НА СЦЕНЕ И ЭКРАНЕ

НА СЦЕНЕ И ЭКРАНЕ

29 июня 1750 года в старинном русском городе у большого каменного амбара, где прежде купец Полушкин хранил свой кожевенный товар, собралась огромная толпа. Люди пришли сюда, чтобы посмотреть «некое лицедейство, крайне диковинное». Это пасынок Полушкина Федор Волков с товарищами давал свое первое публичное представление. Вскоре маленький театр стал тесен для все умножающегося числа любителей невиданного зрелища.

Зрители первых спектаклей горячо поддержали волковское начинание. Они «не хотели лишиться сей забавы». Простой народ оказался самым благодарным зрителем первых представлений русского театра.

Смерть оборвала жизнь Волкова очень рано — на 34 году жизни. Предание гласит, что он простудился во время постановки уличного маскарада «Торжествующая Минерва» по случаю коронации императрицы Екатерины II.

Зрелище, задуманное Волковым, по самому существу своему было демократично, одушевлено демократическими идеями. Недаром большое место в «Маскараде» было отдано сатирическим «хоральным песням», принадлежащим, по преданию, перу опального в то время драматурга Сумарокова… Волков был не только актером, но и «всему сам изобретателем»— архитектором, живописцем, машинистом сцены, переводчиком, драматургом, баснописцем.

До нас дошли названия его пьес — «Шемякин суд», «Увеселение московских зрителей о масленице», «Всяк Еремей про себя разумей».

Когда в конце 50-х годов прошлого столетия обсуждался проект памятника в честь тысячелетия России, придворные круги отклонили предложения поместить на этом памятнике барельеф Ивана Афанасьевича Дмитровского (1734–1821 гг.), замечательного сподвижника Федора Волкова, «первого российского актера» и члена Российской Академии. При этом они ссылались на то, что «царям-де и вельможам нелестно быть рядом с выходцем из низов». Только спустя 60 лет, в 1921 году, Советская страна торжественно, при участии Академии наук, отметила столетие со дня смерти выдающегося русского актера.

До столетнего возраста играла на сцене Евдокия Алексеевна Иванова, известная провинциальная актриса.

Крепостная матери И. С. Тургенева, Иванова рано попала в услужение в барский дом и вскоре, по распоряжению барыни, была переведена в существующую в селе Спасском-Лутовинове театральную школу с приказанием «готовить из нее актрису». Хорошенькая и способная Дуня Иванова участвовала «на выходах» в спектаклях крепостного театра. Здесь-то в один из своих приездов заметил ее антрепренер П. А. Соколов и в числе других восьми воспитанниц театральной школы принял на оброк в свою труппу.

В 1831 году в Симбирском оперном театре Иванова сыграла роль Анюты в комической опере Аблесимова «Мельник, колдун, обманщик и сват». Яркая разносторонняя одаренность, сильный и приятный голос, правдивая темпераментная игра, красивая внешность сразу же обеспечили молодой артистке шумный успех. Последующие роли в операх и водевилях закрепили славу актрисы и обеспечили ей первое место в труппе.

Соколов выкупил у Тургеневой крепостных девушек-артисток и дал им вольные.

Одна из лучших, талантливейших актрис русского крепостного театра Параша Жемчугова покорила слушателей своим талантом, когда ей было всего лишь 13 лет.

Пожалуй, в мировой музыкальной культуре трудно найти еще пример, когда бы девочка-подросток выступила в драматической оперной партии и провела ее с таким талантом и блеском, как это сделала Параша Жемчугова в лирической опере Монсиньи «Беглый солдат». Хрупкая, слабенькая, совсем еще ребенок, она потрясла зрителей силой темперамента, страстностью в драматических сценах и тонким лиризмом в сценах лирических.

У генералиссимуса А. В. Суворова был свой домашний театр, которым он лично руководил. Суворов сам назначал актеров и актрис, обучал их чтению, манерам, давал им советы, определял амплуа. В домашнем театре Суворова были специальные люди, которые обучали певчих и музыкантов.

Народная артистка Союза ССР Мария Блюменталь-Тамарина (1859–1938 гг.) работала на сцене с 1887 года. Исполняя роль старой Настасьи Панкратовны в пьесе Островского «В чужом пиру похмелье», она удостоилась похвалы знаменитого актера Прова Садовского, который сказал артистке: «Очень хорошо сыграли. Не отбивайтесь от ролей старух. Это ваш путь».

И она после этого играла только роли старых женщин. За полувековой артистический путь Блюменталь-Тамарина создала более 500 образов старых женщин.

Лучше других Марии Михайловне удавались роли любящих матерей.

Звание «Народный артист республики» установлено в мае 1920 года в связи с 50-летием сценической деятельности замечательной актрисы Малого театра Марии Николаевны Ермоловой (1853–1928 гг.). Чествование Ермоловой превратилось в грандиозную манифестацию. Первым в зрительном зале поднялся приветствовать великую артистку Владимир Ильич Ленин.

Великим русским драматургом А. Н. Островским написано 48 пьес. 32 из них рисуют жизнь темного царства — московского купечества. Десять пьес Островского озаглавлены русскими народными пословицами или поговорками: «Свои люди — сочтемся», «Не все коту масленица», «Бедность не порок», «На всякого мудреца довольно простоты», «Не было ни гроша, да вдруг алтын», «Сердце не камень», «Не в свои сани не садись», «Праздничный сон — до обеда», «Не так живи, как хочется», «В чужом пиру похмелье».

Прошло семь десятилетий со дня кончины гениального русского композитора Петра Ильича Чайковского (умер 6 ноября 1893 года), но слава его разгорается все более ярким светом. В Советском Союзе нет музыкального театра, где не шли бы неувядаемые оперы и балеты Чайковского.

Музыку его любят и за рубежом. Опера «Евгений Онегин» в последние годы идет на сценах Вроцлава, Нью-Йорка, Эрфурта, Бухареста, Дрездена, Вены, Хельсинки и ряда других городов. Такова же победная «география» «Пиковой дамы», «Лебединого озера», «Спящей красавицы»…

Именем Чайковского назван международный конкурс исполнителей, на котором молодые музыканты исполняют инструментальные произведения Петра Ильича. В первом конкурсе 1958 года принимало участие 62 человека из 22 стран, во втором, в 1962 году, свыше 130 человек представляли 32 государства.

«Лебединое озеро», «Спящая красавица» «Щелкунчик»— симфонические балеты, равных которым не знала балетная музыка. Все богатство музыки у Чайковского подчинено раскрытию высоких, гуманных идей победы света над тьмой, любви и жизни над смертью. Великий русский композитор дал балету музыкальную драматургию.

Балетмейстеры Иванов и Петипа в постановке «Лебединого озера» в 1895 году впервые раскрыли новаторство балетной музыки Чайковского. Знаменитые танцы лебедей в постановке Льва Иванова — классический пример единства музыки и танца.

Иоганн Вольфганг Готлиб (Амедей) Моцарт (1756–1791 гг.) в возрасте девяти лет был автором 12 напечатанных сонат и нескольких симфоний. В двенадцатилетнем возрасте он написал в Вене свою первую оперу, в тринадцатилетнем — дирижировал торжественной мессой собственного сочинения и получил от Миланского театра заказ на новую оперу, в четырнадцатилетием — поставил в Милане эту оперу, которая называлась «Митридат».

14 лет он приехал в Рим и пошел в собор святого Петра. Там на органе исполнялось одно из произведений церковной музыки. Папский двор держал ноты этого произведения в тайне. Придя домой, Моцарт записал на память всю музыку. Много лет спустя удалось сопоставить запись Моцарта с подлинником нот. Оказалось, что композитор не сделал ни одной ошибки!

За 35 лет жизни Моцарт создал свыше 600 произведений. Но когда сердце композитора перестало биться, у вдовы его не оказалось денег даже для того, чтобы купить ему отдельное место на кладбище. Похоронен он был в общей могиле для бедняков.

На сюжет романа Л. Н. Толстого «Анна Каренина» создано шесть одноименных опер, которые были написаны итальянским дирижером Э. Граннели, французом Э. Малербом, венгерским композитором и скрипачом Иено Губай, итальянцами И. Роббиани и С. Сассоно и советским композитором В. Анпилоговым.

По пьесе Островского «Не так живи, как хочется» композитор Александр Николаевич Серов (1820–1871 гг.) написал оперу «Вражья сила».

Музыкальный талант композитора Александра Порфирьевича Бородина проявился очень рано. В 9 лет он сочинил польку, в 15 лет — концерт для флейты с фортепиано.

Самую знаменитую оперу «Князь Игорь», в которой воспевается мужество и стойкость русского народа, его преданность отчизне, Бородин написал на свое либретто. Над этой оперой он работал с перерывами 20 лет, но так и не закончил ее. После смерти композитора опера была завершена А. К. Глазуновым и Н. А. Римским-Корсаковым, и к ней написана увертюра.

Партию Ивана Сусанина в одноименной опере Глинки первым исполнял русский певец О. А. Петров 27 ноября 1836 года. Художник С. Ф. Худояров (псевдоним— Федоров), бывший крепостной уральского заводчика Демидова, написал портрет полюбившегося ему в этой роли артиста.

В дальнейшем многие исполнители роли Ивана Сусанина соблюдали сходство с этим портретом.

Картина крепостного художника долгое время находилась у Глинки и его наследников, а сейчас содержится в одной из частных коллекций в Москве, фотокопия картины— в Нижне-Тагильском краеведческом музее на родине художника.

Трудно даже перечислить все имена в галерее неувядаемых образов, созданных великим русским певцом Ф. И. Шаляпиным. В его искусстве поражает сочетание изумительных вокальных данных музыкальности и гениального актерского дара.

Федор Иванович создал образы: Сусанина в «Иване Сусанине» Глинки, Мельника в «Русалке» Даргомыжского, Бориса Годунова в «Борисе Годунове» Мусоргского, Сальери в «Моцарте и Сальери» Римского-Корсакова, Дон Кихота в «Дон Кихоте» Массне, Мефистофеля в «Фаусте» Гуно и Мефистофеля Бойто, Галицкого в «Князе Игоре» Бородина, Дона Базилио в «Севильском цирюльнике» Россини.

Записанные на пластинки романсы русских и западноевропейских композиторов — «Сомнение» Глинки, «Песня о блохе» Мусоргского, «Двойник» Шуберта, народные песни в исполнении Ф. И. Шаляпина сохранили для нас бессмертное искусство великого артиста.

Название широко известного танца «хабанера» (habanera) произошло от имени столицы революционной Кубы — Гаваны (Havana), что в переводе значит гаванский танец.

Народная музыка Кубы, ее песни, танцы очень широко известны. Уже упоминавшаяся хабанера, а также румба, болеро — мелодии, по которым во всех странах узнают кубинскую музыку.

Народными мелодиями, своеобразными ритмами и интонациями проникнуты лучшие симфонические, хоровые и камерные произведения современных кубинских композиторов. По решению революционного правительства создан Национальный симфонический оркестр Кубы.

Руководители кубинского балета — Фернанд Алонсо и замечательная прима-балерина Алисия Алонсо создали труппу, одну из лучших на американском континенте. Создан первый национальный спектакль — балет «Пробуждение» молодого композитора Карлоса Фариньяса, где в символических образах показана борьба и победа кубинского народа над силами реакции. Кубинские артисты с успехом выступали во многих странах Латинской Америки, в США, в Канаде, а также в Советском Союзе.

Самый большой в мире театр — «Бланкита театр»— построен в 1949 году на Кубе, в Гаване. Его зрительный зал вмещает 6 тысяч 500 человек.

Известный поэт-сказочник П. П. Ершов — автор сказки в стихах «Конек-Горбунок» — написал также поэму «Сузге», в основу которой положен сказ о жене хана Кучума — красавице Сузге. По этой поэме тобольским композитором М. И. Корниловым в 1896 году была написана одноименная опера, нотная запись которой не сохранилась. Это была первая опера, написанная в Сибири, сибиряком и на сибирский сюжет.

Один из исследователей творчества Мукана Тулебаева справедливо писал, что он «войдет в историю советской музыки, как казахский Глинка». Тулебаев явился создателем значительных произведений в новых для казахской музыки жанрах — симфоническом и хоровом (симфоническая поэма «Казахстан», кантата «Огни коммунизма»). Он — автор национальных опер («Амангельды», написанной совместно с Е. Брусиловским. «Биржан и Сара») и, наконец, основатель казахского романса.

После прошедшей с огромным успехом на сцене Большого театра в Москве оперы «Биржан и Сара» «Правда» писала: «Счастливая мысль создать оперу о народном певце, воспевавшем правду и красоту! Казахский народ чтит память поэта и певца Биржана Кожагулова, передает из уст в уста его песни, историю его жизни. Композитор Мукан Тулебаев почувствовал в себе силу стать наследником Биржана; войдя в высокопоэтическую атмосферу его мелодий, проникнув в сущность его стихов, он сумел создать поэтичное, полное национального обаяния оперное произведение».

Еще будучи студентом Московской консерватории, известный советский композитор и общественный деятель Тихон Николаевич Хренников успешно выступил со своей Первой симфонией у нас, в СССР, а также за границей, в США.

Т. Н. Хренниковым написаны три оперы, которые идут на сценах наших театров: «В бурю» (на сюжет романа Н. Вирты «Одиночество»), «Мать» (по одноименной повести А. М. Горького) и «Фрол Скобеев» (по русской комической повести XVII века).

Советские люди хорошо знают песенное творчество композитора. Его прекрасные лирические песни, такие, как «Песня о Москве» из кинофильма «Свинарка и пастух», «Есть на Севере хороший городок», «Прощание», романсы на слова А. С. Пушкина и Р. Бернса, пользуются большой любовью у самой широкой аудитории.

«Прокофьев во многих отношениях может считаться идеалом советского артиста, идеалом большого художника, умевшего жить одной жизнью со своим народом, откликаться на каждое движение своего народа, мыслить его мыслями, горевать и радоваться вместе с ним». Эти слова Д. Д. Шостаковича можно поставить эпиграфом ко всему творчеству замечательного советского композитора С. Прокофьева.

Его кантата «Александр Невский», оперы «Война и мир», «Семен Котко» (по повести В. Катаева «Я сын трудового народа»), «Повесть о настоящем человеке», «Дуэнья», музыка к фильму «Иван Грозный» завоевали советского слушателя, а балеты «Ромео и Джульетта», «Золушка», «Сказ о каменном цветке» покорили весь мир.

Большой композитор горячо любил детей и много писал специально для них. Им созданы такие настоящие жемчужины в музыке для детей, как сюита «Зимний костер», симфоническая сюита «Петя и волк».

Для оперы нужны хорошие солисты и оркестр, актеры, художники и режиссеры… «Все будет, было бы желание, а его нам не занимать», — сказали любители музыки и песни. После рабочего дня на фабриках, стройках и в учреждениях энтузиасты художественной самодеятельности занимались допоздна, посвящая интересному делу свое свободное время. Росли их ряды, оттачивалось мастерство исполнения. И вот однажды афиши пригласили клайпедчан на премьеру оперы «Евгений Онегин».

Недавно Клайпедский народный оперный театр отметил десятилетие своего существования. В ней свыше ста солистов, симфонический оркестр, балетная труппа. Люди здесь самых разных профессий: инженеры и рабочие, врачи и учителя.

Кроме «Евгения Онегина», театр имеет в своем репертуаре оперы: Д. Верди «Травиата», А. Кленицкиса «У Немана», П. Масканьи «Кавалерия рустикана».

Спектакли оперного театра пользуются у трудящихся портового города неизменным успехом.

В Кирсановском Доме культуры поставлен балет «Дюймовочка». Либретто и музыку на темы одноименной сказки Андерсена написала работница местной швейной фабрики «Победа» Л. Я. Белынская. Лидия Яковлевна организовала в Кирсанове кружок классического танца, в котором занимается около ста юношей и девушек.

Всему миру известно имя великой балерины нашего времени, лауреата Ленинской премии, народной артистки СССР Галины Улановой. Красота, нежность, поэзия сочетаются в ее необыкновенном таланте с умением наполнить создаваемый образ правдой жизни.

Психологическая глубина, блистательная техника, необычная музыкальность помогли Улановой создать такие бессмертные образы, как Жизель, Мария в «Бахчисарайском фонтане», Джульетта. Один из советских поэтов хорошо сказал:

Язык искусства внятен и могуч.

Призыв трубы и плач виолончели,

И девушка, похожая на луч,

Слетает к нам с картины Боттичелли…

Сейчас начнется горестный рассказ.

У Капулетти в колокол ударят…

Как мир велик! Как много ждущих глаз!

Как счастлив тот, кто счастье людям дарит!..

Звенят клинки. Они уже в крови.

Отцы враждуют. Страстно любят дети.

И русская Джульетта по планете

Летит сегодня вестницей любви.

За последние годы Галина Уланова выступала в тринадцати зарубежных странах.

В сентябре 1962 года огромные рекламные щиты оповестили население Нью-Йорка о том, что в здании «Метрополитеноперы» будет выступать «незабываемый Большой театр», прибывающий «прямо из Москвы». Огромные толпы почитателей настоящего искусства ежевечерне устремлялись к театру, вмещающему около 4 000 зрителей. Спектакли советского балета проходили с подлинным триумфом. После спектакля «Лебединое озеро» полчаса бушевали овации, даже когда после 29-го выхода Майи Плисецкой уже были погашены огни рампы и опущен занавес. Американские театральные критики писали, что «публика сошла с ума от восхищения. Зрительный зал кричал, неистовствовал, аплодировал и плакал».

За свою двадцатипятилетнюю творческую жизнь ведущий хореографический коллектив страны — Государственный ансамбль народного танца СССР под руководством Игоря Моисеева поставил пять тысяч концертов, на которых присутствовало 10 миллионов зрителей!

В дни юбилея ансамбля, в начале 1962 года, газета «Известия» написала, что коллектив, руководимый народным артистом СССР Игорем Моисеевым, сейчас вряд ли нужно именовать «ансамблем народного танца». Это театр народного танца, ибо в нем представлены все элементы, свойственные народному театру, — героика и юмор, буффонада и феерия, сатира.

В репертуаре ансамбля более двухсот номеров. Это танцы народов Советского Союза и других стран. Названия их говорят сами за себя: «Монгольская статуэтка», «Танцы славян», вдохновенная композиция «Вива Куба», мексиканская сюита. В каждом танце воспевается красота, мужество, благородство народа. Ансамбль Моисеева выступал почти на всех материках. Всемирный Совет Мира наградил его Большой Золотой медалью за выдающиеся заслуги в деле укрепления мира и дружбы между народами.

Немногие, наверное, знают, откуда берет начало название всемирно-известного Государственного хореографического ансамбля «Березка».

Случилось так, что на первом его концерте в 1948 году исполнялся русский девичий хоровод, участники которого танцевали с ветвями березы в руках. Отсюда и пошло это поэтическое название.

В художественной самодеятельности Казахстана к началу 1963 года участвовало более полумиллиона человек.

Сорока лучшим коллективам республики присвоено звание народных самодеятельных театров. Почетное звание народного театра балета Министерством культуры Казахской ССР и Казсовпрофом присвоено самодеятельному хореографическому коллективу карагандинского Дворца культуры горняков.

Хореографический кружок возник в 1952 году. Возглавила его Валентина Филипповна Ипатова — дочь рабочего, профессиональная балерина, многие годы танцевавшая на сценах Куйбышевского и Свердловского театров. Терпеливо и любовно она обучала молодежь высокому мастерству балета, щедро передавала юношам и девушкам шахтерского города свои знания и опыт.

Творческий коллектив подготовил и успешно поставил в 1960 году «Бахчисарайский фонтан» Б. Асафьева.

В 1962 году на сцене Дворца культуры горняков был поставлен бессмертный балет П. И. Чайковского «Лебединое озеро». В декабре 1962 года первый в Казахстане народный театр балета выступил в Кремлевском театре со спектаклем «Бахчисарайский фонтан». Лучшей наградой для самодеятельных артистов были несмолкаемые восторженные аплодисменты зрителей, в числе которых были такие признанные хореографические авторитеты, как первый постановщик замечательного советского балета «Бахчисарайский фонтан» народный артист РСФСР профессор Р. Захаров, участница первой постановки этого балета лауреат Государственной премии, заслуженный деятель искусств Викторина Кригер. Карагандинские шахтеры, слесари, токари, строители, студенты, врачи, педагоги, инженеры успешно овладели трудным и вдохновенным искусством классического танца. Чарующая легкость танца, мастерство могли бы украсить и профессиональный спектакль.

Кроме Кремлевского театра, Карагандинский народный театр выступил во Дворцах культуры автозавода имени Лихачева и имени Горбунова в Филях.

За заслуги в развитии художественной самодеятельности Президиум Верховного Совета Казахской ССР присвоил Валентине Филипповне Ипатовой звание заслуженной артистки республики.

Слово «клоун» происходит от латинского «колонус», что означает — сельский житель».

Но мы знаем, что клоун — это артист цирка, выходящий на арену, чтобы смешить публику. При чем же тут сельский житель?

Для английских сел в стародавние времена были характерны поголовная безграмотность, невежество, забитость, темнота. Постоянные насмешки и издевательства помещиков и богатых горожан ставили сельских жителей в особо унизительное положение.

В староанглийских комедиях шут, как правило, был сельским жителем. Поэтому его называли «колонус», которое впоследствии переделали в краткое — клоун.

Правда, в английской драме последующих лет клоун, то есть сельский житель, представляется уже не как глупый, наивный оборванец, а как умный и хитрый человек, прикидывающийся простаком. Однако название клоун от этого не изменилось.

До революции в России не было кукольных театров и веселые представления давали бродячие кукольники. Иван Афанасьевич Зайцев прошел со своим «Петрушкой» всю Россию и после революции стал актером советского театра кукол. Зайцев первым среди кукольников получил звание заслуженного артиста республики.

Первый кукольный театр в России был создан в 1918 году художником Иваном Семеновичем Ефимовым и Ниной Яковлевной Симанович-Ефимовой.

В настоящее время в СССР 104 кукольных театра.

На первом международном фестивале кукольных театров в Бухаресте в 1958 году советский кукольный театр получил серебряную медаль, а на втором — в 1960 году — золотую.

У детей и взрослых одинаково пользуются заслуженным успехом постановки Центрального театра кукол, который возглавляет народный артист РСФСР, лауреат Государственной премии Сергей Владимирович Образцов. Слава этого театра разнеслась далеко за пределы СССР.

Искрятся смехом и весельем спектакли «Необыкновенный концерт», «Чертова мельница», «2:0 в нашу пользу».

Кино, по определению Ленина, — величайшее из искусств. Неоценимо его значение для воспитания нового человека. В то же время кино и любимейшее из искусств. Так, в нашей стране кинотеатры посещают ежедневно 11 миллионов человек, то есть столько людей, сколько населяет целый материк — Австралию.

Современное кино — это великий фокусник, для него нет ничего невозможного. Действительно, экран не перестает поражать зрителей удивительными кадрами, которые превосходят порой самую изощренную фантазию.

А известно ли вам, что первые шаги комбинированная, трюковая съемка сделала еще на заре кинематографа? В 1897 году один из первых французских кинооператоров и режиссеров Жорж Мельес обратил внимание на странный эффект, случайно полученный им при обычной киносъемке. Мельес снимал одну из парижских улиц, по которой проходил омнибус. Сняв несколько метров пленки, он прекратил на время работу, а когда начал снова, на месте омнибуса оказался… катафалк. Так как при съемке камера находилась на одном месте, то на экране вся улица оставалась неизменной и лишь омнибус «превращался» в катафалк.

С этого дня Мельес, а за ним и многие другие кинематографисты стали сознательно изучать возможности кинотехники для создания необычных кадров в кино. Прием, открытый Мельесом, широко применяется и сейчас. Он известен под названием «стоп-камера». Это один из многих приемов, которыми пользуются современные кинематографисты.

Ранние игровые фильмы в нашем и зарубежном кинематографе снимались на фоне довольно примитивных театральных декораций, написанных на холсте. Окна, колонны, камины, настенные картины в рамках, а иногда и мебель (шкафы, комоды и т. п.) рисовались на плоскости, не имели объема. Для сцены это было привычной театральной условностью, на экране те же декорации выглядели безжизненными, резали глаз своей фальшью.

И только в конце 1910 года молодой сотрудник Московского художественного театра художник и скульптор Б. Мухин предложил идею — изготовление декораций из щитов с настоящими дверями и окнами, с объемными деталями. Сначала режиссеры встретили это новшество неприязненно и даже открыто саботировали его. Но Мухин все же применил свой замысел на практике, а преимущество его декораций оказалось настолько очевидным, что они нашли широкое применение.

Первый репортаж кинохроники относится к маю 1896 года, когда французские операторы прибыли в Россию ко дню коронации Николая II. Однако царская полиция конфисковала и фильм, и аппарат, а операторов арестовала. Французский консул в Москве добился возврата фильма и освобождения операторов; они продолжали съемки различных событий из русской жизни. Фильм «Коронование Николая II» был выпущен на экраны летом 1896 года.

В США кинохроника началась с репортажей о матчах бокса. В 1897 году хроникеры сняли фильмы «Вступление в должность президента Мак-Кинлея» и несколько других.

Первая русская кинохроника была отснята в ноябре 1896 года харьковским фотографом Федицким.

Французская фирма «Патэ» с 1907 по 1910 год выпускала «кинофеерии»— цветные фильмы, раскрашенные от руки.

В 1910–1914 годах широко применялось варьирование позитивов в различные цвета: ночные виды окрашивались в синий цвет, сцены пожара — в красный и так далее. Но это, разумеется, далеко еще не было настоящим цветным кино.

Первая съемка по способу «сложения» двух цветов была сделана английским изобретателем Чарльзом Урбаном в 1906 году. Первый показ фильма, снятого по этому способу и получившего название «кинемаколор» состоялся в Лондоне 1 мая 1908 года.

Только с начала 20-х годов нашего века изобретатели пришли к выводу, что дальнейшее развитие цветного кино будет основано на методе «вычитания» основных цветов. Первым советским цветным фильмом на многослойной пленке был «Каменный цветок».

В письме, относящемся к марту — маю 1918 года, В. В. Маяковский, живший в то время в Москве, сообщал: «Стихов не пишу. Единственное развлечение — играю в кинемо. Сам написал сценарий. Роль главная… Кинематографщики говорят, что я для них небывалый артист. Соблазняют речами, славой, деньгами…»

Маяковский написал для экрана сценарий по роману Джека Лондона «Мартин Иден», который назывался «Не для денег родившийся». Маяковский играл в нем главную роль поэта Ивана Нова (Иванова) — так был переименован на русский лад герой романа Джека Лондона. В фильме «Барышня и хулиган» по повести «Учительница рабочих» итальянского писателя Эрмондо д’Амичиса поэт исполнял главную роль молодого парня.

К своей работе киноактера Маяковский относился добросовестно, аккуратнейшим образом являлся каждый день в студию.

После смерти Л. Н. Толстого Московская кинофирма «Тиман и Рейгард» решила выпустить на экраны художественный фильм о последних днях жизни писателя «Уход великого старца». Съемки велись в 1912 году в Киеве. Предприниматели купили негатив фильма за сорок тысяч рублей, но фильм на экране не появился: царская цензура запретила его показ.

Несколько частей этой кинокартины сохранилось до настоящего времени.

Кому не запомнился казак Потапов из кинофильма «Чапаев»? Тот самый горем убитый офицерхжий денщик, который с невыразимой грустью говорит: «Брат мой, Митька, умирает… Ухи просит». Между тем мало кто знает, что этот эмоциональный образ принадлежит простому печнику из города Ромны С. И. Шкурату. За создание его он удостоен почетного звания заслуженного артиста РСФСР.

Актер-самородок отметил своеобразный юбилей. Исполнилось 35 лет с тех пор, как он стал сниматься в кино. За это время Шкурат создал в различных фильмах не один десяток образов, выезжая из родного города лишь на время киносъемок и по-прежнему оставаясь верным своему печному ремеслу.

Сейчас Шкурат — персональный пенсионер. Несмотря на свои 77 лет, он продолжает сниматься в кинофильмах.

Съемки фильма «Неотправленное письмо» были очень тяжелыми. Семь месяцев прожила в сибирской тайге киноэкспедиция. Фильм о геологах, нашедших месторождение алмазов, но погибших, не дойдя до Большой земли, решили снимать не в павильоне, а в природных условиях. Вместе с мужчинами через бурные таежные реки, сквозь болота и топи пробирается девушка в черном свитере и высоких резиновых сапогах. Это геолог Таня (арт. Т. Самойлова).

Отдельные эпизоды фильма снимались в жесточайшие морозы. После каждого дубля актрису оттирали спиртом, смазывали лицо жиром и снова принимались за работу. Во время лесного пожара на Самойловой загорелась куртка, но она осталась перед камерой, переснимать эти кадры было бы сложно. Фильм «Неотправленное письмо» учит мужеству и выдержке не только зрителей, но и актеров.

Рабочий Павел Васильевич Никандров первым снимался в роли В. И. Ленина в двух фильмах: «Москва в Октябре» Б. Барнета и «Октябрь» (рабочее название — «Десять дней, которые потрясли мир») С. Эйзенштейна.

Никандров никогда не был актером и играл без грима.

О врожденном поразительном сходстве Никандрова с Ильичем в то время журнал «Ленинградский металлист» писал: «Мы все изумленно вскакиваем. Перед нами Владимир Ильич… Не сон ли это? Ведь это же он, Ильич… Та же знакомая бородка, тот же острый взгляд, наконец, те же традиционные кепка и галстук с крапинками». П. В. Никандров был моложе Ленина на один год. Умер он в 1945 году, в конце войны.

Вторая новелла фильма «Рассказы о Ленине» снималась в самих Горках осенью, которая, к счастью, оказалась поистине левитановской, щедрой и прозрачной. Подлинность пейзажа, обстановки помогла передать на экране особенно поэтичный, полный светлой грусти образ родной русской природы. Как строгий гимн борьбе, красоте, величию звучит в фильме музыка Рахманинова и Танеева.

М. Штраух достиг в роли Ленина полной свободы внутренней жизни, безупречной целостности характера, огромной духовной насыщенности каждого слова, движения, жеста.

В чеканности фраз Ленина, громящего с трибуны капитулянтов, в его ласковой насмешливости во время бесед с медсестрой, которую он шутливо именует Сашенцией, в гордости, с которой говорит Ильич о рабочих, — во всем раскрывается ленинский характер.

Мудрость и человечность — вот две основные черты образа Владимира Ильича, проведенные Штраухом, образа, который повествует нам о Человеке с большой буквы. Воплощение картины оказалось глубже и шире ее замысла. Это дорого и принципиально важно для искусства. Недаром за исполнение роли В. И. Ленина М. Штраух удостоен высшей награды — Ленинской премии.

Киностудия «Мосфильм»— крупнейшая не только в Советском Союзе, но и на всем европейском континенте. Достаточно сказать, что только в одном павильоне «Мосфильма» можно было бы построить четырехэтажный дом примерно на 150 квартир.

«Мосфильму» принадлежит пальма первенства в создании первых советских звуковых, цветных и широкоэкранных кинокартин.

Супруги Торндайк работали над фильмом «Русское чудо» пять лет.

Пять лет работы — это сто шестьдесят тысяч метров кинопленки, в том числе кадры, взятые из архивов многих столиц Европы; это — четыре тысячи фотографий, почти неизвестных общественности; это — четыреста уникальных документов, хранящихся в государственных архивах и у частных лиц; это — восемьсот тысяч километров с киноаппаратом по Советскому Союзу…

Режиссерами проделана титаническая работа. Чудо супругов Торндайк — так оценили их работу советские люди, увидевшие себя на экране з роли героев фильма немецких кинодокументалистов.

Поощрение? Нет. Скорее признание. Фильм супругов Торндайк стал увеличительным стеклом истории Советского государства. Авторы получили множество писем и особенно много от молодежи. «Спасибо, — говорят листки бумаги с почтовыми штемпелями всех краев Советского Союза. — Мы стали современниками отцов благодаря вашему фильму. Мы не только увидели свою историю, но и физически почувствовали ее мужественных героев».