Г

Г

ГАЛАНТНЫЙ СТИЛЬ (франц. galant – учтивый, изысканный)

Очень часто в истории искусств появлялись школы, стили и направления как бы в противовес уже существовавшим. Так произошло и с новым стилем европейской музыки, получившим широкое распространение в начале и середине XVIII века. Его сторонники выступили прежде всего против строгой регламентированности классицизма и полагали, что музыка должна выражать деликатно-нежные, изысканные чувства, приятные эмоции. Подобные требования обусловили изменение проблематики музыкальных произведений. В них чаще затрагивались любовные сюжеты, а социальные темы проходили лишь намеками. Изменились и жанровые формы: возродилась античная пастораль, правда, уже не в виде пастушеской песни, а в форме буколической поэзии, где те же мотивы стали средством выражения изысканных и утонченных, а не реальных чувств. По аналогии с господствовавшим в то время направлением изобразительного искусства галантный стиль часто именуется стилем рококо.

Значение галантного стиля существенно, поскольку это был один из путей поиска средств для выражения психологии человека, перехода от классицизма к романтизму. Вот почему многие представители галантного стиля, отразив в своем творчестве существенные его признаки, были в действительности художниками широких взглядов и стихийно преодолели некоторую ограниченность и условность галантного стиля. В их числе – французские композиторы Ф. Куперен и Ж. Ф. Рамо, немцы Р. Кейзер и Г. Ф. Телеман, итальянцы Д. Скарлатти и Дж. Перголези.

ГАЛЕРЕЯ (итал. galleria, франц. galerie)

Так первоначально обозначалось длинное крытое светлое помещение, в котором одну из продольных стен заменяют колонны, столбы или балюстрада, длинный балкон. Подобный удлиненный зал со сплошным рядом больших окон в одной из продольных стен стал использоваться для хранения собраний произведений живописи, значительных по составу и количеству выставленных для обозрения памятников. Практически галерея стала синонимом музея, только функциональное назначение ее более широкое. Так, это прежде всего художественный музей, преимущественно собрание картин (национальные галереи). Кроме того, галереями назывались частные собрания. В России это прежде всего Третьяковская галерея, собрание известного мецената П. М. Третьякова (1832–1898). Подобные галереи являются не только собраниями, но и местом для организации хранения картин с целью их дальнейшей продажи. Особенно они распространены в Париже.

ГАЛЬВАНОПЛАСТИКА (от имени итальянского физика Гальвани в сочетании с греческим словом plastike – ваяние)

Для изготовления металлических копий с оригинальной гравированной доски требовалась особая техника. Первый способ заключался в воздействии электрического тока на водный раствор специальных солей. Второй заключался в нанесении способом электролиза тончайшего слоя стали, хрома, никеля на поверхность доски с гравированным изображением для предохранения ее от изнашивания при печатании.

ГАММА ЦВЕТОВАЯ

В художественном произведении все изобразительные элементы взаимосвязаны, и одним из таких средств является колорит, связь цветовых элементов, а его внешнее проявление – гамма, цветовое решение произведения. Как правило, этот термин сопровождается обычными для цвета определениями: так, гамму красочную (цветовую) называют теплой, горячей, холодной, яркой, блеклой, светлой и т. д. Существует определенная оптическая закономерность, согласно которой при создании произведения доминирует один цвет, а все остальные оттенки гармонически взаимосвязываются с ним.

ГАРМОНИЯ (греч. harmonia – стройность, соразмерность, связь) – одно из важнейших выразительных средств музыки, как и другие выразительные средства – мелодия, ритм, тембр и другие. Даже в бытовом употреблении мы встречаемся с этим понятием достаточно часто, когда говорим о согласованности, слаженности движений, например, спортсменов или актеров. В музыке этот прием основан на объединении звуков в созвучия и на взаимосвязи этих созвучий между собой в последовательном движении. Часто под гармонией подразумевают согласованное действие голоса и аккомпанирующего ему инструмента.

Однако понятие «гармония» гораздо шире: как средство выразительности она присутствует в многоголосной музыке любого склада. Даже если отдельные голоса не складываются в ясно очерченные аккордовые комплексы, законы гармонии непременно отражаются на движении и взаимосвязи голосов.

Истоки гармонии кроются в народной музыке. Именно пение без сопровождения требовало особой согласованности от поющих. Однако само понятие и его содержание менялись со временем. Поэтому часто говорят о различных гармонических стилях: классическая гармония, современная гармония, джазовая гармония.

Гармонией также называют учебную дисциплину, изучаемую в музыкальных училищах, консерваториях и рассматривающую законы построения, взаимосвязи аккордов, возможности переходов в другие тональности (модуляция). Учебники гармонии написаны П. И. Чайковским, Н. А. Римским-Корсаковым, А. С. Аренским; распространены также учебники Ю. Н. Тюлина и Н. Г. Привано, группы московских авторов (И. И. Дубовский, С. В. Евсеев, В. В. Соколов, И. В. Способин, В. О. Беркова и др.).

ГЕММА (лат. gemma – драгоценный камень, печать) – изображение, вырезанное на пластинке из драгоценного или полудрагоценного камня. Оно может быть как врезано внутрь (тогда оно называется инталией), так и быть выпуклым (это камея). Раньше геммы служили печатями, ставились на документах, письмах как удостоверение личности владельца. В дальнейшем использовались в основном для украшений как брошки, перстни.

Данное искусство возникло на рубеже IV–V вв. до н. э. в Древней Греции. Наряду с использованием одноцветных камней греческие мастера работали и с многоцветными материалами. Наиболее интересны произведения резчика по камню Дексамена. Именно он впервые использовал камни со слоистой структурой, благодаря чему смог получать изображение одного цвета, а фон – другого.

Геммы использовались в качестве элементов ювелирных украшений, например браслетов, серег и перстней, а также и печатей, которые были широко распространены в Древней Греции. Их популярность была обусловлена верой в магические свойства драгоценных камней. Греки хорошо знали камни, каждый наделялся своими способностями и отвечал характеру своего владельца. Чаще всего использовался халцедон, а с IV века и другие драгоценные камни – берилл, хризопраз. Римляне достигли наивысшего мастерства в изготовлении камей из горного хрусталя и агата.

Новым стимулом к развитию глиптики послужило изготовление христианских эмблем – голубя, рыбы, якоря, креста. С тех пор за геммами закрепилось их многофункциональное назначение – как для печатей, так и в качестве амулетов.

Собирание античных гемм является одним из древнейших видов коллекционирования. Оно началось еще в эпоху Возрождения и сразу же приобрело широкое распространение. Например, собрание гемм, принадлежавшее Лоренцо Медичи, насчитывало десятки тысяч экземпляров. Собирание гемм продолжалось и в последующие эпохи. Так, большими коллекциями резных камней обладали Жан-Жак Руссо и Иоганн Вольфганг Гёте. Примечательно, что коллекции Гёте даже использовались в качестве наглядных пособий по истории античного искусства.

В настоящее время собрания гемм имеются во всех крупнейших музеях мира. Одно из наиболее интересных находится в Государственном Эрмитаже. Вместе с коллекциями других музеев России оно образует уникальный комплекс памятников античного искусства.

ГЕОМЕТРИЧЕСКИЙ ОРНАМЕНТ (стиль)

Можно сказать, что с геометрическим стилем связана целая эпоха в истории развития искусства Древней Греции – период с XI по VIII век до н. э. По этому способу художественного украшения керамики, металлических изделий и статуэток узнавали изделия, изготовленные в это время. Наиболее ярко геометрический стиль проявился в вазописи, в мелкой пластике, а также в глиптике и декоративно-прикладном искусстве (посуде, оружии).

Геометрический орнамент представлял собою сочетание геометрических элементов, на вазах он располагался полосами и складывался из меандров, крестов, окружностей. Только на «дипилонских вазах» (названных по месту находки – Дипилонскому некрополю в Афинах) появляются геометризированные изображения человеческой фигуры. Именно в конце бытования геометрического стиля, в VIII веке до н. э., наряду с богатой орнаментацией появляются первые изображения животных и людей, а также бытовых сцен – похоронных процессий, картин битв, морских походов. Сюжетами становятся и мифы.

ГЕРАЛЬДИКА (средневек. лат. heraldus – глашатай) – в настоящее время это вспомогательная историческая наука, изучающая гербы. Разновидностью ее считается земельная геральдика.

Для понимания роли гербов в истории культуры следует заметить, что герб – исторически сложившийся символ, истоки которого связаны с тотемизмом. Уже в раннем средневековье в западноевропейской культуре складывается четкая система, по которой составляли различные гербы. Этим занимались специальные люди – герольды. Они разработали свод правил, составивших основы особой дисциплины – геральдики.

Особое значение гербы-символы получили во время крестовых походов XI–XII веков как индивидуальные определительные знаки. Позже такой герб удостоверял личность и происхождение рыцаря.

ГИМН (греч. hymnos – хвалебная песнь) – торжественная песнь. Роль гимнов в Древней Греции была достаточно велика: это было культовое пение или особая форма песни; известны эпические гимны Гомера, встречались гимны как составные части аттической драмы классического времени. Не все они сохранились до нашего времени, но назначение гимнов осталось. В средневековье они образовывали обширный, почти необозримый жанр религиозной лирики, только вместо славы богам теперь пели славу святым. В византийской церкви (как и в восточных национальных церквях) гимны считались отголоском небесного пения ангелов. Обычно гимны исполнялись без сопровождения.

В настоящее время гимны различаются в зависимости от их назначения: существуют гимны революционные, государственные, военные и другие. Государственные гимны начали появляться начиная с XVI века. Первой страной, учредившей государственный гимн, стала Голландия, освободившаяся от испанского владычества. Позже, в XVIII веке, гимны появились в Австро-Венгрии, Великобритании, Дании, Пруссии и других странах. Мелодиями гимнов обычно становились наиболее популярные песни маршевого характера. За основу гимна Австро-Венгрии была взята тема из струнного квартета Й. Гайдна.

Интересна судьба гимна в России. В начале XIX века им служил знаменитый полонез с хором О. Козловского на слова Г. Державина «Гром победы, раздавайся!» В 1833 году А. Львов написал новый русский национальный гимн «Боже, царя храни». До 1944 года Государственным гимном СССР был международный пролетарский гимн «Интернационал» (слова Э. Потье, музыка П. Дегейтера). 1 января 1944 года по радио впервые прозвучал новый гимн, музыка которого была написана А. Александровым, а слова – С. Михалковым и Г. Эль-Регистаном. В 1991 году был принят новый гимн России – «Патриотическая песня» М. И. Глинки в инструментовке Р. К. Щедрина.

Возвышенная торжественность гимна обусловила его широкую популярность и в настоящее время: гимном из Девятой симфонии Бетховена «Обнимитесь, миллионы!» сопровождаются телевизионные международные мосты, известны студенческие гимны (например, знаменитый «Гаудеамус»).

Музыка гимнового характера входит также в состав крупных произведений, обычно в виде торжественного заключения (финальный хор «Славься» из оперы «Иван Сусанин»).

ГИТАРА

Сохранившийся и сегодня интерес к гитаре как к сольному и особенно аккомпанирующему инструменту обусловлен рядом причин. Прежде всего отметим, что она прекрасно звучит и с голосом, и с органом, с хором и с духовыми инструментами, становясь органическим дополнением и к сюитам И. Баха, и к романсу, и к джазовой импровизации, и к рок-песням. На ней сравнительно легко научиться играть (по сравнению с другими струнными щипковыми инструментами), поэтому начинать музыкальную подготовку можно практически в любом возрасте. Многие известные композиторы – Л. Боккерини, Ф. Шуберт, К. М. Вебер, Н. Паганини – превосходно играя на гитаре, охотно сочиняли для нее.

Все эти свойства обусловили широкое распространение гитары в разных странах. Одними из первых (в XIII веке) ее освоили испанцы. Здесь получила распространение шестиструнная гитара. Стиль игры на ней и получил название испанского. Он необычайно эмоционален и вместе с тем лиричен, требует от исполнителя виртуозного мастерства и максимального самовыражения. Такова игра исполнителя в стиле фламенко Пако де Лусия.

Крупнейшим гитаристом современности был Андре Сеговия. Для него писали музыку многие композиторы Западной Европы и Латинской Америки. У истоков русской гитарной школы стояли А. Сихра (1773–1850) и М. Высоцкий (ок. 1791–1837). Их традиции продолжили А. Иванов-Крамской и Л. Андронов. Русская гитара-семиструнка появилась в XVIII в., а в XIX в. стала одним из самых распространенных инструментов городского музыкального быта, поскольку она наиболее удобна для вокального аккомпанемента.

Вообще существует несколько разновидностей гитары. Кроме названной выше русской семиструнной (большой), есть и южноевропейская шестиструнная гитара, получившая распространение главным образом в Испании и Италии. Сегодня появились модернизированные разновидности инструмента: гавайская (с шестью металлическими струнами), оркестровая (или джазовая) и электрогитара. Общая конструкция их, однако, одинакова: плоский деревянный корпус инструмента снабжен длинным грифом, над которым натянуты струны. Все эти типы гитары различаются прежде всего своим предназначением – для пения (солирования) или для аккомпанемента.

ГИПЕРРЕАЛИЗМ

Одним из проявлений поиска новых форм в абстракционизме можно считать гиперреализм, или фотореализм, сформировавшийся как движение в США на рубеже 60–70-х годов и распространившийся на несколько лет и в других странах. Главным для художников стало изображение современной реальности, как можно более точное воспроизведение в картинах современного города – его улиц, витрин, рекламы, сверкающих лаком автомобилей (Р. Эстес, Р. Битчл). Подобным же образом с достоверностью физиономической макрофотографии запечатлеваются и обитатели этого мира (Ч. Клоуз «Портрет Р. Серра»).

Такая фиксация предметного мира не требовала подготовительных рисунков, практически творческая индивидуальность стиралась, все картины становились похожими одна на другую, и все были достаточно натуралистичны. Не случайно, что данный стиль стал средством выражения политического кредо отдельных художников как одно из средств фотодокументального искусства (к числу немецких сторонников гиперреализма относится, например, Ю. Валлер, композиция «Венсеремос»).

ГЛИНА

Глина сыграла огромную роль в истории развития цивилизации. Она встречается повсеместно как исходный материал для изготовления грубых керамических изделий, работа с нею не требует специальной подготовки. Поэтому человек с древнейших времен использовал глину для изготовления самых различных бытовых изделий. Однако наряду с практическим предназначением глины вскоре ее стали использовать и для изготовления изделий более высокого качества. Такие предметы уже служили предметом украшения жилищ.

Для изготовления керамических изделий повышенного качества глину предварительно размельчали, просеивали, а затем размачивали в специальных емкостях. Иногда смешивали глину разных сортов, добавляли песок, а в качестве красителей применяли, например, красный глинистый железняк.

Глиняные изделия были самой разной формы.

ГЛИПТИКА (франц. glyptique от греч. glypho – вырезаю) – известное с глубокой древности искусство резьбы на твердых и ценных породах камня. Важнейшие виды – геммы и камеи. Кроме того, к глиптике относится изготовление художественно украшенных металлических колец и печатей из слоновой кости и камня.

Первыми произведениями подобного рода стали преимущественно цилиндрические печати-инталии, изготовленные в Месопотамии примерно в четвертом тысячелетии до н. э. На небольшом пространстве изображались целые сценки, в основном на мифологические сюжеты.

Печати Египта обычно имели форму священного жука-скарабея, изготавливались из камня и фаянса, на нижней стороне печати вырезались иероглифические тексты или изображения мифологических персонажей.

Стилизованные изображения будут характерны и в дальнейшем, особенно с развитием геометрического стиля. Одновременно начинается процесс взаимовлияний: в частности, на изготовлении камней сказывается восточное влияние. Скарабеи нередко просверливали и носили как кулоны; вставленные в оправу, они становились кольцами или амулетами. Совершенствование формы продолжалось и в дальнейшем, прежде всего у этрусков.

Изящество и утонченность формы характерны для Древней Греции, тогда же научились с большей точностью использовать свойства камня, например, такое его качество, как прозрачность. Не случайно, что в эллинистический период одним из широко использовавшихся камней становится сардоникс. Искусство резчиков проявилось в расширении предметов изображения, что послужило основой для создания портретной глиптики (камея «Гонзага» с изображением царя Птоломея и его жены, III век до н. э.). Высшим достижением греческого искусства является творчество Дексамена Хиосского.

Римские мастера начали обрабатывать камни большей яркости и твердости (аметисты, гранаты, изумруды). Поражает богатство форм (выпуклые и плоские камни), разнообразие используемого материала, а также сюжетов (воссоздавались образцы прошлого, вырезались портретные геммы и многофигурные камеи с мифологическими и аллегорическими сюжетами). Мастерство древних мастеров поражает: ведь неизвестно, имелись ли тогда лупы.

Искусство глиптики сохранилось и в последующие века, прежде всего на востоке, где следовали античным традициям, создавая плоские изящные формы со схематическими рисунками и надписями. Таковы геммы-инталии. Резные надписи украшают печати и средневекового Китая.

В Европе новую жизнь в искусство глиптики вдохнули итальянские мастера периода Возрождения: они создают профильные и трехчертные портреты современников (мастера В. Белли, Дж. Бернарди, Якопо ди Треццо). Однако изящество и простота форм позднее уступают место декоративности и вычурности формы (мастера Маснаго). В период классицизма возвращаются античные традиции, со склонностью к четкости и непритязательности форм, регламентированности сюжетов (семейство Пихлеров, Л. Наттер, Жак Юэ). Известны и русские резчики – А. Есаков, И. Шилов, П. Доброхотов.

В XIX веке глиптика как вид искусства приходит в упадок.

ГОБЕЛЕН (франц. gobelin)

Первоначально гобеленами называли вытканные вручную ковры с различными изображениями. Их отличительной особенностью является плоскостное изображение и отсутствие линии горизонта. В отличие от шпалер, рисунки на гобелене вышивались, а не ткались.

Один из наиболее известных гобеленов был создан в 1066 г., после того, как Вильгельм Завоеватель покорил Англию. Чтобы увековечить эту победу, один из его родственников заказал вышивку на гобелене. Она вошла в историю как Ковер из Байе. Это был огромный, длиной в 70 метров, кусок специального льняного полотна. На нем размещены 72 искусно вытканные живописные сцены, рассказывающие историю победы Вильгельма. Подписи на латинском языке под каждой из картин поясняют происходящее и прославляют искусство полководца.

Однако в строгом смысле слова гобеленами назывались изделия, изготавливавшиеся на парижской мануфактуре, находившейся в предместье Сен-Марсель и учрежденной в 1662 году для обслуживания многочисленных королевских дворцов. Ведь гобелен являлся одной из главных деталей внутреннего убранства феодальных замков. Этому способствовала простота (по сравнению с долгим по времени ткачеством шпалер), а также и более низкая стоимость.

Парижская мастерская действует и сегодня. Она была создана на основе ряда частных шпалерных заведений, а ее ядром стала мастерская известных с XV в. красильщиков Гобеленов (Gobellins), имя которых утвердилось и за мануфактурой, и за ее изделиями.

Гобелены выполнялись цветными шерстяными и шелковыми (иногда серебряными и золотыми) нитками по рисункам (картонам) управлявшего мануфактурой Ш. Лебрена, а в XVIII в. – Ф. Буше, Ж. Б. Удри и других художников. На них воспроизводились сложнейшие многофигурные композиции.

Гобелены ткались на специальных ручных станках по отдельным участкам, а затем сшивались в единое целое тонкой шелковой нитью. Характерная особенность гобелена – рубчатая поверхность лицевой стороны, создаваемая нитями основы, и неровная поверхность оборотной стороны, образуемая швами и нитями утка. Число цветов и оттенков на одном гобелене могло достигать нескольких тысяч.

Эпоха барокко стала временем расцвета искусства гобелена. Высокие художественные достоинства гобеленов XVII–XVIII вв. сделали их настолько популярными, что гобеленами стали называть и подражавшие им шпалеры, а в XIX в. даже машинное обивочное полотно плотного плетения.

В конце 1930 – начале 40-х годов искусство гобелена возродилось на новой художественной основе в мастерских Обюссона. Однако теперь их стали ткать с использованием новых материалов и техники, напоминавшей изготовление стенного ковра, используя более толстые нити и сократив количество цветов до 40. Рисунки для гобеленов в это время делали многие крупные художники XX века: А. Матисс, Ф. Леже, Ле Корбюзье, Ж. Пикар-Леду.

Бурный расцвет это древнее искусство переживает и в наше время. Однако для современных гобеленов характерна более свободная композиция, система переплетения нитей, использование синтетических и металлических нитей, шнуров, кожи, вводится также ажур, аппликация, коллаж.

Сам термин гобелен сейчас понимается более широко – как любой тканый ковер или ковровая ткань сложного, преимущественно изобразительного рисунка и высокого художественного качества, безотносительно к характеру, месту или времени производства.

ГОЛОГРАФИЯ

Голография была изобретена русским физиком Ю. Денисюком в 1968 году. Она является одной из интереснейших областей использования излучения лазеров.

Исследователи установили, что при облучении светом лазера какого-либо предмета возникает отраженный от него фронт световых волн. Он несет гораздо больше информации о форме предмета, чем обычный световой луч. Вот почему с помощью голограммы можно передать не только форму, но и объем предмета. Если поставить на пути луча фотопластинку, то на ней получится изображение, состоящее из темных и светлых участков. При освещении проявленной пластинки лучом лазера перед глазами возникает объемное изображение запечатленного предмета.

Но голографическое изображение не только объемно, оно даже позволяет наблюдать предмет с разных сторон. Используя несколько лазеров с излучением разного цвета, можно получить и цветную голограмму. Однако для рассматривания голограммы необходимо, чтобы наблюдатель находился на небольшом расстоянии от пластинки. Только в этом случае он увидит объемное изображение предмета.

С помощью голографии можно не только запечатлевать предметы, но и записывать огромные объемы информации. Вот почему в настоящее время голография широко применяется в самых различных областях культуры и науки.

Голограммы широко используются для сохранения ценнейших памятников мировой культуры. Редкие экспонаты многих музеев заменяются на их голографические копии. Это позволяет улучшить условия их показа, поскольку не надо соблюдать жесткий режим температуры и влажности, а также и уберечь их от возможной кражи.

Произведения художественной голографии отличаются тем, что их можно рассматривать как при солнечном, так и при искусственном освещении (важно лишь, чтобы этот источник был точечным и достаточно ярким). Этот вид голографии также был изобретен в России.

Особенно эффектно на голограммах выглядят старинные изделия из металла, иконы в окладах. Изготовление голограмм с изображениями редких и ценных предметов – одно из направлений, приобретающих сейчас все большую популярность. Так, в последние годы проведена работа по созданию банка голографических изображений святынь Русской православной церкви.

ГОНЧАРНЫЕ ИЗДЕЛИЯ – в прикладном искусстве: изделия из обожженной цветной глины, имеющие пористое строение и покрытые прозрачной глазурью или ангобом. К гончарным изделиям относится главным образом посуда простейшего типа, изготовленная на гончарном круге.

В широком значении термин гончарные изделия может обозначать майолику в целом и даже керамику.

ГОРИЗОНТ (греч. horizon)

Основой для правильного перспективного построения пространства в произведении живописи служит горизонт. В повседневном понимании этого термина горизонт – это условная прямая, служащая границей разделения земли и неба.

В живописи соотношение предметов по отношению к горизонту помогает их правильному размещению. Кроме того, он определяет своеобразие видения мира художника и даже его творческую манеру. На иконах, например, имеющие значение предметы изображались большими по размеру, чем менее важные.

Перспективный, или видимый, горизонт, расположенный художником (в связи с композиционным решением) поблизости от верхнего или нижнего края изображения, называется, соответственно, высоким или низким.

ГОРИЗОНТ АРХЕОЛОГИЧЕСКИЙ – условный термин, которым определяются границы распространения той или иной археологической культуры (или керамики определенных форм и орнаментации, например, «горизонт ранней серой керамики»).

ГОТИКА (итал. gotico, франц. gothique – свойственный готам, готический) – стиль западноевропейского искусства второй половины XII–XV вв. – эпохи наивысшего развития феодализма и начала его разложения. В странах, где рано начинают складываться капиталистические отношения, например в городах Италии, готика получила лишь незначительное развитие (что было обусловлено также устойчивостью здесь античных традиций), тогда как в типичных феодальных государствах – во Франции и Германии – готический стиль нашел яркое и характерное воплощение. Термин готика был введен гуманистами Возрождения, желавшими подчеркнуть «варварский» характер всего средневекового искусства указанием на его связь с искусством готов; в действительности же готический стиль не имел ничего общего с готами и представлял собой закономерное развитие и видоизменение принципов романского искусства, развившегося в Западной Европе в XI–XII вв.

Как и романское искусство, искусство готики находилось под сильнейшим воздействием церкви и было призвано воплощать в символических и аллегорических образах церковную догматику; запечатлевая «небесную иерархию», оно должно было тем самым утверждать земную, феодальную иерархию. Но искусство готики развивалось в усложнившейся социальной обстановке, в условиях усиления городов, боровшихся с феодальными сеньорами, и обострения классовой борьбы внутри самих городов. Поэтому в нем нарастают и противоположные тенденции: появляется интерес к живым природным формам, к внутреннему миру человека, крепнут элементы «наивного реализма», расширяется круг тем. Высшие завоевания готики лежат в области архитектуры: вместо массивного романского собора, имевшего характер крепостного сооружения, возникает тип храма, устремленного ввысь, со стрельчатыми сводами, где стены превращены как бы в каменное кружево (что стало возможным благодаря системе аркбутанов, переносящих давление свода на внешние столбы – контрфорсы). Готический собор символизировал порыв к небу; этой же цели должно было служить его богатейшее декоративное убранство – статуи, рельефы, витражи. Отдельные произведения, входящие в оформление собора, все более тяготели к жизненной конкретности; в них встречаются жанровые сцены, изображения трудовых процессов, иногда даже сатирические, антиклерикальные сюжеты, почерпнутые из фольклора. В готических миниатюрах заметен большой интерес к быту, к пейзажу. Искусство эпохи Возрождения развивалось в борьбе с готикой, противопоставляя ей новую систему художественных воззрений и вместе с тем используя те черты реализма, которые зарождались уже внутри готического искусства.

ГОХУА (кит. – национальная живопись)

О значении этой современной китайской живописи в истории культуры страны говорят следующие факторы. Прежде всего ее создатели – Жень Бонянь, Ци Байши и их единомышленники и ученики (Хуан Биньхун) – обновили традиции национальной живописи тушью и водяными красками на свитках. Обычно изображались линии и пятна на нейтральном фоне. Восприняв манеру тонкого и лаконичного письма, художники использовали не только линии, но и живописные пятна. Они достигли редкостного проникновения в красоту природы, обратившись к простым и незатейливым сюжетам.

Гохуа, кроме того, можно считать первой художественной школой европейского типа, поскольку использовались такие достижения европейской живописи, как геометрическая перспектива, светотени, объемность изображения. Художники пытались передать и психологию изображаемых ими людей.

Соединившись с традиционной каллиграфической красотой и точностью движения кисти, эти приемы смогли оформиться в самостоятельное течение и оказать влияние на последующие поколения художников.

ГРАВИРОВАНИЕ (франц. graver – вырезать) – в технике гравюры процесс обработки доски механическими средствами, чаще всего режущим инструментом. В менее точном, широком значении термин охватывает нередко и химические средства обработки.

В технике прикладного искусства гравирование – нанесение углубленного изображения на поверхность предмета из твердых материалов (металл, камень, дерево и пр.).

ГРАВЮРА (франц. gravure; от graver – вырезать) – в изобразительном искусстве раздел графики, включающий произведения, исполненные посредством печатания с гравированной доски. Отдельное произведение соответствующего раздела графики также называется гравюрой.

Обычно исполнение гравюры требовало особого мастерства, поэтому в прошлом собственно гравюрная, техническая часть работы нередко выполнялась специализировавшимися на ней мастерами. Если подобная работа целиком, включая всю обработку доски, исполнена самим художником, она называется оригинальной. С XV–XVI веков в Европе появляются репродукционные гравюры. Обычно на них воспроизводились сюжеты уже написанных картин.

По назначению гравюра делится в основном на станковую, т. е. рассчитанную на самостоятельное существование, и книжную (эстамп).

Основные этапы исполнения гравюры: перевод подготовленного рисунка с бумаги на поверхность доски, гравирование в собственном смысле и печатание. Разновидности гравюрной техники различаются в основном по способам гравирования (т. е. нанесения на поверхность доски мелких углублений и неровностей при помощи металлических инструментов или химических средств). Такие способы довольно многочисленны – резцовая гравюра, меццо-тинто, сухая игла, офорт и др. Основные материалы для изготовления гравюры – металл (медь, цинк, сталь), дерево (самшит, пальмовое, грушевое и др.), линолеум. Обработка гравюрной доски производится или механическими средствами, т. е. при помощи инструментов из металла (штихеля, гравировальной иглы, специального ножа, качалки, шабера и др.), или же травлением кислотою.

Когда углубления на поверхности обработанной доски соответствуют белым частями отпечатка, гравюру называют выпуклой; при соответствии же черным его частям – углубленной.

Тоновая гравюра использует светотень в качестве основного художественного средства; она может выполняться тонкими, тесно расположенными штрихами с расчетом на восприятие этих линий в массе, слившимися в тоновое пятно той или иной светосилы.

Некоторые виды гравюры:

акватинта – вид углубленной гравюры на металле, протравливание кислотой металлической доски сквозь прилипшую к ней асфальтовую или канифольную пыль. Создает эффект, близкий к тональному рисунку кистью (тушью или акварелью). В XVIII веке акватинта широко использовалась, большей частью в сочетании со штриховым офортом, часто для цветной печати;

лавис – вид углубленной гравюры на металле, когда изображение наносится прямо на доску смоченной в кислоте кистью. Гравюры лависом напоминают рисунок кистью с размывкой. Лавис был изобретен в XVIII веке;

меццо-тинто – черная манера, вид углубленной гравюры на металле. Металлическая доска сплошь покрывается металлическими углублениями, становится зернистой и при печати дает ровный черный тон. Место, которое должно быть светлым, выскабливается и выглаживается. Способ меццо-тинто, дающий глубокий бархатистый тон и богатые светотеневые переходы, использовался в XVIII веке, в том числе для цветной печати;

карандашная манера – разновидность пунктирной манеры в углубленной гравюре на металле. С помощью мелкозернистых штрихов имитируется рисунок карандашом, углем, сангиной или пастелью. XVIII век – время расцвета гравюры карандашной манеры;

пунктирная манера – вид углубленной гравюры на металле. Мелкие точечные углубления, наносимые различными инструментами (часто с помощью травления), при печати создают тонкие, мягкие градации светотени. Гравюры пунктирной манерой (часто цветные) были особенно популярны в XVIII веке;

гравюра на дереве (см. Ксилография).

ГРАФИКА (франц. grattoir – линейный; от греч. grapho – пишу, рисую) – один из видов изобразительного искусства, близкий живописи со стороны содержания и формы, но имеющий свои собственные конкретные задачи и художественные возможности (см. Искусство; Искусства изобразительные).

В отличие от живописи, основным изобразительным средством графики является однотонный рисунок (т. е. линия, светотень); роль цвета остается в ней сравнительно ограниченной. Со стороны технических средств графика включает в себя рисунок в собственном смысле слова – во всех его разновидностях. Как правило, произведения графики исполняются на бумаге, изредка применяются и другие материалы (например, шелк или пергамент).

В зависимости от назначения и содержания графика подразделяется на станковую, которая охватывает произведения самостоятельного значения (не требующие для раскрытия своего содержания непременной связи с литературным текстом и не ограниченные суженным, строго определенным практическим назначением), книжную и журнально-газетную, образующую идейно-художественное единство с литературным или сопроводительным текстом и одновременно предназначенную для декоративно-художественного оформления книги, журнала и т. п.; плакатную, представляющую собой самый массовый вид изобразительного искусства, призванный осуществлять художественными средствами задачи политической агитации; художественно-производительную, или прикладную (этикетки, грамоты, почтовые марки и пр.).

Графика обладает по сравнению с живописью и скульптурой большей оперативностью. Она способна с исключительной быстротой отзываться на новые явления и запросы общественной жизни, активно участвуя в ней. Произведения графики обращаются к самой широкой аудитории, т. к. предназначаются не только для показа на выставках и в музеях, но прежде всего для массового воспроизведения на страницах газет, журналов и книг, в специальных альбомах, в многочисленных видах плакатной продукции, на денежных знаках, марках, этикетках и т. п. Графика обладает исключительно широкими возможностями с точки зрения идейного и художественного воздействия на людей.

ГРИФОНАЖ (griffonnage – букв, маранье, каракули, от griffoner – писать каракулями, рисовать на скорую руку) – ряд беглых набросков, как правило, импровизационного характера. Существуют грифонажи с различной степенью законченности отдельных изображений. Термин грифонаж обычно употребляется применительно к произведениям графики. Наиболее распространены грифонажи в рисунках пером, а также в офорте. Грифонажи нередко встречаются на полях рукописных книг и рукописей писателей и ученых (например, рукописи Леонардо да Винчи, Пушкина).

ГРИЗАЙЛЬ (франц. grisaille, от gris – серый)

Данное слово обычно употребляют в нескольких значениях. Первое связано с видом декоративной живописи, обычно выполняемой в разных оттенках одного цвета, чаще всего серого. Благодаря подобной манере письма данный вид живописи и стал так называться. Подразумевается также использование и другого монохромного цвета – красного или коричневого, голубого или черного.

Второе значение связано с росписью одноцветной эмалью (серой, коричневой, розовой) с прорисовкой золотом. Так достигается эффект рельефности изображения (лиможская эмаль). Некоторые рассматривают его как элемент декора, например в росписях интерьеров в стиле классицизма как имитация скульптурного рельефа (дворцы в городах Пушкин, Павловск, актовый зал здания Московского университета на Моховой).

Третье значение связано с первоначальным эскизом скульптора.

ГРОБНИЦА

Пожалуй, одним из первых архитектурных памятников можно считать гробницы. Иногда их называют саркофагами или мавзолеями. Однако на самом деле перед нами три разных типа погребальных сооружений с общим функциональным предназначением.

По сравнению с гробницей саркофаги меньше по размеру, в основе их конструкции – архитектурно и художественно оформленный гроб. В истории искусств примечательны древнеегипетские саркофаги, воспроизводившие форму жилища, а с III тысячелетия до н. э. и облик умершего; этрусские (с фигурой умершего на крышке), эллинистические, древнеримские и раннесредневековые (с рельефами и архитектурным декором). Тип античного саркофага получает дальнейшее развитие в эпоху Возрождения и барокко. Материалом для саркофагов обычно служит мрамор и камень.

Две другие формы отличаются прежде всего размером и назначением – не просто увековечить память об умершем, но и возвеличить его деяния в глазах потомков. (См. Мавзолей).

Основным типом гробницы считается галерейная – в виде коридора под продолговатой насыпью. Существует достаточно много местных вариантов. Они существовали в течение длительного времени и получали названия – дольмен, галерейная гробница, «гробницы гигантов», коридорная гробница, портальный дольмен, толос. Однако общим оставалось строительство из камня, назначение в виде склепа для последовательных захоронений и общий погребальный обряд.

Более широкое значение слова предполагает отнесение к гробницам, например, древнеегипетских пирамид и монументальных мавзолеев Древней Греции и Рима. Однако нам представляется более точным обозначение этим термином конструкций, которые в основном построены в неолите (III тысячелетии до н. э.) и частично использовались в медном веке, когда появляются колоколовидные кубки (керамические сосуды для захоронения).

ГРОТЕСК (франц. grotesgue, итал. grottesco, от grotta – грот) В настоящее время термин чаще употребляется применительно к литературе для характеристики образной системы, основанной на причудливом сочетании реального и фантастического, прекрасного и безобразного, смешного и серьезного.

Однако первоначально термин обозначал вид орнамента, живописного, лепного или графического, в котором причудливо смешаны изобразительные и декоративные мотивы, изображения людей, растений и животных и т. д. Иногда его сравнивают с арабеской.

Своим же происхождением термин обязан раскопкам XV века в Риме подземных помещений («гротов») Золотого дома Нерона (I в.). Орнамент стал популярен благодаря лоджиям Рафаэля в апартаментах Борджиа (1493–1494) в Ватикане, поскольку именно он был одним из первых современных художников, которые использовали мотивы гротеска в период эпохи Возрождения. Сам же термин впервые стал использоваться в 1502 году, чтобы отличить фрески Рафаэля от тех, что изготовил в Сиене П. Пинтуриккьо. Обычно гротеск подобного типа имеет вид полосы из симметрично расположенных, преимущественно растительных форм, встречается главным образом на деталях архитектуры.

Второе значение гротеск приобрел в средние века, став обозначением особого типа художественной образности, основанной на причудливом сочетании самых разных черт – реального и фантастического, красивого и безобразного, веселого и грустного. Все эти приемы нужны были для создания острого, предельно характерного художественного образа посредством необычайного, до уродливости резкого преувеличения реальных форм.

Полагают, что в основе подобного гротескного мировосприятия лежит особое, карнавальное восприятие действительности, идущее от народной культуры. В подобном мире перемешано все, как и в реальной ситуации. Но в отличие от нее гротескный мир требует расшифровки, он неоднозначен и скорее приближается по способу условности к символу. В архитектуре это химеры на готических соборах, а также фантастические миниатюры на полях рукописей.

Особой выразительности гротеск достигает в эпоху Возрождения – в живописи Х. Босха, П. Брейгеля. Как острое сатирическое средство встречается в карикатурах и зарисовках действительности у О. Домье, в офортах Ф. Гойи и Ж. Калло. В модернизме гротеск отразил абсурдность бытия, трагичность существования человека в наполненном противоречиями мире. В абстракционизме он проявлялся в нагромождении чудовищных, агрессивно-враждебных человеку форм – в сюрреализме, картинах С. Дали. Часто гротеск встречается в произведениях сатирического характера (например, сатиры Ж. Гросса, политическая карикатура Кукрыниксов).

В широком общеупотребительном смысле гротеском называют вообще все резко характерное, карикатурное до уродливости, странное до фантастического.

ГРУНТ (польск. grunt; от нем. Grund – дно, основа)

1) В технологии живописи: тонкий слой специального состава (а также и сам состав), наносимый поверх основы с целью придать ее поверхности нужные художнику цветовые или фактурные свойства и ограничить чрезмерное впитывание связующего вещества. Грунт бывает клеевым, масляным и эмульсионным.

2) В технике углубленной гравюры – слой состава, которым покрывают металлическую доску перед началом работы и частично в процессе травления. Грунтом называют также светлую подкраску поверхности доски перед нанесением рисунка.

ГРУППА – часть оркестра, объединяющая музыкантов, играющих на однородных (струнных, деревянных и т. п.) или на одинаковых инструментах в унисон (например, группа альтов).

ГУАШЬ (франц. gouache; итал. guazzo – водяная краска) – красочный материал, предназначенный для живописания соответствующей по названию техникой. С технологической стороны гуашь сравнительно близка мягким сортам акварельных красок, но существенно отличается от них примесью белил в самой краске и большой кроющей способностью. Одна из разновидностей приближается по составу и свойствам к темпере на гуммиарабике.

Гуашью работают преимущественно по бумаге, разбавляя краски водою. В отличие от акварели и подобно темпере живопись гуашью кладется достаточно плотным, непрозрачным слоем, с примесью белил. При высыхании гуашь светлеет сильнее темперы (красочный слой которой, как правило, более плотен).

ГУЛЯНЬЯ

В русских городах прошлого века проводились различные гулянья. Они приурочивались к главнейшим церковным праздникам и к таким событиям, как победы, коронации монархов, открытия общественных или частных садов. Излюбленными местами гулянья москвичей были Новинское, Марьина роща и Девичье поле. В Петербурге гулянья устраивались на Дворцовой и Адмиралтейской площадях, а также на Неве и Фонтанке.

Увеселения, которые предлагались публике, различались в зависимости от времени года. На Рождество и масленицу это было катание с гор и на санях, постройка снежных городков. На пасху преобладали различные виды каруселей и качелей.

На площади, где происходило гулянье, обязательно устраивались балаганы, ярмарочные ряды, а также площадки, на которых разыгрывались различные представления. Среди гуляющих ходили скоморохи, развлекавшие их шутками и прибаутками, а зачастую и устраивающие свои собственные представления.

Чисто русскими увеселениями были выступления частушечников и «медвежья потеха», когда специально обученный медведь выступал вместе со своим вожаком в различных сценках, часто имевших ярко сатирический характер.

Во время рождественских гуляний в них принимали участие и ряженые. Эти народные представления продолжались вплоть до середины тридцатых годов XX века.

ГУМАНИСТЫ

Явление, впоследствии названное гуманизмом, сложилось в Италии на рубеже XII–XIII вв. Развитая городская культура, интенсивная художественная жизнь, идеализация античности – вот его главные особенности.

Гуманисты также стали известны своими археологическими поисками и собиранием предметов древнего искусства. Не случайно, что во Франции это течение получило общеупотребительное название Ренессанс (Renaissance – возрождение), то есть возрождение традиций древности.

Идеалы раннего гуманизма были тесно связаны с развитием предпринимательства. Купеческая щедрость и возникшее меценатство не только порождали более свободное творчество, но и вызывали смену идеалов (по сравнению со средневековыми нормами) – прославление радостей жизни, всевозможных удовольствий.

Девизом гуманизма могут стать слова Франческо Петрарки: «Истинно благородный человек сам себя делает таковым великолепными своими делами». Само слово происходит от латинского humanus – человеческий.

К XV веку гуманизм пронизал уже всю передовую итальянскую культуру. Гуманистам были близки Платон, Аристотель, Еврипид, Вергилий, Овидий. С конца XV века новая культура начинает развиваться и в других европейских странах – Франции, Англии, Нидерландах, Испании. По всей Европе создаются университеты, развивается книгопечатание, техника, торговля, связи с внешним миром.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.