Стили и направления в музыке

Стили и направления в музыке

АРС НОВА. В переводе с латинского – «новое искусство». Прогрессивное музыкальное течение, возникшее в XIV веке в Италии и Франции. Его приверженцы пропагандировали отказ от церковной музыки. Их целью были придание музыке светского характера и обращение к вокальным жанрам. Характерные черты музыки в стиле арс нова – близость к песням и использование музыкальных инструментов. Наиболее типичными для этого музыкального направления можно считать жанры баллады, мадригала, рондо, батета и др. Яркими представителя арс нова были Гильом Машо и Франческо Ландино.

АТОНАЛЬНОСТЬ. Музыкальное течение, возникшее в XX веке. В основе его лежит отказ от тональности, а точнее, «смешение всех тональностей в одном произведении». Основоположником этого течения является Арнольд Шёнберг. В своем Втором струнном квартете композитор впервые прибегнул к новому закону музыкальной гармонии. Произошло это в 1908 году. Одновременно с Шёнбергом атональность использовали в своих произведениях Альбан Берг и Антон Веберн. Среди русских композиторов также были последователи атональности – Прокофьев и Шостакович.

БЕЛЯЕВСКИЙ КРУЖОК. Объединение композиторов, которое не выдвигало никакой идейно-художественной программы. Музыканты собирались каждую пятницу в доме П. Беляева для того, чтобы поговорить о музыке, представить на суд единомышленников новые произведения и т. д. Возглавлял кружок Н. А. Римский-Корсаков. В его состав входили Н. Н. Амани, В. А. Золотарёв, И. И. Крыжановский, Н. А. Соколов, Н. С. Лавров, Н. Н. Черепнин, А. К. Глазунов, Ф. С. Акименко, К. А. Антипов, Ф. М. и С. М. Блуменфельды, часто музыкальные вечера посещали А. Н. Скрябин, С. И. Танеев и др. Творчество большинства участников кружка носило академический характер. Беляевский кружок преемственно был связан с «Могучей кучкой» и просуществовал с 1880 по 1890 год.

ВЕЙМАРСКАЯ ШКОЛА. Музыкальное направление, возникшее в Германии в начале 50-х годов XIX столетия. Основоположником и главой был композитор Ф. Лист. Помимо него в состав творческого объединения музыкантов входили Й. Рафф, П. Корнелиус, А. Риттер, Х. Бюлов, К. Ф. Брендель, Р. Поль, К. Таузиг и др. Возникновение этого направления было вызвано общим политическим строем Германии того времени. Передовые деятели боролись против консерватизма и отсталости. Не могло это не отразиться и в музыке. Представители веймарской школы боролись за романтическое направление в искусстве, идейную насыщенность музыкальных произведений, коренное обновление музыки в целом. Все участники направления поддерживали Р. Вагнера и его новаторство в оперном искусстве. Практическое воплощение идеи веймарской школы получили в концертах, состоящих из произведений Берлиоза, Листа, Вагнера, а также театральных постановках произведений представителей направления. Происходило это в Веймаре, который, благодаря борцам с лейпцигской школой музыки, превратился в важнейший культурный центр.

ВЕНЕЦИАНСКАЯ ШКОЛА. Музыкальное направление, возникшее в XVI–XVII веках. Основоположником течения был А. Вилларт. Центром существования венецианской школы являлся собор Святого Марка. Именно здесь наиболее яркие представители направления в разное время работали в качестве композиторов и органистов. Венецианскую школу можно охарактеризовать как «высокоразвитый монументально-декоративный стиль вокальной полифонии». Основными особенностями этого стиля были полнота звучания, насыщенный колорит и пышность. В основу венецианской школы легли тенденции, связанные с местными национальными традициями, и наследие нидерландских полифонистов. В сочинениях представителей венецианской школы партии оркестра и хора противопоставлялись друг другу и лишь в некоторые моменты две эти музыкальные линии сливались в едином звучании. Большая часть произведений была написана на духовные тексты. К XVII веку центр венецианской школы переместился в первый общедоступный оперный театр, а во главе движения встал К. Монтеверди. Его последователями были А. Вивальди, Ф. Кавалли, А. Страделла и др.

ВЕНСКАЯ КЛАССИЧЕСКАЯ ШКОЛА. Стиль классической музыки, возникший в Вене во второй половине XVIII века. Приверженцами направления были В. А. Моцарт, Л. Бетховен, Й. Гайдн и др. К особенностям стиля можно отнести обязательное наличие аккомпанемента, работу над темой и формой, а также присутствие сквозных тем. Одновременно с расцветом венской классической школы происходило формирование симфонического оркестра. Становились понятными его состав и функции оркестровых групп. Благодаря этому музыкальному направлению укрепилась классификация типов камерных ансамблей – струнный квартет, фортепианное трио и т. д. Оперное творчество Моцарта как одного из основоположников венской классической школы сыграло важную роль в становлении различных типов оперы. Главным центром развития и становления классической школы стала Вена, столица музыкальной культуры того времени, что и дало название музыкальному направлению. Основные правила, разработанные представителями венской классической школы, и в настоящее время актуальны и востребованы в музыкальном искусстве.

ВЕРБУНКОШ. Стиль венгерской инструментальной музыки, возникший в конце XVIII – начале XIX века на основе вербунка – национального мужского танца. Этот стиль соединил в себе национальные элементы музыкальной культуры разных народов – венгров, румын, южных славян. К ним добавились тенденции итальянского и немецкого музыкального искусства. Поскольку танец, который лег в основу нового стиля, исполнялся в основном цыганскими оркестрами, отголоски этой народной культуры также присутствуют в вербункоше. Характерные особенности этого стиля – ритмическое разнообразие (сочетание разных ритмов), звукоряд с одной или двумя увеличенными секундами, чередование медленного и быстрого темпа, импровизация. Вербункош стал известен благодаря произведениям Ф. Листа, Ф. Шуберта, И. Брамса и др.

ВЕРИЗМ. Музыкальное направление, возникшее в Италии в конце XIX века. Характерной особенностью творчества приверженцев этого течения было обращение к судьбам простых людей. Композиторы-веристы старались показать жизнь в ее истинном свете, без прикрас. Особое место уделялось личным переживаниям героев, в качестве которых выступали студенты, бедные горожане, крестьяне и т. д. Произведениям веристов свойственны особый острый драматизм и эмоциональность в сочетании с удивительной мелодичностью. Самыми известными представителями этого музыкального направления были Дж. Пуччини, П. Масканьи, Р. Леонкавалло и др. В других европейских странах существовали музыкальные направления, родственные веризму.

ДЕМЕСТВЕННОЕ ПЕНИЕ. Стиль церковной музыки, распространившийся на Руси в XV–XVII веках. Отличительные особенности демественного пения – свежесть интонаций, цветистый рисунок и мелодическая гибкость. Этот стиль был максимально приближен к лирической народной песне. Демественное пение звучало во время праздничных богослужений и торжественных событий – встречи царя, венчания и т. д. Мелодии записывались с помощью знаменной, или специальной деметственной нотации. В XVII веке появились также трех– и четырехголосные партитуры. Ранее существовала точка зрения, сторонники которой характеризовали демественное пение как «домашнее», исполняемое за стенами храма. В настоящее время подобное толкование оспаривается.

ДИКСИЛЕНД. Танцевальный стиль джазовой музыки, возникший в конце XIX века, создание которого приписывается «белым» музыкантам. Характерные черты стиля – переплетение отдельных голосов в общей импровизации. Соло открывал один из исполнителей, другие исполнители как бы продолжали его игру, финальные фразы в виде четырехдольных рефренов исполнялись на барабанах и весь ансамбль отвечал им. Первая запись музыки в стиле диксиленд состоялась в Нью-Йорке в 1917 году. Далее последовали другие записи, после чего направление завоевало огромное количество поклонников. Пластинки с музыкой этого жанра расходились огромными тиражами. Яркими представителями диксиленда были Кенни Болл, Кинг Оливер, Луис Армстронг и др.

ДОДЕКАФОНИЯ. Музыкальное направление, возникшее в XX веке. Название произошло от греческих слов dodeka – «двенадцать» и phone – «звук». Разработчиком додекафонии был австрийский композитор А. Шёнберг. Особенностью музыки в этом стиле является определенная последовательность серий из 12 звуков хроматической гаммы, ни один из которых не должен повторяться. Помимо Шёнберга эту технику использовали Д. Шостакович, И. Хауэр, С. Прокофьев и др.

ЗНАМЕННЫЙ РАСПЕВ. Вид церковного пения в Древней Руси. Название происходит от старославянского слова «знамя» – знак. Знаменами назывались знаки, с помощью которых велась запись напевов. Первое значение понятия «знаменный распев» подразумевало напевы, исполняемые с записей (в отличие от напевов устной традиции). Сначала знаменный распев был предназначен для исполнения одним голосом, позднее в него были включены элементы многоголосия. В XVII веке в церковной музыке наблюдалось тяготение к упрощению, что способствовало ясности наполнения текстов, улучшало ощущение лада. В результате знаменные распевы были значительно сокращены. Многие русские композиторы – П. И. Чайковский, С. В. Рахманинов, П. П. Турчанинов и другие – в своем творчестве прибегали к гармонизации знаменных распевов.

КАНТРИ. Музыкальный стиль, сформировавшийся в XVII–XVIII веках на юге и юго-западе США. Стиль кантри соединил в себе черты ковбойских баллад и народных американских песен и танцев. В этой музыке можно услышать также отзвуки шотландской и ирландской народной музыки. Другими словами, стиль кантри можно назвать «музыкой белых поселенцев Америки и потомков белых колонистов». Для исполнения музыки кантри используются банджо, гитара, в некоторых случаях скрипка и мандолина, а в XX веке в исполнительские ансамбли добавились гавайские гитары, контрабас и ударные инструменты. В произведениях этого стиля рассказывается о том, что понятно каждому – о любви, одиночестве, чувствах и т. д. Постепенно стиль кантри распространился по всему миру. Основоположником музыки кантри в привычном для нас понимании считается Хэнк Уильямс. Именно с периодом его творчества совпал расцвет этого направления. Со временем в музыке кантри появились разные направления – кантри-рок, кантри-вестерн и т. д. Каждое из них сохраняет основные тенденции классического кантри, добавляя в них что-то новое.

КОНКРЕТНАЯ МУЗЫКА. Музыкальный стиль, в основе которого лежит совокупность звуков и шумов живой природы, реже включаются голоса людей или звуки инструментов. Их записывали на магнитофонную ленту и подвергали акустическим преобразованиям: изменяли скорость, искажали с помощью приборов, обрабатывали с помощью звуковых фильтров и т. д. Возникновение подобного стиля стало возможным с изобретением и дальнейшим усовершенствованием звукозаписывающей техники. Основоположником стиля был французский инженер-акустик Пьер Шеффер. Первые его произведения увидели свет в 1948 году. Позднее конкретная музыка стала лишь дополнением для других музыкальных стилей.

КРЮКОВОЕ ПЕНИЕ. Распространенный в Древней Руси стиль церковного песнопения. Особенностью его было исполнение музыки по специальным записям, сделанным с помощью специальных знаков – крюков, или знамен (см. Знаменный распев).

ЛЕЙПЦИГСКАЯ ШКОЛА. Музыкальное направление, возникшее в Германии в 1843 году. Основоположником его считается Ф. Мендельсон. Представителями движения были в основном профессора Лейпцигской консерватории – Ф. Давид, Н. Гаде, Р. Шуман и др. Характерная особенность стиля – консервативные академические тенденции. Композиторы лейпцигской школы пропагандировали классические традиции и композиционные правила национальных бытовых жанров. При этом они отвергали любые новаторские предложения и радикальные тенденции. В начале XX века лейпцигская школа утратила свою актуальность, так как на первое место в произведениях ее представителей выдвигались не правдивость, индивидуальность и естественность подачи, а соблюдение чистоты стиля и формы.

МАНГЕЙМСКАЯ ШКОЛА. Музыкальное направление, получившее развитие в Германии в XVIII веке. Возникло из объединения композиторов и исполнителей, служивших в придворной капелле Мангейма. Большое влияние на формирование этого стиля оказала чешская музыка, так как в составе капеллы было немало чехов. К особенностям стиля можно отнести подчеркнутую контрастность, выделение определенных мелодических оборотов, длительное динамическое нарастание, сменяющееся спадом. В мангеймской школе прослеживается влияние сентиментализма XVIII века и одновременно с этим присутствуют черты рококо. Достижения этого музыкального направления широко использовали В. А. Моцарт и Й. Гайдн.

«МОГУЧАЯ КУЧКА». Музыкальное объединение композиторов, основанное в России в XIX веке и известное также как Балакиревский кружок и Новая русская музыкальная школа. Главой и руководителем «Могучей кучки» был М. А. Балакирев. В состав сообщества входили Ц. А. Кюи, А. П. Бородин, М. П. Мусоргский, Н. А. Римский-Корсаков, а какое-то время также А. С. Гуссаковский, Н. Н. Лодыженский и Н. В. Щербачёв. Композиторы «Могучей кучки» были продолжателями традиций М. И. Глинки и А. С. Даргомыжского. Их творческая программа находилась под большим влиянием идеологии 1860-х годов. Однако они не просто слепо следовали идеям своих предшественников, но искали новые формы музыкального воплощения современности и исторических образов. Музыканты старались сделать свои произведения максимально актуальными, насущными для запросов тогдашней действительности. В операх Мусоргского и Римского-Корсакова нашли отражение важные этапы русской истории, патриотические идеи, мощь стихийных народных движений. Представители «Могучей кучки» высоко ценили народные песни. Именно они стали основой музыкального языка их произведений. В 70-е годы XIX века это направление перестало существовать, однако его творческие идеи оказали влияние на формирование не только русской музыки, но и музыкальной культуры других народов.

МОНОДИЯ. Произошло от греческих слов «monos» – «один» и «?d?s» – «певец». В широком понимании монодией называется любое одноголосное пение, вокальная партия для голоса с инструментальным сопровождением. В Древней Греции под монодией подразумевалось сольное исполнение певца в сопровождении игры на кифаре, лире или авлосе. В XVI веке в Италии возник музыкальный стиль, названный также монодией. Главной тенденцией его было возрождение античного музыкального искусства. Особенность – полное подчинение ритма и мелодических оборотов поэтическому тексту, его размеру и содержанию. Различалось несколько видов монодии в зависимости от преобладания речитативности или напевности. Монодия просуществовала всего несколько десятилетий, но оказала огромное влияние на дальнейшее развитие музыкального искусства в целом. В результате появился ряд новых форм – опера, речитатив, кантата, ария и др. Старые же музыкальные формы подверглись преобразованию.

НЕАПОЛИТАНСКАЯ ОПЕРНАЯ ШКОЛА. Направление оперного искусства, сформировавшееся в Италии в начале XVIII века. Главой неаполитанской оперной школы был А. Скарлатти, а первым значительным представителем – Ф. Провенцале. Неаполитанская оперная школа соединила в себе достижения двух итальянских музыкальных школ – венецианской и римской. В произведениях представителей данного направления прослеживались тенденции исполнительского и композиторского творчества их предшественников. Важную роль в формировании неаполитанской оперной школы сыграли традиции бытовой неаполитанской музыки, а также деятельность четырех неаполитанских консерваторий. Богатая мелодика и своеобразный колорит национальной культуры в совокупности с классическими музыкальными знаниями позволили представителям неаполитанской оперной школы достичь невероятных творческих высот. В то время складывается жанр оперы-сериа, а позднее оперы-буффа. Эти жанры получили широкое распространение не только в Италии, но и в других европейских странах. С развитием неаполитанской оперной школы ведущее место в произведениях ее последователей отводится виртуозному пению, которое позволяет исполнителям демонстрировать свои вокальные данные. Именно тогда начал развиваться стиль бельканто.

НИДЕРЛАНДСКАЯ ШКОЛА. Творческое направление, сформировавшееся в XV–XVI веках в Нидерландах. Для эпохи Возрождения она стала ведущей композиторской школой. Во времена нидерландской школы наблюдается расцвет вокально-хоровой полифонии (многоголосия). Основой для формирования данного направления стали традиции английского и французского многоголосия, а также народной песенной традиции Нидерландов. Характерные особенности – полнозвучие, сложные звуковые построения, философская созерцательность, просветленная вдохновенность. Отличительными чертами нидерландской школы были сложный конрапункт и сквозная имитация, используемые для универсального полифонического развития. Основаны они были на геометрическом преобразовании мотивов и математическом расчете интервалов. Среди представителей нидерландской школы можно назвать Ж. Бешуа, А. Брюмеля, Я. Обрехта и др. Художественные принципы данного направления оказали влияние на дальнейшее развитие музыкального искусства.

НОВАЯ ВЕНСКАЯ ШКОЛА. Творческое содружество композиторов, сложившееся в начале XX века. Основателем новой венской школы был А. Шёнберг, а представителями – его ученики. Несмотря на то что представители этого музыкального направления позиционировали себя в качестве продолжателей традиций классической венской школы, во многом их творчество было прямо противоположно ей. Суть новой венской школы проявляется в типичном модернизме, объективно ее приверженцев можно назвать музыкальными экспрессионистами. Характерные черты музыкальных произведений – субъективизм, преобладание разрушительных образов, абсолютный отказ от народных и национальных традиций. Основой для возникновения новой венской школы стало появление атонализма (1907–1909 годы). Позднее основатель направления разработал метод двенадцатизвучия (додекафонию). Следующим шагом в развитии становится сериальность. Идеи новой венской школы, активно пропагандируемые не только в музыкальных произведениях, но и в литературных трудах ее основателя, получили распространение в творчестве композиторов многих стран.

НОВАЯ РУССКАЯ МУЗЫКАЛЬНАЯ ШКОЛА. Творческое направление в русской музыке, сформировавшееся в 50–60-х годах XIX века. Другие названия – Балакиревский кружок и «Могучая кучка» (см. «Могучая кучка»).

ОСМОГЛАСИЕ. Система, использовавшаяся при оформлении православной духовной музыки. В переводе с греческого означает «восьмигласие». Представляет собой единство текстов и напевов, соотнесенных особым образом. Назывались они гласами, всего их было восемь. Песнопения одного гласа исполнялись во время богослужения в течение недели, после чего их сменяли песнопения второго гласа и т. д. Восьминедельный цикл образовывал столп. Каждый из восьми гласов имел собственный комплекс мелодических попевок, количество которых варьировалось от 150 до 300. В них не было единой ладовой системы, заканчиваться они могли на разных ступенях звукоряда. Постепенно развитие мелодической стороны песнопений способствовало тому, что основы осмогласия были расшатаны. Русская церковь и в XX веке остается хранителем системы осмогласия, хотя наравне с ней используются песнопения и из других систем.

ПАРТЕСНОЕ ПЕНИЕ. Стиль многоголосного пения, пришедший в Россию в XVII веке. Партесное пение исполнялось в церковном хоре и делилось на голоса, или партии. Всего различалось два вида партесного пения. Характерными особенностями одной разновидности были отсутствие пауз в голосовых партиях хора и одновременное произнесение текста. Другой разновидности были присущи переменный склад многоголосия с произнесением текста в разное время. Количество голосов партесного пения варьировалось от 3 до 12, а иногда доходило до 48. Текстами для многоголосия служили тексты церковных служб – литургии, всенощной и т. д. Самая развитая фактура наблюдалась в партесных концертах. Упрочению партесного пения на Руси способствовали Петр I и Елизавета Петровна. Среди композиторов, писавших церковную музыку, были Д. Бортнянский, П. Чайковский, С. Рахманинов и др.

ПОП-МУЗЫКА. Музыкальное направление, название которого произошло от popular music – популярная, общедоступная музыка. Это универсальный жанр, который соединяет в себе модные тенденции всех музыкальных стилей и преподносит их слушателю в упрощенной, доступной для восприятия масс форме. Благодаря этой простоте популярные мелодии быстро запоминаются, обладают феноменальной узнаваемостью. Основной принцип – создание стереотипов, которые имеют коммерческую ценность. Поп-музыка носит массовый характер. Среди исполнителей проводятся всевозможные конкурсы, для их «раскручивания» широко используются возможности рекламы.

ПРОГРАММНАЯ МУЗЫКА. Жанр инструментальной музыки, характеризующейся наличием в музыкальных произведениях определенной программы. Программа эта раскрывает нечто недоступное для музыкального воплощения, а и потому не переданное самой музыкой. Например, программа может заключаться в названии: «Утро» Грига, «Фантастическая симфония» Берлиоза и т. д. Программная музыка бывает двух видов – картинная и сюжетная. Картинная программность помогает передать с помощью музыкальных средств описание картин природы, народных гуляний, военных баталий и т. д. Сюжетная программность позволяет развить в музыкальном произведении образы, заимствованные из литературы, сюжет их жизни и последовательность происходящих событий. Программная музыка внесла большой вклад в развитие музыкальной выразительности, новых форм, обогатила круг музыкальных образов. Свое начало это направление берет из Древней Греции. За длительное время существования программной музыки в этом направлении работали многие известные композиторы – Мусоргский, Рахманинов, Скрябин, Глазунов и др.

ПУАНТИЛИЗМ. Один из современных методов композиции. В переводе с французского означает «писать точками». Специфика метода заключается в использовании отрывистых звуков, которые изолированы друг от друга паузами. При этом роль музыкальной фразы принимает на себя отдельный тон или интервал. Носителем идеи произведения становится тон определенной высоты, звучащий в звуковом пространстве. Можно охарактеризовать как «россыпь ярких точек». Пуантилизм не получил развития, но послужил основой для возникновения стереофонии, пространственной музыки и пластовой композиции. Основоположником пуантилизма был А. Вебер.

РАСПЕВ. Форма вокального искусства, занимающая промежуточное положение между мелодией и обычной речью. Применяется обычно в церковной музыке. Распев практически всегда монодичен. Его ритм определяется ритмом речи, он не сопровождается игрой на музыкальных инструментах и не имеет строгого метра. Существует несколько разновидностей распева – знаменный, демественный, путевой, киевский, болгарский и др. При всех различиях всем видам распева свойственны общие черты.

СВЕТОМУЗЫКА. Экспериментальный вид музыкального искусства, основанный на взаимодействии музыки и света. Первопроходцем в этом направлении по праву считается композитор А. Н. Скрябин. В 1910 году он создал свою симфоническую поэму «Прометей». В этом произведении композитор впервые ввел световую партию, которая позволяет не только создавать разнообразные пластические образы, но и противопоставлять свет музыке. В произведениях этого жанра световая и звуковая партии служат для воплощения единого художественного образа. Расцвет «музыки для глаз» пришелся на послевоенные годы. В это время даже создавались коллективы, специализирующиеся на исполнении светомузыкальных произведений. И в настоящее время светомузыкальные постановки организуются во многих театральных и концертных залах. Более того, на площадях разных городов мира появились светомузыкальные фонтаны.

СВОБОДНЫЙ СТИЛЬ. В широком смысле слова этим термином в музыке называют любой стиль, противопоставляемый строгому. В классическом понимании свободный стиль характеризуется разнообразием построения мелодии, широким использованием инструментальных форм и преобладанием минора и мажора. Примером классического свободного стиля являются произведения знаменитых композиторов Г. Ф. Генделя и И. С. Баха.

СЕРИЙНАЯ ТЕХНИКА. Метод сочинения музыкальных произведений, получивший распространение в XX веке. Основан на видоизмененном повторении звукового ряда, выстроенного определенным образом. Серия – звуковой ряд, являющийся единственным источником создания музыкальной ткани произведения. Использоваться может в четырех формах – исходной, инверсии, ракоходе и ракоходной инверсии. Всего существует 48 видов серий, в каждой из которых по 12 высотных позиций. Кроме того, они могут комбинироваться друг с другом. Помимо высотной серии при серийной технике написания музыки используются серии с отличающимися от нее параметрами – артикуляцией, длительностью, динамикой.

СТРОГИЙ СТИЛЬ. Стиль музыкальной полифонии, главенствовавший в хоровой музыке эпохи Возрождения в XV–XVI веках. Название получил из-за строгой регламентации требований к написанию музыкальных произведений. Среди таковых можно назвать использование натуральных ладов, простоту мелодики, диатоничность, ритмическую размеренность.

СТРОЧНОЕ ПЕНИЕ. Вид хорового пения в русской церкви, который сложился в XVI веке и использовался до XVIII века. В строчном многоголосии, как правило, использовалось 2 или 3, реже 4 голоса. Характерные особенности – отсутствие деления голосов по тембровому или регистровому признаку, а также функциональной гармонии. Каждый из голосов имел мелодическое значение. Голос, исполнявший основную мелодию, располагался посередине и назывался путем. По краям – сверху и снизу от него – находились остальные партии. Исходя из этого расположения голосов исполнителей называли путниками, нижниками и вершниками. В произведениях с использованием четвертого голоса также присутствовала мелодия, называемая демеством. В партитуре строчного пения ритмический и высотный контур мелодии был неизменным во всех голосах и подголосочной полифонии. На смену строчному пению пришло партесное.

ФЛАМАНДСКАЯ ШКОЛА. Музыкальное направление в XV–XVI веках, способствовавшее расцвету вокально-хоровой полифонии. Фламандская школа объединяла ведущих композиторов эпохи Возрождения (см. «Нидерландская школа»).

ФЛОРЕНТИЙСКАЯ КАМЕРАТА. Творческое объединение, возникшее во Флоренции в 1580 году. В него входили поэты, музыканты, любители музыки и ученые-гуманисты. Название образовалось от итальянского camerata – «компания». Основателями Флорентийской камераты стали композитор граф Дж. Барди и ценитель музыки Я. Корси. К ним присоединились другие участники. Основным стремлением объединения было возрождение античной трагедии. В XVI веке в музыке господствовала хоровая полифония. Представители Флорентийской камераты выступали за монодию с инструментальным сопровождением. Благодаря их творчеству в музыкальном искусстве появился новый жанр – опера.

ФЬЮЖН. Музыкальное направление, возникшее в 1970 году. Его можно определить как соединение несоединимого. Представляет собой сплав джаза, блюза, рока, авангарда, фламенко, фолка, классики, фанка. Особенность звучания фьюжн – свежие гармонии, утонченная эстетика, изощренный ритм. Уникальность этого стиля заключается в том, что он гармонично сочетает в себе джазовую импровизацию и экспрессию рока, подкрепляемые широким использованием электронных и электрических музыкальных инструментов. Освоить фьюжн под силу лишь виртуозным исполнителям, среди которых можно назвать Джона Скофилда, Орнетта Коулмена, Пата Метэни и др.

ХОМОВОЕ ПЕНИЕ. Система произнесения текста в древнерусском певческом искусстве, сложившаяся в XV веке. Характерная черта хомового пения – добавление гласных звуков между рядом стоящими согласными и в конце слов, заканчивающихся на согласный. На письме гласные звуки не отображались, вместо них стояли буквы «ер» и «ерик». Причиной популяризации хомового пения было стремление церкви придать песнопениям особое звучание, которое бы отличалось от звучания мирского языка. После внедрения в XVII веке просветительских идей хомовое пение подверглось резкой критике. В результате песнопения были приведены в соответствие с реальным звучанием текстов, а хомовое пение сохранилось только у старообрядцев.

ЦВЕТОМУЗЫКА. Направление в музыке, когда исполнение произведения сопровождается последовательностью цветов в соответствии с определенной шкалой колебаний. В XVIII веке соответствие звука и цвета рассматривалось на уровне механических аналогий. Лишь в XX веке музыка цвета нашла свое воплощение. Особенностью цветомузыки является то, что она строится не на дублировании цвета звуком или наоборот, а представляет их как единое целое. Цвет и звук дополняют друг друга, создавая образное единство. Первопроходцами в области цветомузыки стали А. Н. Скрябин, А. Шёнберг, Г. Гидони и др.

ЭЛЕКТРОННАЯ МУЗЫКА. Название жанра современной музыки, имеющего множество стилей и направлений. К электронной музыке относят все музыкальные произведения, созданные с использованием электронного сигнала. Для исполнения подобной музыки чаще всего используются компьютеры, семплеры, синтезаторы, драм-машины. Электронной музыкой называют также произведения, исполняемые на акустических инструментах с использованием электронных усилителей, что характерно при исполнении народной музыки и джаза. Самый распространенный стиль электронной музыки в настоящее время – так называемая клубная музыка.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.