишь живописной иллюстрации к священным текстам, что привело к переходу от иконы к религиозной картине в эпоху Возрождения.

«Архангел Гавриил» («Ангел Златые власы»). Кон. 12 в. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург

На Руси иконопись начала развиваться с принятием христианства (988). Первым выдающимся иконописцем был преподобный Алипий, монах Киево-Печерского монастыря, живший на рубеже 11–12 вв. Высшего расцвета русская иконопись достигла в 14–15 вв. в творчестве Феофана Грека, Андрея Рублёва и Дионисия. Имена знаменитых иконописцев стали известны благодаря летописным источникам. Древнерусские художники никогда не подписывали свои произведения, осознавая себя лишь благоговейными посредниками в таинстве воплощения святых образов. Не случайно на многих иконах и книжных миниатюрах встречается изображение ангела, водящего рукой иконописца.

«Чудо от иконы “Знамение”» («Битва новгородцев с суздальцами»). 15 в. Историко-архитектурный музей-заповедник. Новгород

Неглубокое, без второго и дальних планов, пространство икон наполнено сиянием золотого света (символ Божественного света, Царствия Небесного, в котором нет теней). Божественный свет – в золотых фонах икон, в нимбах вокруг голов священных персонажей, в сверкающих золотых линиях-лучах (ассистах) на одеждах. Таким образом, людям явлен горний (высший, небесный) мир. Ближе всего к золотому по своему символическому значению белый, также обозначающий и цвет, и свет (символ праведности, чистоты, преображения). Этот цвет играет важную роль в очищающих душу пламенных образах Феофана Грека. Противопоставлен белому чёрный, в котором нет света; это цвет, наиболее удалённый от Бога, цвет зла и смерти (чёрным на иконах обозначали пещеры, олицетворяющие могилы и зияющую адскую бездну). В остальных случаях применения чёрного цвета избегали; даже контуры фигур обводили тёмно-красным или коричневым. Коричневым или тёмно-зелёным окрашивали полосу внизу иконы, символически обозначающую землю («позём»). Смешиваясь с царственным пурпуром (тёмно-красным цветом) в одеждах Богоматери, коричневый напоминал о её тленной (смертной) человеческой природе, в то время как пурпур свидетельствовал о величии Царицы Небесной. Пурпурный (багряный) цвет играл важнейшую роль в византийской культуре. Это символ высшей власти – Бога на небе, императора на земле. Зелёный цвет, природный, живой, – цвет Святого Духа, надежды, вечного цветения жизни. Красный – цвет тепла, жизненной энергии, Воскресения и в то же время – крови, страданий и жертвы Христа. В красных одеждах с крестами в руках писали мучеников. Красный и синий вместе означают земное и небесное, воплотившееся в образах Спасителя и Богоматери, поэтому их одежды пишут этими цветами.

«Богоматерь с Младенцем». Византийская фреска. 6 в. Монастырь Осиос Лукас в Фокиде. Греция

Лики на иконах изображаются фронтально; даже при воспроизведении обращённых друг к другу персонажей их фигуры и лики даются в трёхчетвертном развороте. В профиль изображаются только отрицательные персонажи (Иуда) либо второстепенные (слуги, люди из толпы и т. п.). В вечности, явленной на иконах, исчезают бытовые подробности, не существуют земное время и трёхмерное пространство. Все события – совершившиеся, грядущие и происходящие в данный момент – слиты воедино, у них нет начала и конца. В иконописных образах не выражаются человеческие бурные эмоции, они лишены психологизма (в этом их отличие от религиозных картин). Икона изображает не лицо человека, а очищенный от всего случайного и преходящего просветлённый лик святого, отрешённого от земных страстей и взирающего на мир людей широко открытыми, «душою исполненными» глазами.

«Прп. Иоанн Лествичник, св. Георгий и св. Власий». Вторая пол. 13 в. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург

По особым правилам строится иконописное пространство. В нём не применяется прямая перспектива; предметы видны со всех сторон, линии не убегают вдаль, к линии горизонта (которой на иконах нет), а сходятся к стоящему перед иконой, открывая перед человеком мир вечности и бесконечности. Так в иконописи создаётся т. н. обратная перспектива.

«Чудо Георгия о змие». 15 в. Государственная Третьяковская галерея. Москва

Символически отделяя иконное изображение от земного мира, в доске делают углубление (ковчег), затем наносят грунт (левкас), поверх которого пишут изображение, как правило, темперными красками (на Руси их замешивали на яичном желтке). В древнерусском искусстве живопись была представлена главным образом иконами и фресками. В 18 в. в результате петровских реформ начинает преобладать светская живопись, однако традиции иконописи сохранились до наших дней. Иконы продолжали писать на протяжении веков мастера старинных художественных центров (Палех, Мстёра, Холуй). Сегодня искусство иконописи возрождается вновь, создаются иконописные мастерские при храмах и монастырях.

ИКОНОСТ?С (от греч. eik??n – изображение, образ и st?sis – место стояния), в православном храме преграда в виде стены с расположенными в определённом порядке рядами икон, отделяющая алтарь от помещения для молящихся. Иконостас возник из алтарной преграды, которая существовала уже в раннехристианских постройках. Она представляла собой невысокую мраморную балюстраду в виде колонного портика, в центре которого находился проход в алтарь. В Византии существовал тип алтарной преграды, называемый темплоном; его украшали орнаментами и изображениями крестов, фигурами святых. Самые ранние из сохранившихся иконописных изображений, помещавшихся на темплоне, относятся к 11 в. С увеличением размера и числа икон темплон постепенно терял самостоятельное значение, становясь своего рода «подставкой» для живописных образов.

Царские врата. Иконостас Успенского собора. Троице-Сергиева лавра. Сергиев Посад

На Руси в домонгольский период были также распространены невысокие одноярусные алтарные преграды по типу византийских темплонов. На рубеже 14–15 вв. иконостас состоял уже из трёх рядов, в 16 в. к ним добавился четвёртый, в 17 в. – пятый. В кон. 17 в. были попытки увеличить число рядов до шести-семи, но это не стало системой. Классический русский высокий иконостас насчитывает пять рядов – т. н. «чинов». Иконостас как целостная композиция представляет собой проповедь христианского вероучения и спасительного пути в Царство Божие средствами живописи. Он скрывает от глаз верующих священные таинства, совершающиеся в алтаре, и в то же время обозначает незримое присутствие в пространстве храма изображённых на иконах Христа, Богоматери, святых. Ряды иконостаса выстраиваются подобно ступеням, рассказывая о духовном восхождении к горнему (высшему) миру.

Мастерская Троице-Сергиева монастыря. Иконы деисусного чина. 17 в.

Апостол Пётр

Архангел Михаил

Богоматерь

Нижний ряд иконостаса называют местным; там находятся иконы, посвящённые чтимым в данной местности святым или праздникам. В центре местного ряда располагаются царские врата, символизирующие вход в Рай; на их створках изображаются Благовещение и фигуры четырёх евангелистов (Луки, Марка, Иоанна и Матфея). Справа от царских врат в ряду икон обязательно расположен образ Спасителя, слева – Богоматери; это означает, что Христос и Царица Небесная встречают всех у входа в Рай. Икона, следующая за образом Спаса, изображает святого или событие, в честь которого назван храм; поэтому такой образ именуют храмовым (в Троицком соборе это икона Св. Троицы, в Никольском – св. Николая Чудотворца и т. д.). По сторонам от царских врат находятся меньшие по размеру двери, ведущие в расположенные в боковых апсидах дьяконник и жертвенник; на этих дверях обычно помещали фигуры архангелов или святых архидьяконов Стефана и Лаврентия.

Спас в силах

Мастерская Андрея Рублёва. Иконостас Троицкого собора. 1420-е гг. Троице-Сергиева лавра. Сергиев Посад

Следующий, самый главный и самый большой по размеру ряд иконостаса – Деисус (от греч. d??sis – моление). В центре Деисусного чина представлен Христос Судия, восседающий на троне в окружении небесных сил во время Страшного суда (иконографический тип «Спас в силах»). К нему в молитвенном поклоне обращены Богоматерь, Иоанн Предтеча, архангелы, апостолы и святые. Это молитва за весь род человеческий перед Спасителем мира. Икона «Спас в силах» – центральный образ не только иконостаса, но и всего храма.

Иоанн Предтеча

Архангел Гавриил

Апостол Павел

Третий, праздничный ряд состоит из икон двунадесятых праздников (12 главных церковных праздников), образов Страстной и Пасхальной недель. В ранних русских иконостасах праздничный чин располагался выше Деисуса, но со временем иконы этого ряда стали помещать под деисусным чином, что позволяло лучше рассмотреть священные сюжеты. Два верхних ряда – пророческий и праотеческий. В центре чина, представляющего ветхозаветных пророков, обычно помещали икону Богоматерь Знамение: к ней, олицетворяющей исполнение древних пророчеств, обращены те, кто предрёк людям явление Спасителя. Библейских пр?отцев называют также «отцами веры». В верхнем ряду иконостаса они поклоняются образу Троицы Ветхозаветной.

Схема пятиярусного иконостаса: 1 – царские врата; 2 – местный ряд; 3 – деисусный чин; 4 – праздничный чин; 5 – пророческий чин; 6 – праотеческий чин

Центральные иконы («средники») всех рядов иконостаса образуют символическую связь: за образом Троицы, дающей начало жизни (поэтому её называют также Живоначальной), следует напоминание о явлении Христа в земной мир (икона «Богоматерь Знамение»). Пожертвовав собой во искупление людских грехов, Христос будет в конце времён судить человечество во время Страшного суда (икона «Спас в силах»), а по окончании последнего суда праведники войдут во врата Царствия Небесного (царские врата). Иконостас всегда увенчан образом Голгофы – Крестом с распятым Спасителем. Иконостас может «прочитываться» как снизу вверх, так и сверху вниз. Ряды иконостаса снизу вверх олицетворяют путь духовного восхождения. В нижнем ряду повествуется о земной жизни и подвигах святых, выше изображены земной путь Христа, его жертва и грядущий Страшный суд; затем на Небесах древние пророки и пр?отцы встречают праведников. Если рассматривать иконостас сверху вниз, он становится образом духовной истории мира, истории земной Церкви – от ветхозаветных предков к настоящему времени, к ежедневно совершающейся церковной службе.

Пророческий чин. 16 в. Новгород

ИЛЛЮСТР?ЦИЯ (от лат. illustratio – освещение, наглядное изображение), изображение, сопровождающее и дополняющее текст (рисунок, фотография, репродукция, карта, схема и т. п.). В более узком смысле – разновидность графики; искусство оформления книги. Перед художником-иллюстратором стоит задача дополнить и обогатить изобразительными средствами содержание книги, показать то, что «нельзя выразить словами», с помощью линейного ритма, экспрессии штриха, соотношения пятен цвета. Некоторые художники избирают для иллюстрирования ключевые моменты повествования, другие создают эмоциональный «аккомпанемент» книги. Иллюстраторы не стремятся передать иллюзию объёмов и глубинное пространство, а, напротив, всеми средствами подчёркивают связь графического изображения с плоскостью листа, с начертанием шрифта. Книжная иллюстрация должна быть одновременно зримым образом и орнаментальным знаком.

А. А. Агин. Иллюстрации к «Мёртвым душам» Н. В. Гоголя. Акватинта. 1846 г.

В. Челак. Иллюстрация к сказочной повести П. Трэверс «Мэри Поппинс возвращается». 2006 г.

Л. Короев, Е. Лопатина. Иллюстрация к сказке Х. К. Андерсена «Снежная королева». 1990-е гг.

Самые ранние из дошедших до нас иллюстраций были в папирусах Древнего Египта («Книга мёртвых», ок. 1400 г. до н. э.). Миниатюрами украшали позднеантичные и средневековые манускрипты. Иллюстрации в рукописных книгах первоначально представляли собой лишь орнаменты, обрамляющие текст. Затем появились инициалы – богато украшенные заглавные буквы и миниатюры с изображением Христа, Богоматери, святых («Остромирово Евангелие», 1056–1057 г.). В 15 в. в Западной Европе иллюстрации выполнялись в технике гравюры на дереве (ксилографии), они вырезались на одной доске с текстом и печатались вместе с ним; после изобретения книгопечатания (1450) вырезались отдельно и помещались вместе с наборным шрифтом. Их отличает простота и обобщённость контуров, ритмически перекликающихся с рисунком шрифта (А. Дюрер, X. Хольбейн Младший в Германии, Лука Лейденский в Нидерландах, Ж. Дюве во Франции, Тициан в Италии и др.). Со второй пол. 16 в., когда появилась гравюра на металле, книжная иллюстрация стремилась к передаче пластического объёма фигур и предметов. В 17 в. графические работы выполняли на отдельном листе и вклеивали в текст. Особую популярность искусство иллюстрации приобрело в 18 в., когда распространилась резцовая гравюра на металле. Под стиль иллюстраций подбирался шрифт, эффектные декоративные виньетки и концовки (Ю. Гравло, Ш. Эйзен, Ж. М. Моро Младший и др.). Особой цельностью отличались издания, где автор был одновременно и иллюстратором (английский поэт и художник У. Блейк). В нач. 19 в. иллюстрация переживает новый подъём в связи с изобретением торцовой гравюры (Г. Доре). Для графических работ английских мастеров рубежа 19–20 вв. У. Морриса и О. Бёрдсли характерны утончённые приёмы стилизации, умение передать «дух» книги. Замечательными мастерами оформления книги были русские художники из объединения «Мир искусства», которые считали своей задачей не иллюстрировать текст, а создать «единый книжный организм» (иллюстрации А. Н. Бенуа к «Медному всаднику» А. С. Пушкина, М. В. Добужинского к «Белым ночам» Ф. М. Достоевского, И. Я. Билибина к русским народным сказкам и др.), а также В. А. Фаворский (иллюстрации к «Слову о полку Игореве» и др.).

ИМПРЕССИОНИ?ЗМ (франц. impressionnisme, от impression – впечатление), направление в искусстве кон. 1860 – нач. 1880-х гг. Наиболее ярко проявился в живописи. Ведущие представители: К. Моне, О. Ренуар, К. Писсарро, А. Гийомен, Б. Моризо, М. Кассат, А. Сислей, Г. Кайботт и Ж. Ф. Базиль. Вместе с ними выставляли свои картины Э. Мане и Э. Дега, хотя стиль их произведений нельзя назвать полностью импрессионистическим. Название «импрессионисты» закрепилось за группой молодых художников после их первой совместной выставки в Париже (1874; Моне, Ренуар, Писарро, Дега, Сислей и др.), которая вызвала яростное возмущение публики и критиков. Одна из представленных картин К. Моне (1872) называлась «Впечатление. Восход солнца» («L’impression. Soleil levant»), и рецензент в насмешку назвал художников «импрессионистами» – «впечатленцами». Живописцы выступили под этим названием на третьей совместной выставке (1877). Тогда же они начали выпускать журнал «Импрессионист», каждый номер которого был посвящён творчеству одного из участников группы.

К. Моне. «Впечатление. Восход солнца». 1872 г. Музей Мармоттан. Париж

Импрессионисты стремились запечатлеть окружающий мир в его постоянной изменчивости, текучести, непредвзято выразить свои непосредственные впечатления. Импрессионизм основывался на последних открытиях оптики и теории цвета (спектральное разложение солнечного луча на семь цветов радуги); в этом он созвучен духу научного анализа, характерному для кон. 19 в. Однако сами импрессионисты не пытались определить теоретические основы своего искусства, настаивая на стихийности, интуитивности творчества художника. Художественные принципы импрессионистов не были едиными. Моне писал пейзажи только в непосредственном контакте с природой, на открытом воздухе (на пленэре) и даже построил мастерскую в лодке. Дега работал в мастерской по воспоминаниям или используя фотографии. В отличие от представителей более поздних радикальных течений, художники не выходили за рамки ренессансной иллюзорно-пространственной системы, основанной на применении прямой перспективы. Они твёрдо придерживались метода работы с натуры, который был возведён ими в главный принцип творчества. Художники стремились «писать то, что видишь» и «так, как видишь». Последовательное применение этого метода повлекло за собой преобразование всех основ сложившейся живописной системы: колорита, композиции, пространственного построения. Чистые краски наносились на холст мелкими раздельными мазками: разноцветные «точки» лежали рядом, смешиваясь в красочное зрелище не на палитре и не на полотне, а в глазу зрителя. Импрессионисты достигли небывалой звучности колорита, невиданного богатства оттенков. Мазок стал самостоятельным средством выразительности, наполняя поверхность картины живой мерцающей вибрацией цветовых частиц. Полотно уподоблялось переливающейся драгоценными цветами мозаике. В прежней живописи преобладали чёрные, серые, коричневые оттенки; в полотнах импрессионистов краски ярко засияли. Импрессионисты не применяли светотень для передачи объёмов, они отказались от тёмных теней, тени в их картинах также стали цветными. Художники широко применяли дополнительные тона (красные и зелёные, жёлтые и фиолетовые), контраст которых повышал интенсивность звучания цвета. В картинах Моне краски высветлялись и растворялись в сиянии лучей солнечного света, локальные цвета обретали множество оттенков.

Г. Кайботт. «Паркетчики». 1875 г. Музей д’Орсэ. Париж

Импрессионисты изображали окружающий мир в вечном движении, переходе из одного состояния в другое. Они стали писать серии картин, желая показать, как один и тот же мотив меняется в зависимости от времени дня, освещения, состояния погоды и т. д. (циклы «Бульвар Монмартр» К. Писсарро, 1897; «Руанский собор», 1893—95, и «Лондонский парламент», 1903—04, К. Моне). Художники нашли способы отразить в картинах движение облаков (А. Сислей. «Луан в Сен-Мамме», 1882), игру бликов солнечного света (О. Ренуар. «Качели», 1876), порывы ветра (К. Моне. «Терраса в Сент-Адресс», 1866), струи дождя (Г. Кайботт. «Иер. Эффект дождя», 1875), падающий снег (К. Писсарро. «Оперный проезд. Эффект снега», 1898), стремительный бег лошадей (Э. Мане. «Скачки в Лоншане», 1865).

Б. Моризо. «Женщина за туалетом». Ок. 1875 г. Художественный институт. Чикаго

Импрессионисты разработали новые принципы построения композиции. Раньше пространство картины уподоблялось сценической площадке, теперь запечатлённые сцены напоминали моментальный снимок, фотокадр. Изобретённая в 19 в. фотография оказала значительное влияние на композицию импрессионистической картины, особенно в творчестве Э. Дега, который сам был страстным фотографом и, по его собственным словам, стремился застать изображаемых им балерин врасплох, увидеть их «словно сквозь замочную скважину», когда их позы, линии тела естественны, выразительны и достоверны. Создание картин на открытом воздухе, стремление запечатлеть быстро меняющееся освещение заставило художников ускорить работу, писать «alla prima» (в один приём), без предварительных набросков. Фрагментарность, «случайность» композиции и динамичная живописная манера создавали ощущение особенной свежести в картинах импрессионистов.

О. Ренуар. «Завтрак лодочников». 1881 г. Мемориальная галерея Филлипса. Вашингтон

Любимым импрессионистическим жанром был пейзаж; портрет также представлял собой своего рода «пейзаж лица» (О. Ренуар. «Портрет актрисы Ж. Самари», 1877). Кроме того, художники существенно расширили круг сюжетов живописи, обратившись к темам, раньше считавшимся недостойными внимания: народным гуляниям, скачкам, пикникам артистической богемы, закулисной жизни театров и т. д. Однако в их картинах нет развёрнутого сюжета, подробного повествования; жизнь человека растворена в природе или в атмосфере города. Импрессионисты писали не события, а настроения, оттенки чувств. Художники принципиально отвергали исторические и литературные темы, избегали изображать драматические, тёмные стороны жизни (войны, бедствия и т. п.). Они стремились освободить искусство от выполнения социальных, политических и нравственных задач, от обязанности давать оценку изображённым явлениям. Художники воспевали красоту мира, умея превратить самый будничный мотив (ремонт комнаты, серый лондонский туман, дым паровозов и т. д.) в феерическое зрелище (Г. Кайботт. «Паркетчики», 1875; К. Моне. «Вокзал Сен-Лазар», 1877).

К. Писсарро. «Оперный проезд. Эффект снега». 1898 г. Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. Москва

В 1886 г. состоялась последняя выставка импрессионистов (в ней не участвовали О. Ренуар и К. Моне). К этому времени обнаружились существенные разногласия между членами группы. Возможности метода импрессионизма были исчерпаны, и каждый из художников стал искать свой собственный путь в искусстве.

Импрессионизм как целостный творческий метод был явлением преимущественно французского искусства, однако творчество импрессионистов оказало воздействие на всю европейскую живопись. Стремление к обновлению художественного языка, высветление красочной палитры, обнажение живописных приёмов отныне прочно вошли в арсенал художников. В других странах близки к импрессионизму были Дж. Уистлер (Англия и США), М. Либерман, Л. Коринт (Германия), Х. Соролья (Испания). Влияние импрессионизма испытали многие русские художники (В. А. Серов, К. А. Коровин, И. Э. Грабарь и др.).

Помимо живописи, импрессионизм воплотился в творчестве некоторых скульпторов (Э. Дега и О. Роден во Франции, М. Россо в Италии, П. П. Трубецкой в России) в живой свободной моделировке текучих мягких форм, которая создаёт сложную игру света на поверхности материала и ощущение незавершённости произведения; в позах схвачен момент движения, развития. В музыке близость к импрессионизму обнаруживают произведения К. Дебюсси («Паруса», «Туманы», «Отражения в воде» и др.).

ИНДИ?ЙСКАЯ КУЛЬТУ?РА, см. Древней Индии культура.

И?НКОВ КУЛЬТУ?РА (исп. inca), культура рабовладельческого государства, основанного в 1438 г. группой индейских племён языковой группы кечуа и занимавшего территорию современного Перу, Боливии, Эквадора, северную часть Чили и северо-западную – Аргентины. Инки, создавшие одну из древнейших цивилизаций Южной Америки, называли своё государство Тауантинсуйу (Четыре соединённых стороны света), а столицу – Куско (Пуп земли). Правящая династия инков, впоследствии подчинившая себе окрестные племена, была основана ок. 1200 г. легендарным вождём Манко Капаком. Во главе империи стоял верховный правитель Сапа-Инка (Единственный Инка), которого именовали «Сын Солнца». Сапу-Инку обожествляли ещё при жизни, его власть не была связана никакими законами. Области империи связывала развитая система дорог. Инки создавали мосты и оросительные системы. Они обладали высоким уровнем знаний в области агрономии, инженерии, астрономии и медицины. Искусные гончары, ткачи и ювелиры считались общественными служащими и находились на содержании правителя. Самые искусные произведения использовались для священных церемоний и нужд правителя, щедро раздававшего подарки отличившимся подданным.

Традиционный костюм инков

Статуэтка бога Солнца. Золото. 13–15 вв.

Статуэтка богини Луны. Золото. 13–15 вв.

Руины крепости Мачу-Пикчу. 15 в.

Верховным божеством инкского пантеона был бог Солнца Инти, которому посвящено большинство храмов. Для архитектуры инков характерны мощь и монументальность; здания складывались из огромных отшлифованных камней, которые скреплялись шипами, выступами или медными скобами. Стены всех построек были немного наклонены внутрь, к центру: вероятно, учитывалась возможность землетрясений. Башни имели вид усечённого конуса, храмы – усечённой пирамиды. Каменной скульптуры у инков практически не было, архитектурный декор отличался простотой. По всей стране возводились неприступные крепости. Знаменитая крепость Мачу-Пикчу (15 в.) была построена в горах на высоте 2450 м. До сих пор не установлено, каким образом инкам, не знавшим колёсных повозок и цемента, удавалось доставлять на огромную высоту каменные глыбы, шлифовать и подгонять их друг к другу практически без зазоров. Высочайшим мастерством славились ремесленники, умевшие плавить металл и изготавливавшие великолепные произведения искусства из олова, свинца, меди, бронзы, золота и платины. Использовались также драгоценные и полудрагоценные камни (изумруды, бирюза, горный хрусталь, кораллы и др.), различные сорта глины, хлопок, тростник, камыш, красящие растения, шерсть, шкуры и мех животных, звериные кости и клыки, раковины и даже человеческие волосы, из которых ткали тончайшие ткани. Из этих материалов изготавливались украшения, одежда, оружие, музыкальные инструменты, корзины, лодки-каноэ, изящные статуэтки и посуда. Для керамики инков были типичными большие сосуды с узкой горловиной, напоминавшие греческие амфоры.

Созданная инками богатая культура была разрушена испанскими завоевателями-конкистадорами (1532—36). Ювелирные изделия стали для них предметом добычи, большинство из них было переплавлено в золотые слитки.

ИНСТАЛЛЯ?ЦИЯ в искусстве (англ. installation – установка), термин для обозначения произведений авангардного искусства, представляющих собой ассамбляж или конструкцию, которая может состоять из нескольких частей и рассчитана на размещение в определённом интерьере. В инсталляциях обыгрываются контрасты фактур и функций предметов, падающие тени и отражения и т. д. Конструкция инсталляции активно вовлекает зрителя внутрь, а также может использовать воздействие на слух и обоняние (в неё включаются звонки, колокольчики, используются ароматические вещества и т. д.). Таким образом, восприятие инсталляции требует более активного зрительского участия. Создателем инсталляции считают французского художника М. Дюшана. Инсталляции активно используются в таких направлениях постмодернизма, как поп-арт, новый реализм, минимализм, концептуальное искусство.

ИНТ?ЛИЯ, см. в ст.Гемма.

ИНТЕРЬ?Р (от франц. interieur – внутренний), один из жанров живописи и графики, изображение внутреннего пространства здания или комнаты; а также произведение, созданное в этом жанре. Истоки жанра интерьера уходят в искусство эпохи Возрождения. В творчестве ренессансных мастеров евангельские и библейские сцены часто разворачивались в помещениях, которые живописцы изображали по правилам прямой перспективы, тщательно и любовно передавая предметы обстановки, несущие в себе символический смысл (Антонелло да Мессина. «Святой Иероним в келье»; Р. Кампен. «Св. Варвара» и «Св. Иосиф»; Я. ван Эйк. «Чета Арнольфини», 1434).

П. Янсенс Элинга. «Комната в голландском доме». 1660-е гг. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург

Данный текст является ознакомительным фрагментом.